pelicula: Km 666, desvío al infierno

Con la entrada de hoy se pone punto y final al especial de películas de terror, que han venido protagonizando las últimas reseñas de este blog. En la víspera de todos los santos vamos a reseñar una cinta, que marcó el inicio de una saga siendo la segunda parte estrenada en cines, y el resto hasta la sexta entrega fueron lanzadas de forma directa a DVD. Aquí se analizará la primera parte y que supuso la plataforma de lanzamiento para algunos de sus protagonistas a otros proyectos.

Dirigida por Rob Schmidt en 2003, la historia nos cuenta como Chris Flynn (Desmond Harrington) se dirige a una entrevista de trabajo cuando ha de coger un desvío a causa de un accidente. Yendo por el bosque tiene un accidente con un coche aparcado en mitad de la carretera, y que pertenece a un grupo de cinco amigos entre los que se encuentra Jessie (Eliza Dushku) que han ido a practicar senderismo. Al ir a buscar ayuda, los jóvenes serán objeto de caza por parte de una familia de caníbales. La lucha por la supervivencia ha comenzado.

Entretenido film slasher claramente influenciado por dos títulos anteriores, que tratan el mismo tema y que fueron objeto de sendos remakes. Me estoy refiriendo a La matanza de Texas de Tobe Hooper y a Las colinas tienen ojos de Wes Craven, en cuyo argumento se inspiró sin duda alguna Alan B. McElroy a la hora de crear el argumento de Km 666.

La cinta cumple cada unos de los clichés típicos de este género, por lo que no hay novedad ninguna. Todos los que ven este tipo de películas ya saben lo que van a encontrarse. Pero una vez más es la forma en que lo cuentas, o como visualizas las muertes de las víctimas lo que hace que un film pueda resultar más atractivo o no a los espectadores.

El punto fuerte de la cinta es, como no podía ser de otra forma, los efectos de maquillaje encargados de recrear cada una de las muertes de las víctimas ya sean con prótesis o mediante uso del CGI. Así como de los caníbales consiguiendo el efecto justo de ser repugnantes a la par que agresivos. No en vano la producción de la misma corre a cargo del fallecido Stan Wiston, uno de los mejores maquilladores de Hollywood y recordado por su labor en Terminator o Depredador.

La dirección de Schmidt resulta plana y ajustada a este tipo de producciones. No se aprecia la misma garra que demuestran otros realizadores de terror como Alexander Aja (Alta Tensión) o Rob Zombie (La casa de los mil cadáveres) que son capaces de crear una atmósfera y mantener en tensión a los espectadores. En esta cinta apenas hay nada de esto, Schmidt sigue el guión preestablecido careciendo de la habilidad de Aja y Zombie.

Los actores realizan el tipo de interpretaciones que se dan en los slashers. Pero su actuación resulta más plana que de costumbre, en ningún momento te llega a importar lo que les pase. Desde que comienza la película ya sabes cual será su destino. Al menos sirvió a algunos de ellos para participar en series de éxito, como es el caso de Harrington en Dexter y a quién veremos en el nuevo film de Nicolas Windin Refn The Neon Demon, o de Dushku, que venía de triunfar en Buffy: Cazavampiros, en Banshee o roles episódicos en The Bing Bang Theory o poniendo la voz a Hulka en Hulk y los agentes de Smash.

La película tiene una duración ajustada de poco más de hora y veinte, por lo que desde que comienza va directa al grano y no aburre. Lo cual es de agradecer. Además de las referencias arriba citadas a los filmes de Craven y Hooper, uno también puede adivinar el homenaje a las cintas survival en las que gente de ciudad ha de sobrevivir en un entorno natural. De esta forma a uno se le vienen a la cabeza Defensa de John Boorman o La presa de Walter Hill.

Un film para pasar el rato y que no tiene nada que aportar al género de terror. Tan pronto como uno la ve se olvida de la misma.

A continuación el trailer:

pelicula: Fundido a negro

Hoy volvemos a retomar el especial de cintas relacionadas con el terror después del paréntesis de ayer. Tener aficiones es algo bueno, ya sea por la literatura, la música, la cocina, el deporte o el cine cómo es el caso del protagonista de la entrada de hoy. Alguien que lleva su pasión por el séptimo arte hasta los límites de la locura, en uno de esos pequeños filmes a reivindicar y que poca gente conoce.

Escrita y dirigida por Vernon Zimmermman en 1980, la trama nos cuenta como Eric Binford (Dennis Christopher) es un joven aficionado al cine y sobre todo a las películas clásicas. Esto no le hace encajar del todo tanto en su trabajo, como en la relación con Eve (Eve Brent) su tía inválida. Cuando conoce por azar a la aspirante a actriz Marilyn O´Connor (Linda Kerridge) y la invita a ir al cine, olvidando Marilyn la cita la mente perturbada de Eric le llevará a cometer crímenes inspirándose en los personajes de las cintas que ama.

Este es uno de esos casos en los que un film poco conocido,cuenta con una trama cuanto mínimo interesante, una hábil dirección y con una interpretación notable por parte de su protagonista principal . Una cinta ubicada entre el género de terror y el thriller y que trata del desdoblamiento de personalidad, cómo ya hicieran películas como Las tres caras de Eva, Sybil o Psicosis.

Christopher sabe otorgar el punto de locura necesario al protagonista, y con una ligera sobreactuación que lejos de molestar acentúa el descenso a los infiernos de su personaje. A medida que avanza la trama, los espectadores se dan cuenta como va perdiendo poco a poco la razón.

Mientras uno está visionando la película, no puede sentir sino lástima por Christopher. Un pobre diablo con grandes problemas para relacionarse, que tan solo se siente seguro en su burbuja donde nadie puede herirle lo que acabará desembocando en su locura. Así todos aquellos que le hayan humillado o abusado de él de forma previa, encontrarán la muerte a manos de los disfraces de Eric como Drácula, la Momia o Tommy Udo, el personaje encarnado por Richard Widmark en El beso de la muerte.

A lo largo de la película se van intercalando, en no pocas ocasiones fragmentos de filmes clásicos y que nuestro protagonista adora. Además de la ya citada El beso de la muerte los aficionados al cine encontrarán secuencias famosas de Enemigo Público o Al Rojo Vivo, estas dos últimas interpretadas por James Cagney, del cual es fan absoluto nuestro protagonista.

Pese a tratarse de un film de terror, no abusa de la sangre ni se recrea en la misma a diferencia de otras producciones del mismo género que se hicieron en la misma época, que se caracterizaban por mostrarla en pantalla de la forma más visceral posible. No en vano el slasher y algunos de sus filmes más característicos empezaron a realizarse en este período.

La cinta es un homenaje por parte de su director al Hollywood clásico, a las estrellas que formaron parte del mismo y al legado que dejaron.

A modo de curiosidad vemos a un joven Mickey Rourke en uno de sus primeros papeles en el cine, como un abusón que trabaja en el mismo lugar que nuestro protagonista.

Un film que permanece bastante olvidado salvo por aquellos que nos criamos en la época de los videoclubs. No es una gran película, pero si que resulta entretenida y que los aficionados al cine de terror deberían dar una oportunidad si todavía no la han visto.

A continuación el trailer:

concierto: Film Symphony Orchestra 2016

Hoy realizamos un paréntesis con respecto al cine de terror. Ayer tuve la oportunidad de asistir al segundo concierto que la orquesta sinfónica, liderada por el maestro Constantino Martínez-Orts. En un recinto lleno hasta la bandera, los asistentes disfrutaron durante dos horas y media de actuación incluyendo intermedio y los consabidos bises, de algunas de las mejores bandas sonoras de la historia del cine, tanto clásicas como actuales.

