libro: Cantos y lamentos del Dios de los suicidas

Escribir resulta complicado. El poner en orden las palabras que uno tiene en la cabeza, y hacer que las mismas tengan un sentido no es tarea fácil. Si ya de por sí, resulta difícil hacerlo en una novela, libro o ensayo sobre un tema en concreto, imaginad hacer lo mismo en un relato de pocas páginas o, subiendo el nivel de dificultad, en microrrelatos. De eso, precisamente, va la entrada de hoy. En donde vuelve a aparecer un autor, con una colección de microrrelatos y relatos, donde da muestras de su talento.

Escrito por Athman M. Charles, la presente antología consta de un prólogo escrito por Toluuuu y un epílogo a cargo del propio autor. A lo largo de sus 39 historias, el escritor nos irá introduciendo por lugares donde el horror, ya sea sobrenatural o no, hace acto de presencia en cada una de las historias, algunas más breves que otras. Pero con un denominador común: ninguna de ellas, consigue dejar indiferente al lector.

Después de sorprender, y dejar con un buen sabor de boca con su anterior antología de relatos, que podéis leer aquí tito Ath vuelve a la carga, donde nos da muestras de su talento a la hora de narrar historias que se salen del terror que todos conocemos.

Si hay algo que une a estos relatos, es que hay que leerlos bien altos de moral. La mayoría de narraciones, concluyen de forma bastante dura, a lo que ayuda además el tipo de lenguaje que usa el autor. Son frases breves, pero a la vez concisas. Las cuales, buscan golpear la conciencia de todos aquellos que se acerquen al presente volumen.

Ya sean narraciones protagonizadas por violadores, fantasmas, dioses, asesinos en serie, zombis o personajes desesperados, Athman no da un respiro a sus protagonistas. Tampoco a los lectores. Son historias que, pese a ser violentas, no abusan de la hemoglobina o casquería, salvo en alguno que otro caso. Pero, y esto es lo importante, es como cuenta estas narraciones lo que hace que sean más interesantes o no.

Como suele ocurrir en toda antología, hay relatos mejores o peores. Es como una ley no escrita dentro del mundo de la narrativa. Un día más, el relato encargado de abrir fuego, ya nos va preparando ante lo que nos vamos a encontrar. Cuando el autor visita algunos de los lugares comunes dentro del terror, lo hace llevándolos a su propio terreno. 

Varios relatos, están protagonizados por seres humanos, con el signo de perdedor grabados en la frente. En otros, la venganza es lo que mueve al protagonista del mismo. Y, todos ellos, alcanzarán su trágico destino más pronto que tarde. 

Uno de los relatos que más me gustó, fue Navajas y Cartones. Aquí, el autor rinde homenaje, o al menos me lo pareció, a La invasión de los ultracuerpos o Están vivos. A lo largo de sus páginas, Ath juega con los lectores, plantándoles la semilla de la duda de, si todo está en la imaginación del protagonista, o, si por el contrario, está ocurriendo de verdad.

Otras historias que también llamaron mi atención, fueron Suerte, Amantes ferroviarios, La hora muerta, La vida es una caja de sorpresas, La cama, Trabajo, Confesiones y, por supuesto, Rizitos de oro. No es que el resto de narraciones sean malas, que no lo son, tan solo que estás son las que más destaco dentro de la antología. Ya sea por la historia o por su conclusión, son las que más me gustaron.

Tal y como podéis comprobar, no he hecho un resumen de cada una de las historias, Y es que, prefiero que descubráis por vosotros mismos lo que el autor nos tiene que contar. Cualquier cosa que diga, os estropeará la sorpresa.

Si os gustan las narraciones breves, que se salen de lo habitual o si os gusta el terror en cualquiera de sus formas, esta es una antología que no deberíais dejar pasar.

libro: El cineasta se rebela

Todos los que crecimos en los ochenta, pasamos buena parte de nuestra infancia cinematográfica en los videoclubs. Fue gracias al distribuidor José Frade, y a sus míticas carátulas, como pudimos descubrir un buen puñado de cintas del director que protagoniza la entrada de hoy. Todavía me acuerdo, de visitar estos lugares y quedarme flipado con los carteles de 1990: Los guerreros del Bronx, o mi favorito de todos, Tiburón 3. Así pues, veamos que nos depara la autobiografía de este director italiano.

Escrito por Enzo G. Castellari, a lo largo de sus pocos más de 600 páginas, los lectores que se acerquen al presente volumen, podrán disfrutar no solo de unas memorias bastante divertidas, sino también conocer como resolvía el realizador de Keoma, las múltiples dificultades que se le planteaban en sus rodajes. Algunas de ellas las supo resolver, otras, por el contrario, no pudo salvarlas pese al empeño que le ponía.

Algo que me sorprendió, fue descubrir que la inicial G, corresponde al apellido Girolami. Director conocido aquí en nuestro país, sobre todo gracias a sus cintas Jaimito no perdona, y Jaimito contra todos, a pesar que, en su país de origen, era más reconocido por otros títulos alejados de la comedia picante.

A lo largo de las dos partes, en las que se encuentra dividida su autobiografía, Enzo nos va desvelando su infancia, juventud, el como llegó a conocer a su gran amor, así como su introducción no solo en el mundo del boxeo, sino también en el mundo del cine. Donde fue dando sus primeros pasos, primero como ayudante de su padre, y luego con otros cineastas. De esta forma, aprendió a conocer el medio en el que iba a ganarse la vida, mientras estudiaba Bellas Artes en la universidad, título que, como se podrá comprobar, le serviría de gran ayuda en no pocas ocasiones.

Para los que, como un servidor, nos gusta descubrir más sobre la vida de cineastas que nos gustan, este libro cumple las expectativas, e incluso, me atrevería a decir que incluso las supera. Gracias al presente volumen, he podido descubrir no pocos títulos de un realizador, que además del cine de acción, también se manejo en el poliziesco con títulos como La policía detiene, la ley juzga o el ya citado western Keoma, uno de sus filmes favoritos y, en mi opinión, uno de los mejores dentro su larga filmografía, ambos junto a Franco Nero, uno de sus intérpretes fetiche.

Uno de los peros, por así decirlo, que le puedo poner al volumen, es que si bien se sigue bien, no le habrían venido mal diversos apartados que ayuden a entender mejor el conjunto. Ya que salta, sobre todo en la segunda parte, de un rodaje a otro, sin apenas conceder un respiro a los lectores. Como digo, no es algo que moleste, pero si que hubiera sido mejor, al menos en opinión de quien esto suscribe, que hubieran añadido diversos apartados.

A medida que avanzaba en su lectura, no pude sino sorprenderme de la cantidad de estrellas que, a lo largo de su vida, ha conocido el bueno de Enzo. Desde una primeriza Sofía Loren, pasando por Charles Bronson, Robert Redford, Paul Newman o nuestros Fernando Rey y Joan Manuel Serrat por citar algunos ejemplos. Con algunos de ellos pudo trabajar, mientras que con otros, por unas razones u otras, esos proyectos no salieron adelante, a pesar de lo atractivo de la propuesta. Que es lo que ocurrió con los casos de Bronson, Newman o Redford.

Lo que sorprende de las memorias, es el tono que emplea Castellari a lo largo de sus páginas. Da la impresión de ser alguien bastante simpático y cercano, pero al que si te le cruzas no le vas a caer bien a pesar de tus esfuerzos. Y también ocurre el efecto contrario, ya que actores que le habían avisado por su carácter complicado, como Jack Palance o Lou Ferrigno, demostraron llevarse a las mil maravillas con él.

Una de las partes que más me gustaron, además de las ya nombradas durante los rodajes, fue el como se apañaba con el poco presupuesto que solía tener en la mayoría de ocasiones, o su famoso juicio contra la Universal por Tiburón 3. Ya sabemos que Italia, en esto de crear falsas secuelas, son unos artistas. Baste citar los ejemplos de Terminator 2, nada que ver con el film de James Cameron, o Nueva York bajo el terror de los zombies, y que también se conoce como Zombie 2, dirigida por Lucio Fulci.

Y, por supuesto, muy divertido su encuentro con Quentin Tarantino, gran admirador de Castellari y a quien homenajeó con Malditos bastardos, basado en su título Aquel maldito tren blindado, que se distribuyó en USA como The Inglorious Bastards.

El libro además, cuenta con un álbum de fotos extraído del archivo personal del propio realizador, donde no solo podremos ver fotografías personales, sino también de sus rodajes y de las personas que participaron en los mismos.