Tan solo tres minutos por encima de la hora prevista daba comienzo el concierto. En esta ocasión y a diferencia de los años anteriores, el evento tuvo lugar en el Auditorio Nacional de Madrid por lo que el sonido era mucho mejor. Otra de las novedades fue la presentación de las piezas, a cargo de Constantino y las anécdotas que rodean a las mismas. El evento arrancó con las notas de Dreamworks y los títulos principales de Silverado, partitura a cargo de Bruce Broughton. Una buena forma de arrancar el concierto seguida de Psicosis, de Bernard Herrman que hizo que los corazones de los asistentes se pusieran a latir a mil por hora. Para calmar los nervios, nada como Cinema Paradiso, a cargo de Ennio Morricone, con un tema lento para acto seguido volver a animar a la platea con la marcha de La gran evasión de Elmer Bernstein.
Continuando con el concierto, el siguiente tema fue la banda sonora ganadora del Oscar en la ceremonia de este año Los odiosos ocho, por lo que Morricone repetía. Una de las piezas que más me gustó de esta primera parte junto con la gran evasión. Era el momento de abandonar el Oeste y de adentrarse en el Londres victoriano mediante ¿El final? de la película Sherlock Holmes: Un juego de sombras, de Hans Zimmer. Y del Siglo XIX al futuro en el espacio con la Suite de Star Trek: En la oscuridad a cargo de Michael Giacchino. Y de la ciencia ficción viajamos a los años 80 con la Suite de Gremlins, de Jerry Goldsmith y que servía para llegar al intermedio. Para que tanto la orquesta como la audiencia recuperaran fuerzas, de cara a la segunda parte del mismo.

Al comenzar la segunda parte, hubo una sorpresa que podréis ver en los programas que reparten a la entrada. El primer tema nos hizo viajar a la era hiboria de Conan el bárbaro, mediante el tema El yunque de Crom compuesto por Basil Poledouris. Acto seguido, la orquesta tocó el que sería el primer tema de John Williams de la velada. De esta forma La lista de Schindler fue el primer tema que sonó, pero no el famoso que todo el mundo conoce, si no Recuerdos que no habían tocado hasta la fecha si la memoria no me falla. De una composición melódica y tranquila pasamos a otra, la Suite creada por Rachel Portman para la película Chocolat. Después de dos temas pausados se paso a uno más divertido y animado, que también era interpretado por vez primera. Para la ocasión Constantino escogió los títulos principales de Chicken Run: Evasión en la granja de Harry Gregson-Williams.
Era el momento de ir a una galaxia muy lejana con la partitura de Star WarsVII: El despertar de la fuerza y el tema Los pasos del Jedi y Finale. A continuación la audiencia se traslado a Hogwarts con el tema de Harry Potter y la piedra filosofal, de nuevo compuesto por Williams. De las aulas de magia viajamos a Gotham con la Suite compuesta por Zimmer, que de nuevo repetía, junto con James Newton Howard para El caballero oscuro. Otro de los temas que más me gustó junto con Conan y sin dejar de lado la temática superheroíca, la marcha de Capitán América de Alan Silvestri fue la escogida para poner fin a la velada.

Pero tal y como decía Super ratón años ha "no se vayan todavía aún hay más". Si por algo se caracteriza la FSO es por ofrecer bises, los cuales pueden variar de un concierto a otro. Así dos temas de Williams fueron los escogidos para poner, ahora sí, punto y final a la velada. En el primero acompañamos a cierto arqueólogo a recuperar el arca perdida, mientras que en el segundo fuimos seducidos por el lado oscuro de la fuerza.

Este año la FSO se ha arriesgado al no tocar los temas de siempre a los que nos tiene acostumbrados, como Regreso al Futuro; Tiburón o Parque Jurásico por citar tan solo algunos de los que suelen interpretar de forma habitual. Se echan de menos pero también nuevas partituras son bienvenidas, de esta forma no se termina ofreciendo lo mismo una y otra vez. De esta forma, la formación liderada por el maestro Martínez-Orts innovan de un año para otro y no se estancan.

Durante dos horas y media los asistentes se sintieron transportados a grandes producciones mediante la música. Nos hace vibrar, emocionarnos y trasladarnos de un género a otro permitiéndonos a la vez disfrutar de los mismos.

Si estáis interesados en adquirir entradas para futuros conciertos, pinchad en el siguiente enlace para obtener más información: http://www.filmsymphony.es/

Antes de concluir, avisar que la FSO está preparando un evento que nos permitirá viajar al universo Star Wars mediante una serie de conciertos que tendrán lugar en Abril y Mayo del año que viene.

Como viene siendo norma habitual, aquí os dejo con un par de fotografías que pude hacerme antes de entrar al evento:

pelicula: Clownhouse

Una de las últimas modas a la hora de asustar a la gente, es la de los payasos asesinos. Personas que se visten como estos personajes y que, en vez de provocar risas causan todo lo contrario. Y es que la coulrofobia, término con el que se conoce al miedo a los payasos, ha servido de inspiración para cintas de terror como It o Payasos asesinos del espacio exterior. A estas hay que añadir la entrada de hoy, un slasher poco conocido de finales de los 80 y que, por desgracia, es más famoso por lo que aconteció en el rodaje que por el film en sí como explicaré más tarde.

Escrita y dirigida por Victor Salva en 1989, la historia nos cuenta como tres hermanos Casey (Nathan Forrest Winters) que padece coulrofobia, Geoffrey (Brian McHugh) y Randy (Sam Rockwell) deciden ir al circo una noche que se quedan solos. Al salir, son seguidos hasta su casa por tres locos escapados del manicomio local que, vestidos como payasos convertirán las pesadillas de Casey en realidad.

La década de los ochenta fue un período dorado para las películas de psicópatas. Asesinos como Freddy Krueger, Jason Voorhees o Michael Myers, pese a que éste es de 1978, entre otros se dedicaron a aterrorizar a los espectadores. En los 90 producciones como Scream o Sé lo que hicisteis el último verano, intentaron revitalizar el género, y en la década del 2000 surgieron los remakes de los filmes clásicos como Viernes 13, Pesadilla en Elm Street, Halloween o La matanza de Texas para intentar repetir el éxito de los originales. Algunas lo consiguieron y otras no.

El film de Salva se encuentra influenciado por el slasher, si bien mantiene las distancias. De esta forma no se recrea en la sangre o en los asesinatos, prueba de ello es que algunos no se muestran en pantalla. El realizador prefiera insinuar que mostrar, así juega con el miedo de Casey y la incredulidad de sus hermanos que no creen lo que dice el pequeño de la familia hasta que se dan cuenta del peligro que corren.

La cinta con una duración que no llega a la hora y veinte, utiliza casi una hora de su metraje en presentarnos las relaciones entre los personajes y dejando de lado a los psicópatas, pese a que la presencia de los mismos se intuye en todo momento. Lo que hace que el final, todo resulte demasiado precipitado. Tal vez quince minutos más no le hubieran venido mal.

Tanto los actores principales, salvo Sam Rockwell en el que fue su debut en la gran pantalla, como los secundarios no volvieron a intervenir en ninguna cinta más. Esto os hará una idea del presupuesto que tuvo la cinta y de la poca repercusión que tuvo.

Esta película no fue la primera de Salva, puesto que había debutado un par de años antes con el film Something in the basement, cuyo cartel se puede ver en Clownhouse en un momento. Parecía que estábamos ante un realizador de terror con un gran futuro por delante, pero las relaciones sexuales no consentidas y grabadas que tuvo con Forrest hizo que le condenaran a prisión. Al salir no encontraba trabajo como director, hasta que filmó para Disney Powder en 1995 y en 2001 nos trajo una de las cintas más divertidas de terror de esta década Jeepers Creepers, cuya secuela se estrenó dos años después y una tercera próxima a estrenarse el año que viene.

Con un argumento simple el realizador consigue mantener la atención de los espectadores. Tiene un ritmo pausado, como se ha indicado anteriormente, lo que no quiere decir que sea aburrido. Aquellos que esperen una carnicería sin fin y con desnudos gratuitos, se sentirán defraudados y tachen a la cinta de mala, aburrida o una perdida de tiempo.

Una película interesante y que merece una oportunidad, pese a lo poco novedoso de su trama. Sirve para ver los inicios tanto de Salva como de Rockwell y ver la evolución que ambos han tenido, sobre todo en el caso del segundo. Capaz tanto de lo mejor, como Moon, Confesiones de una mente peligrosa o El desafio: Frost contra Nixon, como de lo peor, Cowboys contra aliens o el remake de Poltergueist.