Si crecisteis y disfrutasteis, como un servidor, con títulos como Los nuevos Bárbaros o Fuga del Bronx, sin duda también lo haréis con este volumen. Que a pesar de su extensión, se disfruta de principio a fin.

Una vez más, dar las gracias a Applehead, por publicar este tipo de títulos que nos permiten descubrir más sobre directores que forman parte de nuestra infancia cinematográfica.

película: Napoleón

Ayer, tras una larga espera, se estrenó Napoleón. Cinta que, los aficionados al cine, teníamos marcada en nuestro calendario cinéfilo. ¿Mereció la pena la espera? Pues sí y no. Ya que el nuevo film de Scott tiene luces y sombras, tal y como pienso explicar a continuación.

Dirigida por Ridley Scott y escrita por David Scarpa, la trama nos cuenta la vida de Napoleón Bonaparte, Joaquin Phoenix, su ascensión al poder y sus éxitos y fracasos como militar, a la vez que nos narra su relación con Josefina, Vanessa Kirby.

Interesante film, que cuenta con no pocas escenas espectaculares de batallas, así como unas interpretaciones brillantes a cargo de sus dos intérpretes principales. pero que también tiene no pocos defectos.

Primero hablaré de los fallos. El principal, es que falta metraje, y eso se nota. Scott ya avanzaba, que la duración inicial de su nueva producción serían 4 horas, las cuales se podrán ver en el corte del director que estará disponible en Apple tv, y esperemos en su lanzamiento en Blu-ray en el montaje del director. Y eso se nota, faltan no pocos detalles, lo cual es una pena. Ya que los mismos, sin duda van a enriquecer el resultado final.

Otro de ellos, es que según parece Scott no ha sido del todo fiel a la historia. Vaya por delante que, si bien me interesa la historia, no soy un experto conocedor de la vida y milagros del emperador francés. Pero, según diversos artículos, Scott ha hecho lo que ha querido. Lo mismo se le puede decir al guionista. Y esto es algo que no entiendo, si vas a hacer un film histórico, consulta a historiadores que te asesoren sobre lo que vas a hacer, ya que, de lo contrario, se te van a echar encima si no respetas a la figura sobre la que estás realizando tu nueva obra. Que es lo que ha acabado pasando.

Que diferencia con Kubrick, quien tenía bastantes volúmenes sobre el general corso en un proyecto largamente acariciado, y que no pudo ver realizado. Esperemos que la serie que está realizando ahora Spielberg para HBO, y que constará de 7 capítulos, cumpla por fin las expectativas.

Otro de sus fallos, es que Phoenix tiene el mismo aspecto durante todo el metraje. Si nos presentas a Napoleón de joven, usa maquillaje para rejuvenecer al actor. Pero aquí no ocurre, y Phoenix tiene el mismo aspecto durante toda la película. No es un gran defecto, pero lo podrían haber hecho mejor sin duda.

Tampoco me acabó de convencer, que pase de unos sucesos a otros sin dar respiro al espectador. Pasa de un año a otro, sin dar explicación de por que lo hace. Es como he leído en un artículo de la revista, un grandes éxitos del emperador. Y esto es una pena, ya que podría haberlo hecho mejor, o, por lo menos, haberlo hecho de forma más fluida. Ya que para hacerlo le valen unos fundidos, y ya. A otra cosa mariposa.

Pero no todo va a ser malo. A su favor cuenta, como ya he dicho hace unos párrafos, con unas grandes interpretaciones de Phoenix y Kirby, por lo que no sería raro verles nominados por sus respectivos papeles. Phoenix está bastante contenido, y nos muestra a un Napoleón que estaba perdidamente enamorado de su esposa, que era un gran estratega militar y a quien su orgullo, le jugaría no pocas malas pasadas, como la famosa campaña rusa o su gran derrota ante los ingleses.

Las escenas de batalla son espectaculares, sobre todo la de Austerlitz. En un momento, Scott nos muestra un plano aéreo impresionante. Pero también son increíbles otros instantes militares, como la ya nombrada campaña rusa, donde no hay acción, pero que Scott sabe dirigir mostrando a un ejército derrotados por los elementos meteorológicos.

El realizador de Gladiator, parece haberle cogido el gusto al género histórico, ya que hace poco también estrenó la reivindicable El último duelo, y basada, al igual que Napoleón, en hechos reales. 

Sus casi tres horas de metraje, pasan en un suspiro. Cuando aparecen en pantalla los títulos de crédito, solté un ¿ya? Y es que se me pasó volando. Scott sabe como imprimir ritmo a una producción, y mantener el interés de la audiencia en todo momento. Sabe alternar los instantes más tranquilos, con aquellos en los que la acción hace acto de aparición.

Un film que cumple como espectáculo y que, a pesar de sus fallos, nos muestra a un Scott en plena forma, a pesar de sus años.

Tanto si os gustan los filmes históricos, como si sois seguidores del realizador inglés, es una cinta que no deberíais dejar pasar.

A continuación, el tráiler:

libro: Mi corazón es una motosierra

Cuando en 1996, Wes Craven dirigió Scream escrita por Kevin Williamson, lejos estaban de adivinar que sería el inicio de una saga y que serviría de inspiración para la entrada de hoy. Un libro en el que las referencias al cine slasher y giallo, no paran de sucederse a lo largo de sus páginas. Desde aquí, dar las gracias a la editorial por el ejemplar de cortesía, con el que ha sido posible la reseña.

Escrito por Stephen Graham Jones, autor de El único indio bueno, la trama nos cuenta como Jude Daniels fan adolescente del cine slasher vive en Proofrock, Idaho, donde de repente, comienzan a sucederse los asesinatos. Para ella, es la ocasión ideal de traspasar sus conocimientos a Letha Mondragon, hija de un rico vecino del lugar,a quien ha elegido como su final girl para hacer frente al asesino.

Guau, no sé me ocurre otro término con el que definir a esta novela. Todo funciona como el mecanismo de un reloj, en el que sus piezas encajan y se nos van mostrando poco a poco. Hasta que, una vez montadas, lo que se muestra a los lectores es una maravilla de ingeniería terrorífica.

El autor demuestra, no solo un gran conocimiento sobre las cintas clave del slasher, con Bahía de sangre de Mario Bava a la cabeza, y que la protagonista de la obra cita en bastantes ocasiones. Si no también por filmes claves del género como Viernes 13, Pesadilla en Elm Street o, la desconocida y a reivindicar La quema.

Nuestra protagonista es un personaje con bastantes matices. Según va avanzando la trama, descubrimos de donde viene su afición a este género cinematográfico, y también un suceso que hizo que cambiara su personalidad. El personaje tiene su carisma, pese a que en algunos momentos, te llegue a sacar de quicio con sus decisiones y manera de pensar. 

Si bien al principio se nos cuenta el asesinato de dos turistas holandeses, luego Jones no vuelve a mostrar más muertes. Hasta que llegan los dos últimos capítulos, donde el autor pone toda la carne en el asador, y nos muestra decapitaciones, desmembramientos, tiros a bocajarro o empalamientos varios. Es decir, el ABC de todo buen slasher que se precie.

Y además, es que no se corta en ningún momento a la hora de narrarnos las diversas muertes, que van sucediendo ante nuestros ojos.

Como buen libro de terror, y con enormes guiños al género ya citado, Jones también nos muestra su amor por las novelas de misterio, sobre todo las escritas por Agatha Christie. Juega con nosotros planteando quién será el asesino.

Una vez llega la revelación del mismo, nuestra mandíbula llega al suelo. Puesto que, una vez se descubre su identidad, que por supuesto no voy a desvelar, el autor mete un giro de 180°  que nos descoloca por completo, por lo menos así ocurrió en mi caso.

Tal y como se nos muestra en sus primeras páginas, esta es la primera parte de la llamada Trilogía del lago Indian, siendo la entrada de hoy el primer libro. Ya estoy deseando saber como continua la historia y que nuevas historias nos tiene preparada Jones ambientadas en este lugar.

Con razón ha obtenido premios está novela. No solo cuenta una historia atractiva, sino también que cuenta con unos personajes interesantes y, pese a que son los típicos que te puedes encontrar en cualquier slasher, el autor sabe hacerlo de forma que no resulte soso en ningún instante.

Esta es la segunda novela que leo de este escritor, y dudo que sea la última. Ya que si bien le pude descubrir con la ya citada El único indio bueno, aquí ha conseguido que le preste más atención. No solo por su estilo a la hora de narrar, sino también por la manera en que lo hace y como construye a sus personajes.