A continuación el trailer:

documental: Lovecraft: Fear of the Unknown

Cuando a un lector le preguntan que cite a los escritores clave dentro del género de terror, lo más seguro es que los primeros nombres que le vengan a la cabeza sean Edgar Allan Poe; Stephen King; Clive Barker; Bram Stoker o H.P. Lovecraft. Es precisamente este último autor de Los mitos de Cthulhu o Las montañas de la locura, el protagonista de la entrada de hoy. Un documental en el que su figura es analizada por gente relacionada con el fantástico y el horror, ya sean escritores o directores de cine.

Dirigido y escrito por Frank H. Woodward en 2008, la cinta supone un análisis exhaustivo acerca de la figura del escritor oriundo de Providence. Mediante entrevistas a directores como Guillermo del Toro; Stuart Gordon o John Carpenter, y a escritores como Neil Gaiman; Ramsay Campbell o Caitlin R. Kiernan nos narran la influencia que Lovecraft ha tenido en su obra.

Más que interesante documental en el que la vida y obra de Lovecraft es diseccionada. Desde su complicada infancia, y de los autores que le iniciaron en el terror, pasando por su etapa adulta y sus problemas para relacionarse, su nada oculta xenofobia y antisemitismo, así como su relación con la que fue el amor de su vida Sonia H. Greene, su amistad con escritores como Robert Bloch o Robert E. Howard, y la evolución que fue sufriendo como escritor alcanzando su madurez en los años previos a su temprano fallecimiento.

El documental intercala la narración de su vida con entrevistas, así como con diversas ilustraciones de Cthulhu; Yog Sothot; Azazoth o del propio autor junto con las portadas de las diversas revistas con las que colaboró y publicó sus historias destacando Amazing Stories. Algunas de estas láminas son impresionantes y hace que uno se quede con la boca abierta.

La influencia que ha tenido Lovecraft en el mundo del cine se ha notado no solo en las adaptaciones de sus filmes, algunos más afortunados que otros, como Dagón; Reanimator o Resonator. Si no también en producciones que beben de su mundo como Hellboy; La cosa; Miedo en la ciudad de los muertos vivientes; El ejercito de las tinieblas o Prometheus. Pero también en el mundo de la literatura, en el que los homenajes a la figura del escritor de Providence no han parado de sucederse. Bien sea en la ambientación de relatos en Arkham o Dunwich o utilizando a Cthulhu o el Necronomicón.

Durante sus 90 minutos tanto los aficionados a Lovecraft, como aquellos que se quieran aproximar a su figura disfrutarán de un documental bastante ameno, de uno de los escritores básicos a la hora de entender el horror.

A continuación el trailer:

pelicula: Segundo sangriento

Resulta cuanto menos curioso como la carrera de un actor puede variar según la elección de sus papeles. Eso es lo que pasó con el protagonista de la entrada de hoy Rutger Hauer. Quién fuera actor fetiche de Paul Verhoeven en su etapa holandesa y después de actuar en clásicos como Lady Halcón; Blade Runner o Carretera al infierno intervino en varias cintas de acción o terror de serie B, cuando no Z, en las que no tenía oportunidad de demostrar su talento interpretativo. Ese es el caso del film que os voy a comentar, una apreciable película de serie B que con el tiempo ha ido ganando adeptos.

Dirigida en 1992 por Ian Sharp y Tony Maylam y con guión de Gary Scott Thompson, la trama nos cuenta como en 2008 Londres se encuentra inundada por las lluvias caídas durante 40 días tras el cambio climático. En este desolado paisaje el duro y solitario detective Harley Stone (Rutger Hauer) atormentado por la muerte de su compañero, intentará dar caza al asesino con la ayuda de su nuevo compañero el novato Dick Durkin (Neil Duncan).

Además de los intérpretes arriba mencionados en el reparto hallamos a la guapa Kim Cattrall, como el interés amoroso de Stone y al fallecido actor Pete Postlethwaite, en el rol del consabido policía que no para de tener encontronazos con nuestro protagonista por su forma de ser. Las actuaciones tanto de unos como de otros son apañadas, lo justo para salir del paso.

Entretenida cinta de serie B con claras influencias a Alien, el diseño del monstruo es una copia del imaginado por Giger, y Blade Runner. Y a la que sin duda con algo más de presupuesto o con un guión más elaborado,se le podía haber sacado más chicha puesto que argumento del film se prestaba a ello. Lástima que no se le sacara más partido.

Prueba de ello está en el origen del monstruo, el cual nunca queda explicado del todo. Pero la influencia de la leyenda del Wendigo, que podéis leer en el siguiente enlace http://www.escalofrio.com/n/Hombres_Lobo/El_Wendigo/El_Wendigo.php es más que evidente.

La cinta no deja de ser la típica buddy movie, salvo que en esta ocasión en vez de ir tras el traficante de turno, han de enfrentarse a un monstruo que arranca los corazones a sus víctimas. Ambos protagonistas se compenetran bien y consiguen que la película avance y resulte entretenida.

Uno de los aspectos negativos del film es que el monstruo apenas aparece, y cuando lo hace ocurre en los minutos finales. Nunca se le ve, por lo que los espectadores han de hacer uso de su imaginación y cuando lo ven quedan decepcionados, tanto por la copia descarada como por lo pobre del diseño.

Una cinta divertida que no aburre y que uno recuerda con cariño. Típica película de videoclub que uno alquilaba para pasar el rato, y que se sostiene sobre todo por el carisma desplegado por Hauer con su gabardina y gafas de sol y su actitud chulesca y pasota.

A continuación el trailer:

pelicula: Wrestlemaniac (El mascarado massacre)

Se acerca Halloween por lo que como viene siendo costumbre en el blog, vamos a dedicar esta semana a aquellas producciones o libros con temática de terror. Hoy damos el pistoletazo de salida a este especial, con una cinta que reune dos elementos tan divertidos y en apariencia tan dispares como son la lucha libre y el miedo en una producción poco conocida entre el público español. La cual puede descubrir de casualidad gracias al libro Psychobase vol. 1, en el que nos hablaban de psicópatas del cine y en el que aparecía el protagonista de la entrada de hoy. Un asesino un tanto peculiar como se podrá ver a continuación.

En el año 2006 se estrenaba esta cinta con dirección, montaje y guión de Jesse Badget en el que se nos contaba la historia de un grupo de jóvenes, que decididos a rodar una película porno amateur se pierden por el camino y van a parar al pueblo conocido como La sangre de Dios, donde habita El mascarado un luchador de wrestling que se volvió loco y ahora vive en el lugar. Las muertes no tardarán en sucederse.

Tal y como se puede ver por el argumento, pura serie B en el que los protagonistas esperan su turno, como si estuvieran haciendo cola en el supermercado, para ser despachados por el psicópata de turno. Con la peculiaridad de que aquí el asesino, se vale tan solo de su fuerza bruta y de sus habilidades para la lucha libre para ir dando matarile a los incautos que han ido a sus dominios.

El reparto está integrado por caras poco conocidas para la mayoría de los espectadores, salvo en el caso del ya fallecido Irwin Keyes, a quienes los aficionados al cine recuerdan en roles secundarios en La casa de los 1000 cadáveres; Los picapiedra o Crueldad intolerable, por citar algunas de sus películas más conocidas.
Y en cuanto a los protagonistas más vale correr un tupido velo. Sus actuaciones son muy justitas. Prueba de ello es que la mayoría apenas ha hecho nada relevante o dar señales de vida. Al menos no todos sobreactuan demasiado, lo cual es de agradecer.

Uno de los puntos a favor de esta cinta es su duración, poco más de hora y diez. Narrada en forma de flashback, y tras unos títulos de crédito en el que los espectadores ven un combate de lucha libre, la acción nos traslada a los sucesos que tuvieron lugar antes del inicio del film. La película no concede un momento de respiro, es imposible aburrirse lo cual hubiera sido de traca que con tan poco metraje uno tenga que mirar el reloj cada dos por tres.

No hay que cuestionar el guión, puesto que si nos ponemos a ello le podemos encontrar más agujeros que a un queso de gruyere. Puesto que dos de las reglas esenciales para sobrevivir en un film de terror, esto es no drogarse y no follar, se las pasan por el arco del triunfo y pasa lo que termina pasando. A veces parece que lo van pidiendo a gritos, ya solo faltaba un negro para completar el poker de clichés de este tipo de películas.