La editorial no para de darnos alegrías a los aficionados al terror. No solo por publicar obras que son desconocidas para el gran público, sonó también por el cariño que le ponen a la hora de presentarlas, y que han conseguido que, poco a poco, vaya haciéndome con parte de su catálogo. Gracias a este sello, pude disfrutar y descubrir a Jack Ketchum, autor que consiguió cabrearme bastante con su obra La chica de al lado, de la que recomiendo su lectura. Pocas veces los monstruos son tan reales como aquí.

Tanto si os gusta Scream, como el género de terror, esta es una lectura que recomiendo. No solo os vais a divertir pasándolo mal, sino también por qué vais a descubrir cintas, cómo ocurrió en mi caso, que os harán apreciar más el terror. Filmes que se encuentran en el apéndice final del libro, con su título en original, así como su fecha de estreno.

película: The Marvels

El pasado jueves, se estrenó la nueva cinta de Marvel, sobre la que no tenía muchas expectativas. Pero, una vez vista, he de decir que no es el horror que se dice, pero tampoco es ninguna maravilla. Cumple y ya, pero, a estas alturas, hay que pedir más a esta compañía, cuyas fase 4, y por ahora la 5, ha tenido más sombras que luces. Esperemos que, a partir de ahora, puedan remontar el vuelo.

Dirigida por Nia Dacosta, que se encarga del guion junto a Megan McDowell y Elissa Karasik, la trama nos cuenta como tras volver a Hala, planeta de origen de los Kree, y destruir a su inteligencia suprema Carol Danvers, Brie Larson, pondrá en marcha unos acontecimientos que amenazan con destruir todo el universo. La nueva líder de los Kree Dar-Benn, Zawe Ashton, no parará hasta vengarse de la vengadora y restaurar su planeta. Pero, en su lucha la Capitana Marvel no estará sola, ya que contará con la ayuda de las heroínas Kamala Khan también conocida como Ms Marvel, Iman Vellani, y de una crecida y poderosa Monica Rambeau, Teyonah Parris. 

A estos intérpretes, se les unen Samuel L. Jackson, en su rol de Nick Fury, y Zenobia Shroff, Mohan Kapur y Sagaar Shaikn retomando sus papeles de madre, padre y hermano de Kamala respectivamente.

Como he dicho antes, entretiene sin más. Pero, una vez más, los errores son gordos, pero los aciertos que tiene, consiguen que haya un equilibrio por los pelos. Lástima que los segundos no sean superiores a los primeros. Si hubiera sido así, el resultado final hubiera sido completamente distinto.

Uno de los errores es Brie Larson. No puede ser que, la que sea el reclamo principal de la cinta, se pase gran parte de la misma con cara de enfado y sin encontrarse del todo cómoda. No resulta normal que te alegres, de que su personaje reciba golpes. 

Ignoro si tiene que ver con que tenga que compartir protagonismo con Vellani, sin duda lo mejor de la cinta, y Parris, quienes demuestran tener buena química, algo que no consiguen con la que se supone es, la gran protagonista.

 

Otro de los errores es la villana encarnada por Ashton. De los malos más olvidables del universo Marvel. Si bien el plan que tiene es bastante peligroso, la forma de llevarlo a cabo no lo es. Y su final es bastante sonrojante, por decirlo de manera suave. 

Otra de las cosas que no me gustó fue su final. No hay clímax, ni batalla final contra la amenaza de turno. Las heroínas se limitan a darle un par de sopapos a la malosa y a otra cosa mariposa. No digo que se tengan que tirar media hora, pero leñe, hazlo emocionante al menos. Que haya tensión a pesar de que sepamos lo que va a pasar.

En cuanto a los efectos especiales, mejor será correr un tupido velo. Ignoro en que se han gastado el presupuesto, que ha sido de 250 millones no lo olvidemos. Salvo en algún momento puntual, los cromas cantan bastante. Y esto es algo que Marvel debería mejorar de cara a futuros filmes.

Pero no todo va a ser malo. Vellani es, como ya he dicho, de lo mejor de la película. Sabe aportar carisma y consigue que su personaje te caiga bien. Es una gran robaescenas, algo que también logran hacer sus familiares, quienes tienen para si los momentos más divertidos.

El gato Goose, tal y como sucediera en la primera película protagonizada por Larson, tiene para si algunos de los mejores instantes y, de nuevo, consigue arrancar las carcajadas del público. Además, tal y como se pudo ver en el tráiler, este vez no viene solo.

Samuel L. Jackson también se salva de la quema. Ya poco queda de aquel Fury que conocimos en la fase uno de Marvel. Aquí tiene un toque más humorístico, nada que ver con lo que se pudo ver en la serie Invasión secreta, donde aparecía totalmente derrotado y sobrepasado por la amenaza de los Skrulls renegados.

Su duración, que no llega a las dos horas, hace que pase rápido. No se hace pesada y, desde que empieza, va directa al grano. Algo que se agradece, puesto que no introduce tramas innecesarias.

Hay dos cameos, que por supuesto no voy a desvelar, que me sorprendieron gratamente. Y, por supuesto, esa escena postcreditos que nos anticipa la llegada de unos personajes largamente esperados para su incorporación al universo Marvel.

Si os gustan las cintas de Marvel, dadle una oportunidad. Lo mismo digo si tan solo queréis evadiros por cerca de dos horas. Entretiene y ya. 

A continuación, el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: Saben aquell

 ¿Saben aquell que diu...? Con estas palabras comenzaban los chistes de Eugenio, uno de los mejores humoristas de la historia de nuestro país. El pasado 1 de noviembre, se estrenó el biopic de su vida, de la que leí buenas críticas. Así que me lancé y me animé  a verla. Fue todo un acierto, ya que me sorprendió de forma bastante grata. También hay que decir, que ya el film me tenía algo ganado de antemano, puesto que, a lo largo de los años, los chistes de Eugenio me han acompañado a lo largo de mi vida y le tengo bastante simpatía al fallecido cómico. Así pues, vamos con la reseña.

Dirigida por David Trueba, que escribe el guion junto a Albert Espinosa, y basado en la novela del hijo del humorista Gerard Jofra, la cinta nos cuenta como en la década de los 60 Eugenio, David Verdaguer, conoce a Conchita, Carolina Yuste, con la que formará un dúo de cantantes. Pero, cuando un día su mujer ha de ausentarse por motivos familiares, Eugenio comenzará a contar chistes al público. Lo que ignora, es que al hacerlo, será el nacimiento de uno de los mejores cómicos que animó al público durante años.

Además de los intérpretes arriba citados, destacar la aparición de Pedro Casablanc, en el rol de Vicente, manager de Eugenio y, en diversos cameos, Pedro Ruiz, interpretándose vida a si mismo, Lara Dibildos, como su madre Laura Valenzuela o Miriam Díaz Aroca, dando vida a Mayra Gomez Kemp, presentadora del 1,2,3.

Más que interesante film, que nos descubre los primeros años del añorado cómico. Sus primeros pasos, sus miedos, y como surgió el personaje, que nada tenía que ver con el Eugenio real. Baste citar como ejemplo, el momento en el que descubrimos la razón por la que siempre llevaba gafas ahumadas.

Hay que destacar, que en ningún momento el director se centra en sacar los trapos sucios del artista. No es lo importante. Para Trueba, es mejor descubrir la faceta más personal del humorista, y como cambiaba una vez bajaba del escenario, y los focos se apagaban. 

Ambos actores están espectaculares. La caracterización de Verdaguer como Eugenio, es impresionante. Por momentos, uno parece estar viendo de verdad al fallecido cómico. Y, sobre todo, lo que era más característico de su persona: La voz. El trabajo que ha debido de llevar a cabo el actor, ha debido de ser bastante duro. Al igual que su forma de fumar, las pausas a la hora de contar los chistes o la manera de levantar la ceja. Raro sería no verle alzarse con el Goya al mejor actor en la próxima gala de los premios del cine español.

Yuste no le anda a la zaga a su compañero de reparto. Y no sería raro verla nominada al igual que a Verdaguer. Es el complemento perfecto. Conchita fue un gran apoyo para el cómico, y, cuando falleció víctima de un cáncer, tranquis no os he reventado nada, ya que es algo que se sabía, algo cambió dentro del cómico y empezó una etapa marcada por el alcohol y otras sustancias. Algo que, como ya he dicho, Trueba omite de forma inteligente.

Si tuviera que elegir un momento de la cinta, sería aquel en el que Eugenio, momentos después de fallecer su esposa, se marcha a hacer un número a Alicante, dejando a su hermana con sus dos hijos. De camino a la ciudad, se derrumba oyendo a Nino Bravo cantando Un beso y una flor. Es aquí cuando el verdadero Eugenio aparece, aquél que ha perdido al amor de su vida y al que no le gusta haber dejado a sus retoños en un momento tan duro, pero lo hace para que no les falte de nada. 