El villano está interpretado por Rey Misterio Sr, tío del que fuera famoso luchador de la WWE Rey Misterio. El malo no pronuncia una sola palabra en toda la cinta, y su voz está doblada por Fred Tatasciore, doblador de Hulk en las películas y series de animación entre otros trabajos.

Al menos las muertes cuentan con buenos efectos de maquillaje, lo cual se agradece y más teniendo en cuenta que fue una cinta lanzada de forma directa a DVD por lo que su presupuesto debió de ser bastante ajustado a tenor del resultado final.

La cinta es floja, para que vamos a engañarnos. Pero dentro de ello se deja ver y es ideal para ver con amigos y echarse unas buenas risas. Una producción simpática y que sin duda os hará pasar un buen rato mientras la veis.

A continuación el trailer:

pelicula: Doctor Extraño, el hechicero supremo

Con motivo del estreno este viernes de la nueva cinta de Marvel Doctor Extraño, vamos a comentar la anterior película que tuvo como protagonista al hechicero supremo de "la casa de las ideas". Sí bien ya había aparecido de forma secundaria en diversas series animadas como Spider-man o Los Vengadores, fue hace 9 años cuando Stephen Strange contó con su propio film. Y ahora Benedict Cumberbatch será el encargado de encarnarlo en la gran pantalla, después de que el proyecto contase con no pocos problemas hasta que por fin se hizo realidad para alegría de los fans con los que cuenta este personaje.

Dirigida por Jay Oliva y basada en el personaje creado por Stan Lee y Steve Ditko, la película nos cuenta como tras un accidente el brillante pero egocéntrico neurocirujano Stephen Strange queda inhabilitado para ejercer su profesión y caerá en una depresión, lo que le llevará a viajar al Tibet y conocer al hombre que le cambiará la vida El Anciano, quién le instruirá en las artes místicas para convertirse en el defensor de la tierra ante amenazas sobrenaturales.

Interesante film con una animación correcta pero que flojea en el guión. Más o menos respeta el inicio del personaje, pero incluye personajes secundarios cuyo destino está más que determinado y que apenas tienen que aportar nada a la trama. Al menos, otros protagonistas esenciales dentro del universo de Extraño como El anciano, sus némesis Barón Mordo y Dormammu y el que será su ayudante Wong, aquí sin su rapada cabeza, tienen su importancia en el devenir de los acontecimientos. Al final los responsables de la cinta se permiten un simpático guiño a los aficionados al personaje, al nombrar a la que será el interés amoroso y aprendiz de Strange: la bella hechicera Clea.

Otro de los aspectos por los que el film no llega a ser mejor es el diseño del Dormammu. El antagonista principal parece un sosías del Balrog de El señor de los anillos, nada que ver con el aspecto clásico que todos los seguidores con su cabeza llameante. Si bien la adaptación animada puede llegar a resultar amenazante, traiciona la imagen que los fans del hechicero de Marvel tienen en mente. Es cierto que al ser una adaptación hay que introducir los consabidos cambios, pero este resulta fuera de lugar.

El film con una duración de poco más de hora y diez ocupa casi la mitad de su metraje en la presentación del personaje. Lo que puede llegar a molestar a aquellas personas que esperaban que la misma fuera mínima e ir al meollo del asunto: el ver al mago enfrentándose a sus enemigos, lo que tiene lugar en el tercio final de la cinta. Pero la espera desde luego merece la pena.

El diseño de los personajes es bastante estilizado y con estética de anime, como parece ser que viene siendo habitual de un tiempo a esta parte en las películas de animación de adaptaciones de superhéroes. Los momentos de acción están bien dirigidos, con Extraño poniendo a prueba sus recién adquiridas habilidades con los enemigos que han cruzado el portal creado por Dormammu hasta nuestra dimensión hasta su confrontamiento entre ambos.

Una cinta que es de lo mejor que ha salido dentro del departamento de animación de Marvel que sigue el camino opuesto a los de su competidora DC. Si bien la casa de Superman y cía tiene un departamento de animación bastante bueno y que flojea, salvo en la trilogía de Batman de Nolan, en las de imagen real en Marvel ocurre lo contrario. Sus películas con actores son bastante buenas y en animación no tanto.

Un film que sirve para abrir boca ante lo que nos espera este viernes, cuando por fin veamos a Cumberbatch usar el ojo de Agamotto e invocar los hechizos del libro de Vishanti ante los magos oscuros que amenazan con conquistar la tierra.

A continuación el trailer:

pelicula: Un monstruo viene a verme

Tras El orfanato y Lo imposible, el realizador Juan Antonio Bayona pone fin a su particular trilogía sobre madres e hijos en su nuevo film Un monstruo viene a verme, basado en el libro escrito por Patrick Ness, con ilustraciones de Jim Kay, que también se ocupa del guión y que completó el trabajo iniciado por Siobhan Dowd que iba a ser la la autora original y que falleció de cáncer de mama de forma prematura. Al no haber leído la fuente original, no puedo comparar ambas versiones por lo voy a hablar del film en sí y de lo que me pareció.

La cinta nos cuenta como Conor O´Malley (Lewis MacDougall) un adolescente de 13 años se enfrenta al cáncer de su joven madre (Felicity Jones), a la estricta severidad de su abuela (Sigorney Weaver) y al encuentro con su padre (Toby Kebbell) recién separado de su madre. Su mundo sufrirá un vuelco cuando un monstruo (voz y captura de movimientos de Liam Neeson) le contará tres historias que le ayudarán a seguir viviendo el día a día, a cambio de que Conor le cuente una cuarta.

Con esta película Bayona demuestra que es uno de los realizadores a tener en cuenta, tanto en nuestro cine como en la industria hollywoodiense en la que parece haberse asentado y seguir el camino de otros directores patrios como Jaume Collet-Serra (La huerfana; Infierno azul);  Alejandro Amenabar (Agora); Miguel Ángel Vivas (Extinction); Juan Carlos Fresnadillo (28 semanas después); Rodrigo Cortés (Enterrado) o Nacho Vigalondo (Open windows) de trabajar con grandes presupuestos y estrellas internacionales a la hora de sacar adelante sus proyectos.

Dos son los elementos a destacar dentro del film. El primero son los actores, realizando unas muy buenas interpretaciones destacando la llevada a cabo por el protagonista. Con sus gestos, miradas y palabras consigue emocionar a la audiencia. Bayona tiene buen ojo a la hora de escoger tanto a los adultos como a los niños a la hora de confeccionar sus repartos. Buena prueba de ello es Tom Holland, el nuevo Spider-man que debutó con el realizador de Lo imposible. Weaver, Neeson y Jones tampoco se quedan atrás, pero MacDougall demuestra una gran madurez pese a su juventud al aguantar el tipo con actores con más años de experiencia a sus espaldas.

El segundo corresponde a la parte visual que resulta bastante impresionante, no solo por el monstruo sino sobre todo gracias a las dos primeras historias que cuenta. En formato de cuento de hadas hacen que los espectadores se queden con la boca abierta. En vez de recurrir a actores reales para narrar las historias, las mismas se cuentan con animaciones hechas con acuarelas y ordenador. Fueron sin duda los dos momentos que más me gustaron de toda la cinta, tanto por lo que contaban como por la forma en la que lo hacían.

Pero es en la parte sensiblera donde la película tiene su principal problema. La historia que cuenta es bastante dramática, pero Bayona además recurre a la sensiblería para provocar las lágrimas en los espectadores, sobre todo en la parte final de la cinta. Lo que a la larga puede acabar jugando en su contra sobre todo en aquellos espectadores que no derramen una lágrima al acabar la proyección.

Parece que si no lloras te pueden acusar poco menos que de monstruo insensible y de no tener sentimientos. Uno puede tratar los temas que trata el realizador como son la soledad; el acoso escolar o el miedo a la perdida de los seres queridos entre otros sin necesidad de provocar lágrimas cada dos por tres. Se puede emocionar al espectador, pero sin caer en la trampa de la sensiblería gratuita.

Bayona consigue aquí su film más redondo hasta la fecha y el que más me ha gustado, después de la decepción que me supuso El orfanato y que Lo imposible me dejara frío a pesar de la buena factura de ambas producciones. Espero que con su nuevo proyecto, la secuela de Jurassic World pueda ofrecer un producto más ligero y sin la carga dramática que ha servido de motor a sus trabajos hasta Un monstruo viene a verme.

Una cinta con una buena factura técnica e interpretativa que promete arrasar en la próxima entrega de los Goya.

A continuación el trailer:

 

libro: Pronto será de noche

Cantaba Chavela Vargas en Noches de boda junto con Joaquín Sabina "que el fin del mundo te pille cantando". Así es como les pilla a los protagonistas de la entrada de hoy, pero no precisamente cantando sino en uno de los lugares donde más a prueba se pone la paciencia del ser humano: un atasco. Sí ya de por sí es algo que ataca los nervios al más pintado, imaginad la misma situación en un apocalipsis y con un asesino rondando en el embotellamiento. Cuando llegue la noche no cierres los ojos o la próxima víctima podrías ser tú.

Escrito por Jesús Cañadas la trama nos cuenta como la población está huyendo hacía el sur del fin del mundo, en un atasco sin fin y hasta donde alcanza la vista. La aparición de un cadáver hace que Samuel, un policía atrapado en el embotellamiento, se ponga a investigar sobre la identidad del asesino antes de que vuelva a actuar cuando llegue la noche.

En poco más de 250 páginas el autor consigue enganchar a los lectores con una trama en la que la identidad del asesino, la cual queda resuelta poco antes de la conclusión del libro, llega a quedar en un segundo plano. El resto de la novela mantiene en tensión todo el rato, con una atmósfera bastante claustrofóbica pese a que todo transcurra en un espacio abierto.

Cañadas nos presenta un paisaje desértico, ardiente en el que el agua escasea y los alimentos brillan por su ausencia, lo que no hace sino aumentar la sensación de desamparo y soledad de aquellas personas que se encuentran atrapadas en el atasco. Las conversaciones que mantienen, así como los vínculos afectivos que surjen son por las circunstancias que están viviendo. Sólo se tienen los unos a los otros, son relaciones vacías.

El autor nos presenta unos personajes que no son los arquetipos que uno suele encontrarse en las producciones de catástrofes, como el gracioso, el héroe o la chica que necesita ser salvada. Aquí los protagonistas no solo huyen del fin del mundo, sino también de algunos de los sucesos de su pasado. Todos tienen algo que ocultar, tal vez el apocalipsis sirva para expiar sus pecados y redimirse en algunos casos.

En la obra la violencia aparece en contadas ocasiones, pero en el momento que lo hace el escritor no duda en recuperar el tiempo perdido. Lo que nos describe no tienen nada que envidiar al cine de terror con casquería. La sangre parece salpicar las páginas. Pero lo que causa más inquietud a los lectores son las relaciones y situaciones por las que atraviesan los protagonistas. Se encuentran excitados la mayor parte del tiempo tanto por el calor como por lo que están viviendo. Y a los lectores se les transmite esa sensación, se meten en la trama y les gustaría ayudarles dando agua o alimentos, pero no pueden.

Después de haber escrito una novela más ligera y con tintes de aventura en Los hombres muertos, cuya reseña podéis leer en el siguiente enlace http://cinefagia80.blogspot.com.es/2014/09/libro-los-nombres-muertos.html el autor cambia de registro en el que es su trabajo más reciente y nos ofrece un libro y seco, donde no hay lugar para la esperanza.

Durante toda la obra es como si los lectores se metieran en un combate de bóxeo con Mike Tyson, la tensión va subiendo poco a poco hasta que llega el momento en que el lector recibe el golpe que lo envía a la lona. Y cuando lo recibe cuesta levantarse por lo impactante que resulta.

La conclusión, que por supuesto no voy a desvelar, se ve venir ya desde las primeras páginas y no molesta. Todo lo que ha ido construyendo el autor casa, haber finalizado la obra de otra forma hubiera sido traicionar el espíritu que se había ido formando.

Una de las mejores novelas que he leído en lo que va de año y perteneciente a la colección Valdemar Insomnia, a la que pertecenen títulos como John muere al final de David Wong; Extraños eones de Emilio Bueso o Disforia de David Jasso.  Y sin duda el trabajo más maduro de su autor.

Una novela recomendable si os gusta una visión distinta del fin del mundo ambientada en nuestro país y donde no hay lugar para los héroes.

pelicula: Snowden

Héroe para unos y villano para otros la figura de Edward Snowden no deja indiferente a nadie. Su figura ya fue tratada en documental del año 2014 CitizenFour dirigido por Laura Portias. Ahora es el realizador Oliver Stone (Platoon; JFK; Nacido el 4 de Julio), el que ofrece su particular visión sobre este informático de la CIA que divulgó que el gobierno de los Estados Unidos vulneraba el derecho a la intimidad de millones de personas espiando sus llamadas, correos electrónicos o redes sociales.

Con guión y dirección de Oliver Stone y ubicada entre los años 2004 a 2013, la cinta nos cuenta como tras un accidente en su formación como militar en Fort Bragg, Edward Snowden (Jospeh Gordon-Levitt) entra a trabajar para la CIA como informático. Allí conocerá al que será su mentor Corbin O´Brien (Rhys Ifans) e iniciará una relación con Lindsay Mills (Shailene Woodley) a la que conoce por internet. Pero según va conociendo las técnicas que emplea su gobierno para cazar terroristas, menos de acuerdo estará con el mismo al ver como se vulnera el derecho a la privacidad de los ciudadanos del mundo. Esto le llevará a tomar la decisión de hacerlo público y a ponerse en contacto con los periodistas Glenn Greenwald (Zachary Quinto) y Ewan MacAskill (Tom Wilkinson) y con la documentalista Laura Portias (Melissa Leo) en una entrevista en Hong Kong.

Resulta cuanto menos curioso cómo con apenas un par de años de diferencia se han estrenado dos filmes que tratan dos figuras tan polémicas y controvertidas como Julian Assange interpretado por Benedict Cumberbatch en El quinto poder del 2013 dirigida por Bill Condon y ahora Snowden en la cinta de Stone.

La cinta cuenta con un buen ritmo y una hábil dirección de Stone, pese a que este film esté lejos de ser uno de sus mejores trabajos. El acercamiento que realiza el director de Wall Street más que ser un biopic al uso, que lo es, puede calificarse más como un thriller de espías, mundo en el que se mueve Snowden y en el que todo el mundo tiene sus secretos.

Todos los actores están bastante bien destacando Gordon-Levitt, quién realiza una interpretación bastante solvente de Snowden, cuyo parecido físico con el informático es más que evidente. Con este rol Levitt demuestra ser uno de los mejores actores de su generación y parece haberse especializado en dar vida a personajes reales, tras haber hecho lo propio en El desafío, al meterse en la piel de Philippe Petit el equilibrista que cruzó las torres gemelas en 1974.

Además de los actores ya mencionados, en el apartado de secundarios encontramos a Joely Richardson como Janine Gibson jefa del personaje de Quinto; a Timothy Olyphant en el rol del agente de la CIA Geneva que coincide con Snowden en una misión; a Scott Eastwood como Trevor, colega de Snowden en su trabajo en Hawai y a Nicolas Cage, como Hank Forrester otro de sus mentores en la CIA, en un rol bastante controlado al que nos tiene acostumbrados y en donde demuestra el talento que tiene como intérprete.

Uno de los problemas que tiene la cinta es que Stone no juzga las acciones que llevó a cabo Snowden. Se pone de su lado en todo momento, tal vez si hubiera mostrado aspectos oscuros de su personalidad el resultado hubiera resultado más satisfactorio.

Otro de los aspectos en contra es que la figura de Snowden ya fue tratada en el documental antes citado y el hecho de que se siga vivo reduce toda capacidad de sorpresa entre los espectadores.

Pese a los fallos arriba citados, sigue siendo un film interesante y que mantiene la atención del espectador durante sus poco más de dos horas de metraje.