Esperemos que, tal y como he dicho antes, ambos intérpretes estén nominados. Al igual que Trueba en su doble faceta de director y guionista.

Tanto si os gustan los filmes biográficos, como si sois seguidores de este gran cómico, es una cinta que recomiendo ver y que está siendo una agradable sorpresa en el cierre del año cinematográfico.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

concierto: Film Symphony Orchestra. Dracul

Ayer, tuve la oportunidad de asistir al concierto exclusivo que la FSO celebró en el auditorio nacional de Madrid con motivo de la noche de Halloween. Y, desde luego, fue impresionante. Si en anteriores ocasiones, dieron un espectáculo increíble, lo de ayer es digno de elogio. Una ambientación digna de la noche de brujas, la orquesta caracterizada como seres de terror, y Constantino, el director lo mismo. Desde aquí, dar las gracias al departamento de prensa de la FSO, por proporcionar las entradas de cortesía, con las que han sido posibles la entrada de hoy.

Dirigidos por el maestro Constantino Martínez-Orts, la orquesta, en esta ocasión acompañados en los temas vocales por la soprano Paloma Friedhoff, la mezzosoprano Blanca Valido, los tenores Toni Dublet y Miguel Ferrer, el barítono Alejando Von Büren y la voz blanca de Nicolás Camacho Rueda, hicieron un viaje bastante completo, por aquellas partituras que, en menor o menor medida, han causado pesadillas entre los espectadores, a lo largo de los años.

Que mejor manera de empezar un concierto de terror, que tocar el tema más conocido de Drácula, obra de Wojciech Kilar para el magnífico film de Coppola. Fue una manera estupenda, de empezar a meter al público en situación. Nada como viajar a los Cárpatos, para conocer a su habitante más famoso, y hacerle frente con estacas, cruces y ajos. Momento a destacar fue la aparición de la soprano y la mezzo, caracterizadas como vampiras y acompañando a la orquesta con sus voces.

Después de la lucha contra el vampiro, nada como ir a relajarse a un motel y darse una ducha para relajar los nervios. La pega estaba en que es el motel Bates, y ya sabemos lo que eso significa. El conocer a Norman Bates. Fue uno de mis temas favoritos, no solo porque Psicosis sea uno de mis filmes de cabecera, sino también por la forma en la que fue ejecutado el famoso tema compuesto por Bernard Herrman. Viendo que no había forma de estar tranquilo, fuimos a la idílica localidad de Amity island, y bañarse en sus playas tranquilas. Pero tampoco había forma, ya que un Tiburón había decidido hacer de los bañistas su comida. John Williams aparecía por primera vez, pero no sería la última. Increíble, sin más, fueron dos temas seguidos en los que tanto la orquesta, como su director, nos dejaron con la boca abierta. Y eso que, lo mejor, aún estaba por llegar.

Era el momento de viajar al espacio, donde nadie puede oír tus gritos. Pero si oírte aplaudir el tema de Alien, la primera ocasión en la que Jerry Goldsmith hacia acto de aparición. Uno gran tema, para una gran producción donde el horror y el suspense, son las notas predominantes, la cuales se transmiten a la partitura del compositor de La Momia.. Después de volver a la tierra, era el momento de viajar a una granja para estar tranquilo. La pena, es que coincidió con una invasión extraterrestre. Por supuesto, me estoy refiriendo a Señales. Este tema de James Newton Howard, que luego volvería a aparecer, me sorprendió, algo que no consiguió la cinta dirigida por Shyamalan.

Visto que no había forma de relajarse, decidí poner la televisión. Pero, como viene siendo tónica habitual en el concierto, unos Poltergeist empezaron a sucederse. De nuevo Goldsmith, y de nuevo uno de sus temas más reconocidos con la nana de la niña protagonista del film dirigido por Tobe Hooper. Ahora tocaba viajar a una jungla sudamericana, en el día más caluroso del año. Justo en el día en el que un Depredador, decide convertir a Schwarzenegger y a su equipo en su nueva presa. Un gran error, tal y como podrá comprobar el bicho de marras. Dos temas seguidos, el segundo obra de Alan Silvestri, que me encantaron, tanto por las producciones en sí, como por como fueron interpretados.

Tan solo quedaban dos temas, para poner un punto y seguido al concierto. Tanto Constantino como su orquesta, se guardaron dos temazos para finalizar la primera parte. El primero de ellos, y como no podía ser de otra forma, fue la suite compuesta por Danny Elfman de Pesadilla antes de Navidad, la cual estuvo acompañada, de forma magistral, por uno de los cantantes, creo que fue el barítono, quien, caracterizado como Jack, dio muestras de su talento vocal interpretando algunos temas del famoso personaje. 

Pero, fue la suite de La Profecía, de nuevo Goldsmith hace acto de aparición, el que más me gustó de largo de esta primera parte. Ver en directo, el interpretar el tema Ave Satani! fue espectacular. No solo por la atmósfera que había en aquellos momentos, sino también por el mal rollo que ha dado siempre este tema. Si da yuyo oírlo en el film, o en CD, imaginadlo en directo. Pelos como escarpias. Una vez finalizado, era el momento de la pausa y de coger fuerzas ante lo que se venía en la segunda parte.

En esta segunda parte, el mad doctor por excelencia en la literatura, Victor Frankenstein, hizo acto de presencia, en forma de la suite compuesta por Patrick Doyle, para el film homónimo dirigido por Kenneth Branagh. Después de dejar al doctor y su criatura en los helados parajes del Artico, era el momento de entrar en calor viajando a una villa, rodeada por un bosque, donde los sucesos extraños no dejan de ocurrir. Una vez más, Newton Howard unía fuerzas con el realizador de El sexto sentido, en la suite de El bosque. Tema que no me acabó de convencer del todo, y no es que fuera más tocado, nada más lejos de la realidad, solo que el film no me gusta mucho.

En este momento, Constantino decidió dar caña en el tema breve, pero potente, de Alien vs Predator: Requiém, compuesto por Brian Tyler. Escasos dos minutos, pero que puso las pilas a los espectadores. Era el momento de bajar las pulsaciones, y, para ello, nada como conocer al fantasma más amable y simpático de la historia del cine. James Horner, y su nana para Casper, consiguieron poner la nota amable y nostálgica de esta segunda parte.

Era el momento, de conocer a una familia bastante peculiar, y cuyo tema se caracteriza por el chasquido de dedos, que el público hizo con mucho gusto. Como ya habréis podido adivinar, me estoy refiriendo a La familia Addams, y a su pegadizo tema para el film homónimo obra de Mark Shaiman. Sin dejar de lado los temas animados, John Williams volvía a hacer acto de aparición, con animado corte compuesto para Las brujas de Eastwick.

Una vez más, quedaban tan solo dos temas para finalizar el concierto. Y, tal y como ocurriera en la primera parte, tanto Constantino, como la orquesta y los artistas vocales, pusieron toda la carne en el asador, para dejar con un muy buen sabor de boca a la audiencia. En el primero de ellos, Goldsmith aparecía por última vez, en forma de la suite de Gremlins. Tema que empezó suave, para que en su parte central animarse, y cerrarlo de forma suave de nuevo.

Pero, sin duda alguna, fue con la suite de Coco, de varios artistas, donde nos dejaron con la boca abierta. No solo por la excelente técnica vocal de los cantantes, sino por como se complementaban con la orquesta. Pasaron de los temas más tranquilos, a otros más animados, lo que finalizó con una estruendosa ovación para todos ellos.

El bis no se hizo esperar. Y, tratándose de una noche de brujas, vampiros, espectros y fantasmas, nada como pedir ayuda a Los cazafantasmas, para que todo el público se animara a aplaudir y cantar Ghostbusters como uno solo. No se me ocurría mejor forma, con la que cerrar el espectáculo.

Durante todo el concierto, Constantino no paraba de interactuar con el público, gastando bromas, comentando como surgieron los temas, e, incluso, saliendo del apuro en el que le puso su atuendo, una capa de vampiro, en vez de su vestuario habitual, con buen humor. Incluso nos guardó una sorpresa en forma de televisión que, por sorpresa, se encendió sin motivo aparente, una vez finalizó de tocar el tema perteneciente a Poltergeist.

Fue un concierto que disfruté de principio a fin. Eché en falta los temas de El resplandor, Halloween, Viernes 13 o Pesadilla en Elm Street, por mencionar los más famosos y los primeros que a uno se le vienen a la cabeza a la hora de hablar de cintas con temática terrorífica. Tal vez los toquen en futuros conciertos de semejante temática. Esperemos que así sea.

Esperemos que no sea la última vez que la FSO, hace un espectáculo de estas características. E incluso les animo a salir de gira con el mismo, ya que seguramente muchas personas se animarán a verlo, tal y como suele ocurrir cada vez que tocan en un recinto de nuestro país. 

película: Los asesinos de la luna

Los aficionados al cine, teníamos la fecha de ayer, 20 de octubre, marcada en rojo en nuestro calendario cinematográfico. Después de una larga espera, por fin se estrenaba la nueva cinta de Martin Scorsese. Y la espera, desde luego, ha merecido la pena.

Dirigida por Martin Scorsese, que se ocupa del guión junto a Eric Roth, la cinta nos cuenta como tras el fin de la primera guerra mundial Ernest Burkhart, Leonardo DiCaprio, regresa a su pueblo de Oklahoma donde se reencuentra con su tío William Hale, Robert De Niro. Allí, la tribu india de los Osage, a la que pertenece Mollie, Lily Glandstone, mujer de Ernest, se ha hecho millonaria gracias a un yacimiento de petróleo. No pasará mucho tiempo, hasta que comiencen una serie de crímenes contra la tribu, lo que hará que Hoover, envíe al agente Tom White, Jesse Plemons, para averiguar quién se encuentra tras los asesinatos.

Además de los intérpretes arriba mencionados, hay que destacar la aparición de John Lithgow dando vida al fiscal Leaward, y a un recuperado Brendan Frases en el rol del abogado Hamilton.

Obra maestra, no se me ocurre otro término mejor, con el que definir el nuevo film de Scorsese. El cineasta italoamericano, ha dirigido una de las mejores cintas de su extensa filmografía, lo que no es decir poco.

El director de Casino, nos ofrece una producción donde el amor, el crimen y, sobre todo la codicia, son los pilares que sirven de base a su nueva propuesta, en donde todos sus elementos, tienen la precisión de un reloj suizo.

Su duración de tres horas y media, no se hacen pesadas en ningún momento. Cuando uno se acuerda de mirar el reloj, si es que lo hace, se da cuenta que ya han pasado casi dos horas sin apenas darse cuenta.

Los actores están de dulce. Sobre todo su trío protagonista. Que DiCaprio y De Niro, son dos monstruos de la actuación, es algo que ya se sabía. Pero aquí, logran dos de sus mejores actuaciones.

De Niro nos ofrece una gran actuación, de lo mejor que ha hecho en mucho tiempo. Junto con El irlandés, de nuevo con Scorsese, el actor de Toro salvaje, da una lección de interpretación. Bastante contenido, vuelve a demostrar que, el que tuvo, retuvo.

DiCaprio está increíble, y su rol es uno de los mejores de su carrera. Su actuación es impresionante, por lo que no sería nada raro, verle nominado al Oscar como mejor actor. Lo mismo que se puede decir de De Niro.

Pero, sin duda alguna, es Glandstone la gran sorpresa del film. La actriz, a la que no conocía en absoluto, va a conseguir ponerse en el punto de mira gracias a su rol de Mollie y, al igual que sus compañeros de reparto, no sería nada raro verla nominada por su actuación.

La dirección de Scorsese es digna de elogio. Pese a su edad, el cineasta demuestra estar en plena forma y la razón, por la que es uno de los mejores cineastas de la historia del cine. Y que aún le quedan cosas por decir y mostrar.

Una cinta que, sí o sí, debería estar nominada en las categorías de dirección, guión adaptado, actor, actor secundario, actriz, fotografía, montaje y banda sonora, a cargo del recientemente fallecido Robbie Robertson, líder de The Band, y que fue dirigido por Scorsese en el excelente documental El último vals.

Tanto si os gusta el cine, como si sois seguidores del director y protagonistas, es un film que no deberíais dejar pasar. De obligado visionado.

A continuación, el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: Sound of freedom

Ayer pude ver esta cinta, que se convirtió en uno de los éxitos sorpresa del verano pasado, y que en algunos países se colocó número uno en taquilla por delante de producciones más caras como Barbie, Oppenheimer o la nueva entrega de Misión imposible. Ahora bien ¿Es justificado semejante éxito, merece la pena? Pues yo diría que no, pero no adelantemos acontecimientos todavía.

Dirigida por Alejandro Monteverde, que se ocupa del guion junto a Rod Barr y Marlene Rodríguez, la trama nos cuenta como el agente Tim Ballard, Jim Caviezel, se embarcará en una misión para rescatar a unos niños que han caído víctimas de una red de trata de blancas. Para ello, contará con la ayuda del reformado criminal vampiro, Bill Camp.

Además de los intérpretes arriba citados, dentro del reparto nos encontramos con Mira Sorvino, que interpreta a la mujer de Caviezel, Kurt Fuller como su superior o José Zuñiga, como el padre de dos de los niños desaparecidos.

Tenía cierto interés por ver este film, y ver si el éxito que le acompañaba era para tanto o no. Una vez vez visto, ya puedo decir que no. La cinta es un telefilm, que podía haber sido lanzado perfectamente a cualquier plataforma. Hay que tener en cuenta, que fue rodado hace casi cinco años, y no ha sido hasta este verano, que no ha podido ver la luz. Visto los resultados, se podían haber ahorrado el lanzamiento.

Si bien la trama en un momento parece interesante, y podía haber tomado otros derroteros, lo que nos ofrece el director es algo plano, rodado sin gracia alguna y con unos actores que, en vez de interpretar sus papeles, parece que estén en piloto automático y leyendo el guion, si exceptuamos el caso de Camp,que se come la pantalla con cada aparición suya.

Son muchos los elementos, que hacen que esta cinta falle. En primer lugar, la dirección. El director sabe poner la cámara y ya. No nos ofrece planos interesantes, en ningún momento ofrece algo de tensión, y, en los breves momentos que hay acción, pasa de puntillas por la misma. No digo que haya que meter tiros por que sí, pero,si vas a meter alguna pelea,tiroteo o instante que saque del sopor, hazlo para mantener la atención del espectador. Algo que apenas consigue.

Otro de los fallos son los actores y sus interpretaciones. Cuando Caviezel no está llorando, se pasa con la misma cara en cada instante que aparece.A lo largo del metraje, hay no pocos instantes en los que pierde la oportunidad de ser un tipo duro. Algo que brilla por su ausencia. Caso aparte es Sorvino. En un determinado momento, el personaje de Caviezel le dice que aún no vuelve a casa, a pesar que no tiene los fondos para continuar la misión. Pues bien, Sorvino le dice po vale, hazlo. Y no vuelve a aparecer más. 

Lo que me lleva a otro problema, que es el montaje. Las escenas se suceden por que sí. Baste citar como ejemplo, lo que he mencionado en el párrafo anterior. Sorvino le dice que vale, y en la escena siguiente Caviezel sigue como si nada hubiera pasado. No se muestra si el personaje sufre o no, o si Sorvino está triste por estar tanto tiempo sola. En otras cintas de policías infiltrados, como Donnie Brasco, mostraba las consecuencias de la misión en el matrimonio del personaje encarnado por Depp. Aquí no hay nada de eso.

 

Su  duración, superior a las dos horas, tampoco ayuda. Se podía haber quedado en dos horas, e incluso menos. Hay escenas que sobran, y cuya eliminación no hubiera afectado en absoluto al resultado final. Y es lo que me cabrea, un film de estas características, le pega que tenga un toque de acción, que haya momentos de tensión, de saber si van a pillar o no a nuestro protagonista. Aquí no hay nada de eso, en ningún momento te dan a entender que el agente encarnado por Caviezel pueda correr peligro alguno y que todo va a salir bien, a pesar que en la vida real, dudo que todo fuera tan idílico.

Caso aparte merece la historia que hay detrás del film, objeto de no pocas polémicas que aquí no vamos a mencionar. Tan solo mencionar,, que el éxito que ha tenido ha sido relativo. Puesto que una vez acaba el film, Caviezel da un mensaje a la audiencia de la sala, explicando lo que ocurre con la trata de niños, y se da la opción de o bien comprar entradas mediante un QR, o regalarlas para que más gente vaya a ver la película. Esto hizo que, si bien se adquirieron entradas, las ventas no se reflejaron en las salas donde se proyectó. Puesto que las salas, o bien estaban a la mitad de su capacidad, o había cuatro gatos viéndola.