A continuación el trailer:

teatro: Sister act, el musical

Un año más los alumnos y antiguos alumnos del colegio Diocesano Cardenal Cisneros vuelven a ofrecer una adaptación musical tras haberlo hecho en años anteriores con Seusical, La bella y la bestia; Shrek y Aladdin. En esta ocasión la obra elegida para representar ha sido Sister Act, que protagonizara en la gran pantalla en los años 90 Whoopi Goldberg. Y una vez más lo han vuelto a lograr, consiguiendo que el público asistente se lo pasara en grande con las peripecias de una monja un tanto peculiar.

La obra dirigida por Miguel Ángel Garrido nos cuenta cómo la vida de la cantante Deloris Van Cartier (María Montiel), da un giro de 180º cuando presencia un asesinato cometido por su amante Curtis (Álvaro Blecua). Para protegerla la policía la esconde en el último lugar donde el villano la buscaría, el convento de Nuestra Señora de los Ángeles. Desde el momento en que llega cambiará la vida de todas sus integrantes, incluida la estricta madre superiora (Sandra Pajares).

Los alumnos del Diocesano han demostrado de nuevo que con mucha ilusión y un presupuesto importante, sacan oro del mismo. Tal y como ocurrió en Aladdin ya reseñada en este blog (http://cinefagia80.blogspot.com.es/2015/04/teatro-aladdin.html)  los decoradose intercambian cuando las luces se han apagado, se realizan de manera rápida con lo que todos los implicados en hacerlo tienen que funcionar con precisión para que se realice de la manera más eficaz posible. Huelga decir que el resultado es más que satisfactorio. De un convento se pasa a una misa, o a un bar, a la guarida del villano o a un dormitorio. Todo ello en cuestión de segundos.

La obra está repleta de humor y de actuaciones musicales, tal y cómo ocurría en el original. Y la adaptación que han hecho a nuestro idioma, con particulares chistes y chascarrillos en castellano a la cultura popular no molestan. Las bromas sobre chistes actuales causan carcajadas en el público,  gracias sobre todo al buen hacer de sus intérpretes y el desparpajo que destilan a lo largo de la representación.

Pero si en Aladdin el genio robaba cada una de las escenas, en esta ocasión la culpable de hacerlo y de llevarse las carcajadas y el cariño del público es la hermana María Lázaro (Sonia Biurrun). Una hermana cascarrabias y que tiene para sí los mejores golpes de humor en toda la trama. Era un papel bombón y la actriz lo ha sabido aprovechar.

Además de los actores antes mencionados, en papeles de importancia encontramos a Pablo Palafox como Eddie Souther, policía enamorado en secreto de Deloris que la esconderá en el convento; Cristina Arranz como María Roberta, la novicia joven que se ganará de forma rápida el corazón de la protagonista con su inocencia; Cristina Armero en el rol de María Patricia, una monja cuanto menos peculiar; Luís Paarup como Monseñor O´Hara, que conoce la verdadera identidad de la falsa monja; Sergio García, Santiago Sánchez y Miguel Bernal como Joey, TJ y Paolo respectivamente, los secuaces de Curtis; a Ricardo Jalvo como Ernie; Agustín Mercado como un taxista y diversas actrices como el coro de monjas que acompañan a nuestra protagonista en el devenir de la historia.

Los números musicales, de buena factura y con interpretación en directo, donde la mayoría de los intérpretes tienen su momento de lucimiento en poniendo a prueba sus dotes vocales, se van alternando con los golpes de humor. Estas actuaciones resultan impresionantes tanto por el vestuario, como la coreografía y la iluminación. El trabajo y el esfuerzo de meses se ha visto recompensado, ya que toda la audiencia se lo pasó en grande en el que fue el segundo pase tras el estreno que tuvo lugar el 15 de Octubre.

Todos los actores consiguen conectar enseguida con la audiencia, derrochando simpatía y buen humor. Buena prueba de ello tiene lugar al final de la obra, cuando un número cómico homenaje a Benny Hill y sus famosas persecuciones se suceden previo al número músical que cierra la obra.

Si estáis interesados en ver la obra, basta con pinchar en el siguiente enlace: http://www.siguenza-guadalajara.org/index.php/diocesis/articulos-de-blog/1502-15-de-octubre-estreno-del-musical-sister-act-en-el-diocesano

A continuación diversas fotos, tanto del número musical final como con algunos de los actores que tuvieron la amabilidad de posar con un servidor:

pelicula: Inferno (2016)

Por tercera vez, Tom Hanks vuelve a encarnar a Robert Langdon en su tercera aventura cinematográfica en la adaptación de la novela homónima escrita por Dan Brown, que en esta ocasión si he tenido ocasión de leer por lo que nombraré las diferencias entre ambas obras . Y de nuevo, vuelven a coincidir Hanks y Ron Howard, realizador de las anteriores entregas del experto en simbología. En esta ocasión, Langdon tendrá que poner a prueba sus conocimientos sobre Dante y de su obra más conocida "La Divina Comedia".

Cuando el experto en simbología Robert Langdon (Tom Hanks) despierta sin memoria en un hospital de Florencia, será ayudado por la doctora Sienna Brooks (Felicity Jones) a recuperarla. Sobre todo cuando puede ser la pieza clave que salvará a la humanidad de su desaparición debido a un virus creado por el millonario Zobrist (Ben Foster) mientras intentará escapar tanto de la OMS, en la que trabajan su antiguo amor Elizabeth (Sidse Babbet Knudsen) y el pertinaz agente Christoph (Omar Sy) y de la misteriosa asesina Vayentha (Ana Ularu) que trabaja para una organización secreta liderada por Harry Sims (Irrfan Khan).

Una de las cosas a destacar dentro de la cinta es la utilización que hace Howard de las ciudades de Florencia y Venecia que aparecen en la película y que aparecen muy bien rodadas. Hacerlo mal resulta prácticamente imposible y Howard es consciente de ello. Por ello el film resulta una excusa ideal para deleitarse con dos de las ciudades más bellas del país transalpino, además de para mostrarnos algunos de sus museos que entre sus paredes guardan pistas que le serán de gran ayuda al personaje de Hanks a la hora de resolver el misterio, a la vez que le sirven para ir recuperando poco a poco su memoria.

Otra de los elementos a ser nombrados es que aquí se conoce algo más a Langdon, gracias a la relación que tuvo en el pasado con Elizabeth, de lo que pudo haber sido y no fue. En esta cinta se nos muestra a un Langdon más vulnerable en el aspecto emocional que en sus dos anteriores aventuras cinematográficas.

Y el último factor a resaltar es la interpretación que realiza Irrfan Khan (La vida de Pi; Slumdog Millionaire) pasándolo en grande con un papel en el que poco hay que rascar.

El resto de elementos, pues son justitos. No es que sea una película horrible ya que dista mucho de serlo. Es entretenida sin más, tiene una duración correcta de dos horas lo cual se agradece y no se hace pesada en ningún momento.

Uno de los problemas que tiene la cinta es que la química entre Hanks y Jones es inexistente. En ningún momento llegan a tener una conexión como la que si tienen Hanks y Babbet. Y la diferencia de edad no es excusa, es solo un error de casting. Jones es ahora la chica de moda en Hollywood, dentro de poco la veremos encabezando el reparto de Rogue One, así que esperemos que en futuros proyectos pueda dar muestras del talento que demostró en La teoría del todo, rol por el que fue candidata al Oscar.

Dentro de las diferencias que he podido encontrar entre ambas obras, dos son las que más destacan. La primera de ellas tiene que ver con el personaje de Jones, que en la novela usa peluca debido a un trastorno nervioso y aquí se obvia. Cosa que no molesta ya que no tiene nada que aportar a la trama y tampoco es que sea esencial en el devenir de los acontecimientos.

Pero es el final del libro donde cambian las cosas. Conclusión que por supuesto no voy a desvelar para no reventaros ni novela ni película. El final de la obra original es más amargo que en su adaptación a la gran pantalla. Estamos hablando de Hollywood, donde los finales felices suelen estar a la orden del día por lo que no puede acabar igual que como había imaginado Brown.