Un film tramposo, que busca emocionar con un tema sensible y que se queda a medias. Si sus máximos responsables, hubieran ido por otros derroteros, otro gallo les hubiera cantado. 

A continuación, el tráiler:

serie: The Continental

Cuando se estrenó John Wick, sus responsables estaban lejos de imaginar lo que habían creado. Además de una saga, el personaje ha derivado en un spin-off, cómics, merchandising variado y la serie de televisión que es la entrada de hoy. 

Creada por Greg Coolidge, Kirk Ward y Shawn Simmons, que se encargan de los guiones junto a Ken Kristensen, y dirigida por Albert Hughes y Charlotte Brändström, la trama nos cuenta como en los años 70, el joven Winston Scott, Colin Woodwell, regresa a la Nueva York de los años 70 cuando creía haber dejado su pasado atrás, para enfrentarse al sangriento director del hotel Continental Cormac O'Connor, Mel Gibson, y convertirse en el dueño del conocido establecimiento.

Interesante miniserie de tan solo tres capítulos, de hora y media cada uno, y que expande el universo del asesino encarnado por Keanu Reeves. Uno de los grandes aciertos es la elección de los actores, donde sobresalen Woodwell y, sobre todo, Gibson, encarnando a un villano sádico, pero al que el intérprete de Arma letal sabe dotar del suficiente carisma para que no sea del todo odioso.

Además de los actores arriba mencionados, destacar la aparición de Ayomide Adegun, encarnando a un joven Charon, que en el futuro se convertirá en la mano derecha de Winston, interpretado por Ian McShane en las cintas, y que tuvo los rasgos del fallecido Lance Reddick en la saga de John Wick.

Desde que se anunció el proyecto, me llamó la atención su interesante propuesta. Ya que nos permitía conocer la juventud de Winston, y conocer como se llegó a convertirse en el personaje que es cuando le conocimos en la primera parte de John Wick. 

Los dos primeros capítulos, apenas incluyen escenas de acción, salvo en contadas excepciones, para poner toda la carne en el asador en el último. Pero la espera, merece la pena, ya que nos regala unas set pieces, que pueden estar perfectamente, tanto en las cintas protagonizadas por Reeves, como en cualquier film de acción.

Como ya he dicho, en los dos primeros capítulos se nos presentan tanto el conflicto que desencadena todo, como a los personajes que participan en el devenir de los acontecimientos que, en mayor o menor medida, desempeñarán un papel importante en la vida de Winston.

El final de la serie, que se sabe casi desde que empieza, consigue ser bastante satisfactorio a pesar que, como ya he mencionado, ya conocemos como finaliza. Pero no importa, ya que la serie, sin ser novedosa en absoluto, si que consigue ser lo bastante entretenida como para mantenernos enganchados.

Tanto si os gustan las series de acción, como si sois seguidores de las cintas de este asesino a sueldo, es algo que merece la pena ver. Tanto por los protagonistas y secundarios que van apareciendo, como por su increíble capítulo final.

A continuación el tráiler:
 

 Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: The Creator

La semana pasada, se estrenó la nueva cinta de Gareth Edwards, director de Rogue One: una historia de Star Wars. Si bien el tráiler me dejó indiferente, a tenor de los buenos comentarios oídos por Facebook, decidí darle una oportunidad. Debí de haber hecho caso a mi instinto. Menuda decepción.

Dirigida por Gareth Edwards, que además se encarga del guión junto a Chris Weltz, la trama nos cuenta como Joshua Taylor, John David Washington, un antiguo agente recibe el encargo de dar con el paradero del misterioso Creador, constructor de un arma que puede poner fin a la guerra entre humanos y máquinas. Pero, cuando descubre que la misma es Alfie, Madeleine Yuna Voiles, hará que el espía se replantee su objetivo.

Además de los intérpretes arriba citados, nombrar la aparición de Ken Watanabe en el rol de Harún, un aliado inesperado para Joshua; Gemma Chan dando vida a Maya, el antiguo amor del agente y Alison Janney como el Coronel Howell, superior del protagonista.

Tal y como se puede ver por el argumento, no hay nada nuevo bajo el sol. La historia que aquí se nos cuenta, la hemos visto en no pocas ocasiones dentro del género de la ciencia ficción. El problema está, en como lo cuentas, y en el ritmo que le des a tu film, lo que hace que sea más o menos entretenido.

No tengo nada en contra, en que un realizador me cuente una historia mil veces vista. Pero, si lo haces, dale otro estilo o tu toque personal. Lo que no puedes hacer, es que tú cinta mezcle de forma aleatoria, y por nombrar algunas influencias bastante apreciables para el cinéfilo de pro, Apocalypse Now, Inteligencia Artificial, o Blade Runner  por citar los ejemplos más claros al tuntún, quedándote con lo más destacado de cada una, metiéndolo en la batidora y que salga el sol por Antequera.

El resultado final es una película sin alma ninguna. En no pocas ocasiones llegó a aburrirme, y eso, tratándose de un film de ciencia ficción es pecado. Si quieres hacer una cinta filosófica, adelante. Pero no puedes pretender hacerla así, y luego meter secuencias de acción. Es como si en Hamlet, pones al famoso príncipe a contar chistes en mitad de su monólogo.

De nuevo, Washington vuelve a ser de lo más flojo de la producción. Puede haber heredado el apellido de su progenitor Denzel, pero, lo que está claro es que le falta mucho para llegar al talento que tiene su padre. 

Es un tío muy soso, sin carisma. Parece que en vez de actuar, esté recitando su guión. No me importaba lo que le pasaba a su personaje,  algo que no ocurre con la niña androide, lo mejor de la cinta junto con Watanabe.

Los efectos especiales están bien, pero eso no  basta para un filme bastante fallido, y al que le cuesta encontrar el tono.

Tampoco ayuda su duración, cercana a las dos horas y diez, cuando la misma se podía haber contado en veinte minutos menos. Hay escenas que sobran y que no aportan nada.

Menos mal, que, tal y como he mencionado antes, Voiles y Watanabe salvan el día. La pequeña consigue que su personaje te importe. Sabe darle el toque adecuado para que la audiencia empatice con ella.

De Watanabe poco hay que decir que no se haya dicho ya. Su interpretación es bastante sobria y, junto con Janney, consiguen ser, además de Voiles, lo mejor de la cinta.

Es una pena que, el resultado final, haya sido tan decepcionante. Lo tenía todo para gustar, pero se queda en tierra de nadie.

Si os gustan las películas de ciencia ficción que quieren ir de profundas, adelante. Pero, para todos aquellos que, como un servidor, queráis algo más, no os la recomiendo. 

A continuación, el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

concierto: Homenaje a Morricone, Williams, Zimmer

Si a cualquier aficionado al séptimo arte, le preguntan por los compositores más famosos de la historia del cine, probablemente los primeros nombres que se le vengan a la cabeza, serían los que están en el enunciado de la entrada de hoy. Y es que, sus composiciones han sonado en algunos de nuestros filmes favoritos. Desde aquí, dar las gracias a la fundación por las entradas de cortesía, que han hecho posible la entrada de hoy.

José Luis López Antón, dirige una orquesta formada por 60 músicos que, durante cerca de dos horas, nos hicieron viajar desde países de nunca jamás, hasta el espacio, pasando por la antigua Roma o poniéndonos las espuelas y disparando más rápido que nuestros enemigos para alzarnos con la recompensa.

Interesante concierto que me sorprendió gratamente. No solo por los temas escogidos, sino también por como fueron ejecutados. Lo que hicieron fue ir alternando entre los compositores, tocar uno o dos temas para que, sin apenas dar un respiro a la audiencia, proceder a tocar el siguiente.

El primer tema escogido, nos hizo viajar al país de Nunca Jamás con Hook, una joya a rescatar dentro de la filmografía de Spielberg para, acto seguido, elevarnos en nuestras bicicletas y surcar los cielos al ritmo de la partitura de ET, compuesta por Williams.

Era el momento de ponernos las botas de cowboy y ganarnos los dólares, al son de los silbidos de La muerte tenía un precio de Morricone. Después, era la hora de resolver misterios en el Londres victoriano con Sherlock Holmes de Zimmer, y, una vez hecho, volvíamos a los 90 para subir a un helicóptero, que nos llevaría a un Parque Jurásico, donde nos tocaría escapar de los dinosaurios.

Para descansar las piernas, nos subimos en el tren que salía del andén nueve y tres cuartos, que nos llevaría a Hoghwarts, hogar de Harry Potter. Después, viajamos a la Italia de principio del siglo XX de Novecento, para después, oír la partitura de Cinema Paradiso, uno de los mejores momentos del evento.

Después de este instante de tranquilidad, viajamos a Sad Hill, para ganarnos los dólares. Acto seguido, era el momento de visitar Madagascar, y después adentrarnos en el mundo de los sueños de Origen.

El siguiente tema, nos hizo volver a creer que un hombre venido de Krypton podía volar. Después de surcar los cielos, conocimos a El Rey León con su suite. Para, acto seguido, volver a viajar al espacio para oír La marcha imperial, tema que, al igual que el anterior, arrancó no pocos aplausos entre la platea.

Era el momento de volver a calzarse las espuelas, para volver al Oeste con el tema principal de Él bueno, el feo y el malo. Sin dejar de lado la aventura, tocaba acompañar al arqueólogo más famoso de la historia del cine en su primera aventura buscando el arca perdida.

Zimmer fue el encargado de cerrar el concierto, con las suites de Gladiator y Piratas del Caribe. Morricone, con el bis de Él bueno... piso el broche final a la actuación.

La orquesta estuvo bastante bien, e incluso el director en los últimos instantes, interactuó en no pocas ocasiones con el público asistente, algo que, los que somos asiduos a este tipo de espectáculos, siempre agradecemos.

Esta era la primera vez que visitaban Logroño y, espero, que no sea la última vez. Si os gustan las bandas sonoras de estos compositores, y pasan por vuestra ciudad, no lo dudeis e id a verlos. Seguro que no os decepcionan.

película: Los mercenarios 4

El pasado viernes se estrenó, la que parece ser la última cinta de la saga iniciada por Stallone en 2010. A pesar de las críticas y del fracaso en taquilla, siendo seguidor del bueno de Sly y de Statham, además de las anteriores, decidí darle una oportunidad. Si bien me gustó, tiene unos cuantos peros, que hacen que el resultado final no sea todo lo satisfactorio que pudo haber sido.

Dirigida por Scott Waugh, y escrita por Kurt Wimmer, Tad Daggerhart y Max Addams, la trama nos cuenta como Barney Ross, Sylvester Stallone, y su equipo tendrán que impedir que Rahmat, Iko Uways, detone una bomba nuclear que podría significar el inicio de la tercera guerra mundial.

A los habituales mercenarios Jason Statham, Dolph Lundgren y Randy Couture, ahora se les unen Megan Fox, como la pareja de Statham; 50 Cent; Andy García como Marsh, enlace de la CIA entre Barney y el gobierno, Tony Jaa dando vida a Fecha, aliado de Ross o Jacob Scipio en el rol de Galán, hijo del personaje de Antonio Banderas en la anterior entrega.

Le tenía esperanzas a esta nueva entrega, sobre todo después del sabor agridulce que me dejó la anterior. Esta es, sin duda, la más floja de todas. A ello ayudan unos cuantos factores que, si se hubieran cuidado más, el resultado final hubiera sido completamente distinto.

Megan Fox y 50 Cent, son, sin duda alguna, de lo peor de la cinta. La Fox se limita a lucir palmito, y dosis enormes de maquillaje, que hubieran hecho imposible que las balas atravesaran su rostro. Su actuación es bastante plana, sosa y sin carisma alguno. Ni siquiera el compartir escenas con Statham consigue que se luzca. 

Otro tanto se puede decir del rapero metido a actor. Intenta ir de tipo duro, soltando frases ingeniosas, si es que se pueden calificarse así, o al matar a algún secuaz que otro. Pero se queda en el intento.

Los efectos especiales tampoco ayudan. Los cromas cantan bastante. Y no estamos hablando de una producción barata precisamente. Ha costado 100 millones, por lo que los responsables se podían haber esmerado más a la hora de hacerlo. No te estoy pidiendo que sean increíbles, pero si al menos que no den vergüenza. En no pocas ocasiones parecía que estabas viendo una de Asylum, así que podéis haceros una idea del nivel.

La cinta tiene poca acción, pero, cuando hace acto de aparición, hace que la espera haya merecido la pena. So estos pequeños momentos los que hacen que haya merecido pagar la entrada. Pero estos breves instantes no bastan para levantar el film.

Por último, hablar de los villanos y de lo desaprovechados que están. Tanto el principal, como el que en teoría es sorpresa y te ves venir desde el principio. Al menos, ambos tienen un par de momentos para su lucimiento, lo que sin duda es de agradecer.

Pero no todo va a ser malo. Statham es, sin duda, lo mejor de la cinta. Se echa sobre sus hombros la producción y la sostiene. Vuelve a demostrar el por que es uno de los mejores actores de acción del cine actual, gracias a su físico y, sobre todo, su innegable carisma.

Stallone, pese a aparecer poco, aprovecha sus apariciones para recordarnos que sigue molando. Sus secuencias con Statham, demuestran la buena química entre ambos. 

La duración es la justa para este tipo de productos. Poco más de una hora y cuarenta, por lo que desde que comienza va directa al grano, y consigue que no te aburras. Al menos a mí no me lo pareció.

Lástima que, tal y como he dicho antes, la acción tarde tanto en aparecer. Menos mal que cuando lo hace, es para regalarnos un combate entre Statham y Uwais, y para demostrar las habilidades marciales de Jaa, quien sabe aprovechar sus breves momentos en pantalla para soltar hostias como panes.

Si os gustaron las anteriores, dadle una oportunidad a esta, pese a que no sea tan interesante como sus predecesoras.

A continuación, el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

libro: Tu atención, por favor

No hay duda, que las tecnologías forman parte de nuestro día a día. Ya sea en forma de móviles, ordenadores, tablets o smartphones. Pero también en plataformas donde hay miles de opciones para entretenernos, y, por supuesto las redes sociales. Hay que saber como administrar el tiempo para todo esto, y, a la vez, tener la posibilidad de no depender tanto de estos avances. Precisamente, de esto va la entrada de hoy. Desde aquí, dar las gracias por el ejemplar de cortesía para hacer la reseña.

Escrito por Roger Casas-Alatriste, el presente ensayo supone tanto una guía, como un estudio acerca de cómo las tecnologías han influido en nuestras vidas, y de como ya apenas podemos pasar sin las mismas.

He de decir que el libro me sorprendió para bien. El tema es interesante, pero, si no se sabe llevar bien, puede resultar farragoso y aburrido. Pero, no ha resultado ser así. El autor, ya desde las primeras páginas, avisa que va a usar un lenguaje sencillo de comprender, así como la utilización de párrafos cortos para que no resulte denso a los lectores no acostumbrados a este tipo de lecturas.

A lo largo del libro, el autor mezcla experiencias propias, acerca de su propio uso de tecnologías, como del uso de las mismas en nuestra vida. Los que hace que, en no pocos instantes, los lectores se sientan identificados, con las situaciones que se muestran.

Otro de los detalles a rescatar, es que, en un par de ocasiones, el autor da una serie de consejos a todos aquellos que, alguna vez que otra, les haya picado el gusanillo de adentrarse en el mundo de las redes sociales, ya sea Tik Tok, Instagram o YouTube. Son pequeños aportes que, sin duda, ayudan.

La extensión del libro, de poco más de 160 páginas, hace que, si sois lectores voraces, os dure poco. 

Tanto si os gustan los ensayos sobre nuevas tecnologías, así como si queréis iniciaros en las mismas, es un libro que recomiendo su lectura.

teatro: Las nubes

Hay quien dice, que la risa es una de las mejores medicinas. Si eso fuera posible, esta obra sería sin duda un gran remedio. Puesto que casi desde su comienzo, hasta su final, las risas están aseguradas. Así pues, veamos que nos depara esta comedia de Aristófanes.

Dirigida por Paco Mir, que adapta la comedia de Aristófanes, la trama nos cuenta como un avispado productor teatral, Marino Peña, interna vender una obra de teatro a una suspicaz empresaria, Cristina Almazán, sobre la vida de Estrepsiades, Pepe Viyuela,un hombre acuciado por las deudas y su hijo Hipocomiso, Samuel Viyuela, a quien apunta a la escuela socrática, dirigida por un singular filósofo, Manuel Monteagudo.

Muy divertida obra, que supone una buena adaptación por parte de Mir a nuestros días. No son pocas las ocasiones, en las que el director y guionista, traslada a nuestros días esta comedia clásica. 

Son estas pequeñas indirectas al pensamiento de nuestros días, las que arrancan no pocas carcajadas al público. A ello ayuda el bien hacer de sus actores, y la complicidad que tienen con el público.