El guión vuelve a estar adaptado por David Koepp, que ya había trasladado a la gran pantalla Ángeles y demonios. Y es precisamente el guión y en las supuestas sorpresas donde flojea la cinta. Si por algo se ha caracterizado la obra de Dan Brown hasta la fecha es por los giros sorprendentes que introduce en sus libros. Y que una y otra vez parecen repetirse, es como si el escritor no supiera escribir de otra forma. Por lo que los que ya hemos visto tanto Ángeles y demonios como El código Da Vinci, sabemos lo que nos vamos a encontrar.

Soy el primero que se compra los libros de este escritor. Son novelas escritas de forma sencilla, con capítulos cortos y que se leen en un suspiro. Tramas puramente pulp, con capítulos que desembocan en un final que te hace seguir leyendo para saber como continua la historia. Es literatura fast-food para leer en un viaje largo o en la mesilla de noche antes de dormir. No te hacen mejor persona al leerlas, pero al menos entretiene que es lo que uno busca al adquirir este tipo de libros.

A continuación el tráiler:

libro: Los nombres que jamás serán pronunciados

Hay ocasiones en las que uno posterga la lectura de un libro. Bien sea por que se acumulan, no sabe si lo tiene prestado o porque tal vez su densidad de páginas le echa para atrás en un primer momento. Este es el caso de la entrada de hoy, en el que estos tres factores se dieron la mano. Pero una vez que uno comienza a leerlo queda atrapado entre sus páginas y cautivado por una trama que, pese a ser un thriller, trata un tema que por desgracia hasta hace poco tuvo un gran calado social como fue el de los niños robados y su venta a matrimonios adinerados.

Escrito por Alicia Huerta, siendo este su segundo trabajo tras su debut en el mundo literario con Delirios de persecución, la trama nos cuenta como siendo una adolescente Silvia fue secuestrada junto con Beatriz en el Madrid de finales de los años 60. Lejos está la joven de imaginar el cambio que esto supondría para su vida, que le llevaría a trabajar como espía y a codearse con la alta sociedad de la época, tanto nacional como extranjera.

Este es a grandes rasgos el argumento. Por supuesto que no lo he desvelado del todo para que así los lectores que se acerquen a este libro, se sorprendan con algunas de las sorpresas que la escritora tiene reservadas. Tratar un tema tan peliagudo y que sigue levantando ampollas como es el del robo de niños no parecía un tema fácil de abordar o de tratar en un libro, pero Alicia consigue salir airosa de la situación.

El libro está dividido en dos partes. En la primera de ellas narrada en primera persona por Silvia, la protagonista nos cuenta los sucesos que vivió y que llegan justo hasta el asesinato de Carrero Blanco. Sus primeros pasos como espía, su relación con personas que tendrán su importancia en el devenir de los acontecimientos posteriores narrados en la segunda parte o el cambio de niña a mujer serán tan solo algunas de las partes que aquí serán descritas.

En la segunda, la autora cambia a la tercera persona para continuar la historia tras un salto temporal de un par de décadas. Aquí los interrogantes que no tuvieron respuestas en la primera parte, quedan resueltos y en donde el drama queda un poco por encima del suspense, sin que este se vea superado del todo en el computo global del libro.

La novela es como esas famosas muñecas rusas, las Matrioskas, en el que dentro de una había otra más pequeña. Así es como funciona este libro, con cada nuevo secreto, cada nuevo capítulo, nos adentramos más en la historia hasta llegar al núcleo de la misma.

Alicia hace uso de una narrativa y un lenguaje sencillo, pero a la vez eficaz, que consigue mantener a los lectores en tensión a medida que los acontecimientos se van sucediendo. El retrato que hace de los personajes, en los que en su mayor parte tienen un secreto que ocultar, puede resultar un reflejo de la sociedad española de la época en la que había secretos que era mejor que no fueran desvelados. Y en donde los ricos hacían gala de su poder para hacerse con lo que quisieran, sin que los pobres pudieran hacer nada para impedirlo.

La carga dramática que posee el libro, consigue emocionar sin que llegue a convertirse en empalagoso. Y el suspense, que a partir de un determinado momento se convierte en un whodonit, consigue mantener a los lectores en alerta en espera de cualquier pista que les pueda ayudar a resolver el crimen, pese a que este no sea una parte esencial dentro de la novela y quedando resuelto a pocas páginas del final.

Una novela recomendada si os gustan aquellos libros que posean un tema social que es denunciado bajo una premisa de suspense.

pelicula: El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares

Tim Burton parece que ha vuelto a ser el que era, aunque de forma tímida, en la que es su nueva propuesta cinematográfica. Para ello ha escogido trasladar a la gran pantalla el libro escrito por Ransom Gigg. Novela que no he tenido oportunidad de leer, por lo que de nuevo voy a juzgar la película como tal, no como adaptación.

La película nos cuenta como tras el fallecimiento de su abuelo Abe (Terence Stamp) en extrañas circunstancias, el joven Jacob Portman (Asa Butterfield) decide investigar la verdad sobre su pasado. Para ello viaja a la isla de Caimholm en Gales, donde conocerá a Emma (Ella Purnell) residente en el hogar de Miss Peregrine (Eva Green) para niños peculiares donde viven en un bucle temporal en el año 1943. Allí tratará de proteger a sus pupilos de la amenaza de los llamados huecos, liderados por el terrible Mr. Barron (Samuel L. Jackson).

Interesante cinta con la que Burton parece recuperar parte de la magia que pareció haber perdido, tras habernos regalados filmes tan mágicos como Ed Wood; Big Fish; Sleepy Hollow o Eduardo Manostijeras. Poco a poco parece que Burton está recuperando el tiempo perdido, después de Big Eyes quiere volver a demostrar a los espectadores la razón de porque fue considerado uno de los realizadores a seguir a finales de los años 80. Este no es su mejor trabajo ni de lejos, pero al menos no da vergüenza como Sombras tenebrosas uno de sus peores trabajos sin duda.

El apartado visual y la utilización de los efectos especiales es uno de los platos fuertes de la cinta. Aquí el uso de estos está justificado, para mostrarnos las habilidades de los niños. No están puestos al azar y utilizados porque sí. De esta forma, uno se queda alucinado ante la aparición de los huecos o de la utilización de los poderes del personaje de Emma, al vaciar una sala de agua de un barco hundido al usar su peculiaridad sobre el aire.

Así en este apartado destacar el climax final entre nuestros héroes y los villanos, un homenaje nada disimulado a Jason y los argonautas con efectos especiales de Ray Harryhausen y que los aficionados al cine de aventuras sabrán reconocer enseguida.

El reparto está bien escogido, destacando una bellísima y estupenda Eva Green como la Miss Peregrine del título que nos ofrece una interpretación sobria y ajustada a su papel como mentora. Los jóvenes intérpretes no desentonan, pero el personaje protagonista a cargo de Butterfield resulta soso y sin carisma, cosa que no ocurre con Purnell que logra ser encantadora y robar los planos que comparte con el que fuera protagonista de La invención de Hugo o El juego de Ender.

El villano que interpreta Samuel L. Jackson pese a que en un principio pueda parecer amenazante, al final pierde fuelle por intentar hacerle el gracioso, soltando chistes sin parar y perdiendo así parte del temor que hubiera podido demostrar. Pese a ello, Jackson sale airoso de la situación y sostiene con su carisma un personaje que en manos de otro actor hubiera podido caer en una parodia.

En el apartado de secundarios encontramos a Rupert Everett como un ornitólogo al que nuestro protagonista se encuentra en su aventura en Gales; a Allison Jenney como la psiquiatra de Jacob; Kim Dickens como la madre del personaje de Butterfield o Judi Dench como otra tutora con poderes similares a los de Miss Peregrine.

La influencia que tiene la obra de Riggs de fuentes como Harry Potter o X-Men es más que evidente. No lo oculta en ningún momento, por lo que se puede pensar que tanto la novela como la película es un homenaje a los dos ejemplos arriba citado. A saber: gente con habilidades extraordinarias que se ocultan de una sociedad que teme sus poderes y lo que puedan hacer con ellos y vigilados por un tutor que se ocupa que hagan buen uso de los mismos.