Y es que, la audiencia participa en unas cuantas ocasiones a lo largo de la obra, no son pocos los instantes en los que el público participa, aunque sea de manera testimonial, en algunos momentos de la representación.

Resulta interesante, cómo se produce un ejercicio de metateatro, si es que existe tal término, en donde el público asiste a una representación de teatro, a la vez que se representa al público.

A lo largo de la representación, no son pocos los números musicales que nos encontramos. Aquí, hay que destacar el registro vocal de Cristina Almazán, que me sorprendió gratamente. En ocasiones, cada vez que cantaba, parecía una cantante de ópera.

La obra, supone tanto una crítica a la escuela de pensamiento socrática, como a todo aquellos que nos quieren hacer comulgar con ruedas de molino.

La escenografía es simple, pero no por ello menos efectiva. Aquí se demuestra que, no hacen falta grandes decorados, si los mismos se suplen con gran imaginación.

No hay que poner ningún pero. Los gags funcionan, los intérpretes demuestran una gran compenetración entre ellos, y de paso con el público, y transmiten su buen rollo a la audiencia.

Si os gustan las obras basadas en el teatro clásico, actualizadas a nuestros días, no lo dudeis y dadle una oportunidad. Seguro que no os arrepentiréis.

teatro: Adictos

Dentro de la ciencia ficción, nos encontramos con producciones de gran presupuesto, y otras más modestas. Es en esta segunda categoría, donde se encuentra está obra de teatro que tuve la ocasión de ver ayer. Un escenario y tres actrices en estado de gracia, bastan para captar la atención de la audiencia.

Dirigida por Magüi Mira, y escrita por Daniel Dicenta y Juanma Gómez, la trama nos cuenta como en un futuro la científica Estela Anderson, Lola Herrera, ha creado una inteligencia artificial que cambiará el mundo. Pero, el día de la presentación el auditorio es atacado por un grupo rebelde opositor al gobierno. 

Esto hará que Estela acabe en una clínica psiquiátrica dirigida por la doctora Soler, Lola Baldrich, que será entrevistada por la reconocida periodista Eva Landau, Ana Labordeta. Estas tres mujeres, unirán sus fuerzas para desenmascarar al gobierno y exponer la verdad que se oculta tras el grupo de rebeldes.

Más que interesante obra, que bebe tanto del thriller como de la ciencia ficción, y que también nos habla sobre el precio a pagar por pensar diferente, y las consecuencias que ello acarrea.

Tal y como se puede ver por el argumento, los autores suelen recurrir a uno de los tópicos dentro del género de la ciencia ficción. Ya sea en literatura, baste recordar los casos de Fahrenheit 451, o Equilibrium por citar dos ejemplos.

Pero, es la forma en que lo cuentas, lo que hace que resulte más interesante o no para la audiencia. Y, en este caso, ambos autores salen airosos de la situación.

Ambos escritores critican en la obra, tanto la presencia de las inteligencias artificiales en nuestro día a día, que hacen que perdamos la noción de la realidad y la compañía con otros seres humanos, como el uso, en ocasiones equivocado, que le pueden dar a las mismas.

Esta era la segunda vez, que he podido ver en teatro a Lola Herrera, una de las grandes damas del teatro español. La primera vez que la vi, fue en Cinco horas con Mario, el papel que más alegrías le ha dado en su larga carrera. En esta ocasión, si bien su rol también tiene una carga dramática bastante fuerte, no supone tanto desgaste como el de Menchu, protagonista de la ya citada obra de Delibes.

Es Lola Baldrich la que comparte la mayor parte de escenas junto a Herrera, saliendo bastante airosa del duelo interpretativo. Labordeta es quien menos coincide con Herrera, pero, cuando las tres coinciden en el escenario, dan muestras de su saber hacer y química. 

Esta era la primera ocasión en la que veía sobre un escenario tanto a Baldrich como a Labordeta. Y espero que no sea la última. Si bien conocía el pasado televisivo de ambas intérpretes, no es lo mismo que verlas en directo y en teatro. Sobre todo teniendo en cuenta la carga emocional que llevan ambos roles.

La obra se encuentra apoyada por una buena escenografía y efectos de sonido, que hacen su aparición en el asalto ya mencionado. Lo que ayuda tanto a la representación como a las actrices. A ello ayuda también, que su duración sea de poco más de una hora.

Tanto si os gustan las obras ambientadas en la ciencia ficción, como si sois seguidores de Lola Herrera, esta es una representación que no deberíais dejar pasar.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

concierto: Joaquín Sabina

Ayer pude disfrutar, por segunda vez en mi vida, del recital que el artista de Úbeda, dio ayer en Pamplona y donde volvió a demostrar, una vez más, que el cantante, a pesar de su edad, sigue siendo capaz de emocionar, como la primera vez que se subió a los escenarios.

Con una puntualidad casi británica, puesto que apenas pasaban unos minutos de las nueve de la noche, daba comienzo el espectáculo. El artista decidió comenzar con Cuando era más joven, una buena forma de abrir fuego, y que supuso el aperitivo, de poco más de dos horas de concierto, en donde Joaquín fue alternando sus temas más recientes, con los más clásicos. Todo ellos fueron acompañados de imágenes, que se iban poniendo en la pantalla que se encontraba en el escenario.

Así, los temas que sonaron a continuación, fueron Sintiéndolo mucho, Lo niego todo y Mentiras piadosas. Después, el artista prosiguió con Lágrimas de mármol, Cuando aprieta el frío y Por el boulevard de los sueños rotos. Está fue una de las canciones que más me gustaron, no solo por ser uno de mis temas favoritos del andaluz , sino porque oírlo en directo es una maravilla.

Durante la mayor parte del recital, el cantante apenas se movió del taburete, salvo en un par de momentos, en los que anduvo por el escenario. Ya no es un chaval, y prefiere estarse quieto antes que sufrir otro accidente, como el que sufrió en el Wizin center. 

A lo largo del concierto, el cantante interactuó, en no pocas ocasiones, con los asistentes. Hasta lanzó varios guiños y piropos a la ciudad pamplonica. Ganándose con ello no solo los aplausos del público, sino también su cariño.

Algo que me sorprendió, fue que al poco de comenzar a cantar, a la séptima canción que fue Llueve sobre mojado que grabó con Fito Paez, Joaquín presentó a la banda. Algo que, por norma general, suele hacerse hacia el final del recital.

Hacia mitad del recital, Joaquín se tomó un pequeño respiro, y fue a cambiarse, momento en el que Mara Barros, que cantó Yo quiero ser una chica Almodóvar y Antonio García de Diego, que interpretó La canción más bonita del mundo, y que acabó de cantar Sabina.

De nuevo sobre el escenario, y con fuerzas renovadas, el artista prosiguió el recital con Tan joven y tan viejo, A la orilla de la chimenea, Una canción para la Magdalena, a duo con Mara Barros, simplemente impresionante y 19 días y quinientas noches, momento en el que el público acompañó a Joaquín durante no pocos instantes.

Peces de ciudad, canción que me encanta pero que sigo prefiriendo la versión que hizo Ana Belén, y la copla Y sin embargo te quiero, interpretada de nuevo por Mara Barros, supuso el aperitivo para Y sin embargo. Temazo impresionante, y que consigue que te emociones, debido a la pasión y fuerza que Mara pone en su parte.

Después de este tema más pausado, era el momento de dar caña de nuevo. Por ello, Joaquín decidió tocar Princesa,  una canción que no se caracteriza por ser rockera precisamente. Pero que, en alguna que otra ocasión, ha decidido hacerla más movida.

Con esta canción, se ponía punto y final al espectáculo, por lo que los bises no tardaron en llegar. El caso de la rubia platino, Contigo, Noches de boda, Y nos dieron las diez, canción que, personalmente, hubiera escogido para poner punto y final al recital, algo que hizo con Pastillas para no soñar.

Durante poco más de dos horas, Joaquín con su característica voz desgarrada, nos hizo disfrutar de su talento. Poco importa que no tocara algunos de sus temas más reconocidos como Pacto entre caballeros, Quién me ha robado el mes de abril o La del pirata cojo. 

Todo apunta a que está gira, será la de despedida del artista. Algo que esperemos que no ocurra, ya que, mientras sus seguidores, entre los me incluyo, sigan llenando los recintos, tal y como sucedió ayer en el Navarra arena, al cantante le queda aún mucho que decir sobre los escenarios.

Así pues, tan solo me queda decir: Gracias Joaquín. Gracias por tus canciones, por volver a subir a un escenario y, sobre todo, por conseguir emocionarnos y arrancarnos alguna que otra carcajada, con tus ocurrencias y simpatía.