Una cinta entretenida que pasa en suspiro, con algunos errores de continuidad que se podían haber evitado, pero cuyo conjunto final hace que merezca la pena pagar el dinero de la entrada. Esperemos que esto no sea un espejismo y marque el regreso de Burton a una senda que no debió abandonar. Y de paso que el realizador de Batman se de cuenta que hay más actores en Hollywood además de Johnny Depp y Helena Bonham Carter, quienes han venido protagonizando sus últimos films.

A continuación el trailer:

pelicula: Mechanic Resurrection

5 años después de su primera aventura Jason Statham regresa como Arthur Bishop en la secuela de The Mechanic, ya analizada en este blog. Ya sabemos lo que nos vamos a encontrar: buenas secuencias de acción, un metraje que no concede un momento de respiro al espectador y un guión en el que no hay que plantearse los más que evidentes agujeros dentro de su trama. Es una cinta hecha para entretener, ni más ni menos.

Dirigida por Denis Gansel (La ola; Napola) la cinta nos cuenta como Arthur Bishop (Statham) cree haber rehecho su vida en Brasil cuando conoce de forma accidental a Gina (Jessica Alba) que se convierte en su nuevo amor. Pero la felicidad no dura mucho cuando la chica es secuestrada por Crain (Sam Hazeldine) un viejo enemigo de Bishop. Para recuperar a su amor, nuestro protagonista deberá matar a tres personas rodeadas por fuertes medidas de seguridad en diversas partes del mundo, de forma que parezcan accidentes que es la especialidad de Bishop.

De un tiempo a esta parte la productora Millenium Films ( Rambo IV;  trilogía Los mercenarios; Objetivo: la casa blanca y su secuela ) ha querido recoger el testigo dejado por la Cannon. Esto es, productos de acción de usar y tirar con una formula mil veces vista, con unos costes modestos y que resultan rentables gracias al tirón que tienen las estrellas que intervienen en sus filmes y con una duración ajustada que no suele llegar a las dos horas haciendo que pasen en un suspiro. Y desde luego lo que ha conseguido, para alegría de los fans de la extinta productora de Yoram/Globus y desesperación de sus detractores.

La cinta protagonizada por Statham podría haber estado producida por los famosos primos arriba citados. Es una cinta que pese a haber sido hecha en este nuevo siglo, es deudora del cine de acción de serie B de los ochenta.

Además del guión, lleno de agujeros, dos son los principales problemas de esta película. El primero de ellos es Jessica Alba. Qué sí, que está muy buena, que es muy mona, que alegra la vista. Pero es que tiene cero química con Statham, su relación en pantalla no hay quién se la crea. La chica es más sosa que una sopa de piedras.

El segundo gran problema es el villano. No llega a representar nunca una verdadera amenaza para el protagonista, baste como ejemplo el enfrentamiento final en el que recibe más hostias que un tambor en Semana Santa. Es un malo sin carisma, y cuando en un film de acción el malo que es uno de los puntales de este género no mola nada, es que algo falla.

Pero menos mal que está Statham para salvar la película con su carisma, amen de los cameos de Michelle Yeoh (Tigre y dragón; El mañana nunca muere) y de Tommy Lee Jones como Max Adams, uno de los objetivos de Statham. Aquí Jones se lo pasa en grande, consciente del tipo de film en el que está. Pone el piloto automático, extiende la mano para cobrar el cheque y a hacer cosas más serias en las que demostrar su talento como intérprete.

La película parece una de las entregas de Jason Bourne; James Bond o Misión: imposible debido a que transcurre en diversas localizaciones del mundo como Tailandia; Australia; Brasil o Bulgaria. El segundo asesinato, que forma parte del poster internacional de la película, es un homenaje a la cuarta parte de la saga interpretada por Tom Cruise. Cuando Statham ha de reventar una piscina situada en el punto más alto de un edificio.

Las secuencias de acción son correctas y sorprende que un director acostumbrado a productos más serios como Gansel, haya sido capaz de realizar una cinta de evasión 100% disfrutable. Una ocasión para desconectar el cerebro y disfrutar de sus noventa minutos en los que no hay que cuestionarse las fantasmadas que vemos.

A continuación el trailer:

pelicula: La fiesta de las salchichas

Las cintas de animación para adultos no suelen prodigarse mucho en la historia del cine, es un terreno acotado hacía el público infantil/juvenil. Ejemplos que se me vienen a la cabeza son Fritz el gato caliente; South Park; Anomalisa o Heavy Metal son los más conocidos, a los que se les suma ahora la nueva propuesta del duo Seth Rogen/Evan Goldberg junto con la colaboración de Jonah Hill, visto es Moneyball o Infiltrados en clase. Rogen y Goldberg son famosos por su humor irreverente y han decidido probar suerte en la animación, y el resultado no podría haber resultado más desastroso.

Dirigida por Conrad Vernon (Shrek 2; Monstruos contra alienigenas) y Greg Tiernan (colaborador en Fievel y el nuevo mundo o las cinemáticas de God of War) la trama nos cuenta como los alimentos de un supermercado esperan ser los elegidos al ser llevados por los humanos al Paraíso. Pero cuando la salchicha Frank (Seth Rogen) se da cuenta de la realidad tratará de avisar a sus compañeros para que se rebelen contra su destino.

Dos son los problemas que tiene esta cinta. El primero de ellos es su guión, plagado de chistes soeces, tacos por doquier y muchas referencias sexuales. Se puede hacer comedia sin recurrir a estos elementos, o incluirlos pero sin abusar de ellos y hacer que los personajes los utilicen cada dos por tres lo que llega a hastiar a los espectadores. Y es precisamente en el escrito donde hay una segunda lectura, donde los creadores de la historia hacen una crítica al conflicto entre árabes e israelíes,el racismo, la religión, el imponer la voluntad de unos sobre la de otros y el lugar que ocupamos en el mundo, en este caso representados por los alimentos. Todo ello que se le podía haber sacado más jugo, queda oculto por bromas sin gracia alguna y una verborrea incesante por parte de los protagonistas.

Es una comedia tiene que haber gags que hagan reír a carcajadas al espectador o por lo menos mantenerle con una sonrisa en la boca. Aquí por desgracia no hay, tan solo me reí una vez por la utilización de la canción de Meat Loaf  "I´ll do anything for love" y su aparición en pantalla en forma de alimento del que ha tomado su nombre artístico. Un chiste malo pero que me hizo gracia, el resto nada de nada. En la sala donde la vi, la gente apenas se reía. Si en una cinta de humor la gente no se ríe, algo ha fallado.

El segundo problema reside en la animación, siendo muy justita por no decir pobre. En una época donde el cine de animación nos regala joyas como Toy Story 3; Kubo y las dos cuerdas mágicas o La lego película por citar ejemplos, encontrarse con este tipo de películas uno hace que se pregunte en que se han gastado el presupuesto ya que pierde por goleada si se compara con los filmes arriba citados. Y no estamos hablando de un presupuesto modesto, fueron 19 millones, por lo que se lo podrían haber currado un poco más. Pero según he leído los animadores tuvieron problemas a la hora de hacer frente al proyecto, estuvieron explotados, si hubieran tenido más dinero para animar el resultado final que ha llegado a nuestras pantallas hubiera sido sin duda mucho mejor.

Pese a que la cinta dura solo poco más de hora y veinte, este metraje se hace eterno. El ritmo es atropellado, las situaciones y los gags se van acumulando lo que llega a causar confusión en los espectadores. No se toma tiempo para que todo fluya, que haya respiro entre unas cosas y otras para que la audiencia se entere de lo que está pasando en pantalla.

Además de Rogen, encontramos en el reparto a Kristen Wiiig que pone la voz a Brenda, el bollito que quiere ser penetrado por Frank; Edward Norton, como Sammy un bollo bagel judío; James Franco como un fumeta o Salma Hayek doblando a un taco lesbiana (sic).

Una película muy mala, pero no de esas que de tan malas te ríes, aquí ni siquiera eso. Es de lo peor que he visto en la vida, y eso que he visto truños importantes. A la salida del cine deberían estar los hombres de negro para borrarte la memoria, para que la experiencia de haber visto esta cinta se borre de tu memoria. Es un film tan malo que podría ser usado como prueba en juicio, diciendo que sus clientes pueden haber hecho cosas horribles pero al menos no han estado involucrados en el proceso de esta producción.

A continuación el trailer: