película: The apprentice

El mes que viene se celebran las elecciones en los Estados Unidos, por ello es más que acertado el estreno de la entrada de hoy, una cinta en la que se repasan los años de vida de Donald Trump cuando empezó a ganar notoriedad dentro de la sociedad americana. Un interesante biopic que, lo más seguro, pase desapercibido en la cartelera, pero para eso está el blog, para darlo a conocer y animaros a verlo.

Dirigida por Ali Abbasi y escrita por Gabriel Sherman, la cinta nos cuenta como en los años 70 Donald Trump, Sebastian Stan, contacta con el poderoso abogado Roy Cohn, Jeremy Strong, para que le ayude en un caso relacionado con sus viviendas. Será el inicio de una amistad en el que el futuro presidente empezará a dar sus primeros pasos como hombre de negocios imparable, lo que le llevará a conocer a su futura mujer Ivana, Maria Bakalova, a la vez que intenta alejarse del legado de su padre Fred, Martin Donovan.

Cuando entré a ver la película, no sabía lo que iba a ver ya que no había visto ningún tráiler o había leído ninguna crítica, por lo que fui a la aventura. En ocasiones esto es lo mejor, así uno se sorprende ante lo que va a ver y no está influenciado por las opiniones de terceras personas.

Uno de los aciertos del film es la interpretación de sus dos protagonistas principales, Stan y Strong. Del primero he de decir que me sorprendió gratamente su actuación. El Bucky del UCM demuestra que hay vida más allá de Marvel, y nos ofrece una buena interpretación como Trump. A ello ayuda también su caracterización, pero resulta más que interesante ver la evolución que va sufriendo su personaje. Desde ser un poco timorato, hasta adelantar al que es su maestro a la hora de escalar posiciones dentro de la escala social, caiga quien caiga.

Ojalá en la futura entrega de premios de la academia o en los globos de oro, Stan esté nominado, puesto que se lo merece. En ningún momento llegas a sentir ningún momento de simpatía por su personaje, salvo en alguna que otra ocasión, pero es solo un breve destello de humanidad lo que vemos del personaje de Trump. El resto de ocasiones, lo vemos como alguien sin apenas escrúpulos y capaz de hacer lo que sea con tal de salirse con la suya.

En cuanto a su compañero de reparto Strong, tampoco le va a la zaga en lo que a interpretación se refiere. Su rol como abogado sin apenas escrúpulos llega a ser escalofriante en algunos momentos, pero, a diferencia del personaje de Stan, aquí hay momentos en los que si te llega a caer bien, pero tampoco mucho, puesto que a poco que uno se ponga a indagar sobre la persona real, se da cuenta que no era ningún santo de escayola

La ambientación es bastante fiel, sobre todo en lo que a vestuario y selección musical se refiere. A través de los años uno puede escuchar los diversos éxitos que sonaban en aquellos años. Así, los mitómanos podrán identificar entre otros temas Yes sir! I can boogie de nuestras Baccara.

Si hubiera que poner una pega, por así decirlo, es que en ningún momento te ponen los años en los que transcurre la acción. Uno lo puede intuir por quien estaba en la Casa Blanca en aquellos momentos o por los cambios a la hora de vestir y peinados de la gente. No hubiera estado mal, que apareciesen los años para que los espectadores no se pierdan. Pero, como digo, es un pecado menor.

Esta cinta no ha costado mucho, apenas 16 millones creo, y ha recaudado apenas 500.000. Es decir, hostiazo en taquilla. Pero en esta ocasión lo considero inmerecido, puesto que el film es bastante atractivo, pero creo que no se ha publicitado lo bastante como para darse a conocer. Cuando vi la cinta el pasado viernes, estaba yo solo en la sala. Lo que es una pena, pero ya sabemos que, de un tiempo a esta parte, muchas producciones se están dando batacazos en lo que a la hora de recaudar se refiere.

En mi opinión personal, no es porque la gente no le gusta el cine, le gusta. Pero muchas personas piensan que para que acudir al cine, si en apenas dos meses voy a tenerla en mi plataforma de pago. Lo que es un error, soy un firme defensor de las salas de cine y de la experiencia que supone ir a ver los filmes en pantalla grande. A pesar de la gente maleducada, ir al cine me encanta y es algo que, por desgracia, se está perdiendo.

Tanto si os gustan los filmes políticos, como los biográficos, ésta es una peli que os recomiendo ver. Su duración son dos horas que pasan volando y apenas puedes despegar la vista de la pantalla. Tiene buen ritmo y está bien dirigida. es decir, cuenta con todos los elementos necesarios para satisfacer los paladares cinematográficos.

A continuación, el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: Joker: Folie à Deux

Ayer se estrenó la tan esperada secuela de Joker, que le supuso el tan ansiado Oscar a Joaquin Phoenix. Si bien iba con las expectativas algo bajas tras leer varias opiniones, que intenté que no me influyeran, una vez iniciada la proyección no pude sino estar de acuerdo con las mismas. Al salir de verla salí bastante cabreado por lo que había visto, ya que pocas veces una cinta ha conseguido enfadarme de esa forma. En los siguientes párrafos voy a explicar el motivo de mi descontento.

Dirigida como la anterior por Todd Philips, que se encarga también del guion junto a Scott Silver la trama nos cuenta como tras los sucesos de la anterior entrega Arthur Fleck, Joaquin Phoenix, alias el Joker se encuentra en Arkham a la espera de su juicio. Un día, mientras va a a conocer a su abogada, Catherine Keener, coincide de manera fortuita con Harleen Quinzel, Lady Gaga, mientras está con el coro. La chispa entre ambos no tardará en surgir.

Dentro del reparto también nos encontramos con Brendan Gleeson, dando vida a un guardia de Arkham; Zazie Beetz retomando su rol de Sophie, el interés amoroso de Arthur en la primera parte; Leigh Hill que vuelve como Gary, el amigo de Arthur; Sharon Washington como la trabajadora social de Arthur; Steve Coogan es Paddy Meyers, un periodista que entrevista a Arthur en Arkham y Harry Lawtey interpreta al fiscal Harvey Dent.

Cuando se anunció que la secuela de Joker sería un musical, no fuimos pocos, entre los que me incluyo, que alzamos una ceja de incredulidad. No tengo nada en contra de los musicales, es más, algunos de ellos como Cantando bajo la lluvia, Moulin Rouge, La la land o West side story, por nombrar ejemplos se encuentran dentro de mis favoritos. Pero es que aquí, el gran problema del film son, precisamente, los números musicales.

Algunos de ellos están bien integrados, pero la mayoría de los mismos no. Lo que hace que en no pocas ocasiones te saquen de la película. Lo que cabrea, una vez te puede pasar, pero que, de forma constante, metas una escena musical porque te apetece hace que te provoque hastío y estés deseando que se acabe para que la trama avance.

Y es que, la película podía haber funcionado perfectamente si el director hubiera prescindido de los números musicales. O, por lo menos, no haber abusado de los mismos. Si me metes alguno que otro, para indicar las partes oníricas de los personajes principales, te lo compro. Pero que, y perdón por el ligero spoiler, que en una conversación entre Joker y Harley en la sala de visitas el personaje de Gaga se ponga a cantar por que sí, pues mira, no te lo compro. Más que nada porque no viene al caso, Philips debió de pensar que quedaba bien, o por lo menos en su mente quedaba estupendo, y la puso.

Todo lo bueno que hizo Phoenix en la anterior entrega, aquí lo echa por la borda. Vuelve a repetir los mismos tics y gestos que le hicieron ganador del galardón al mejor actor. En vez de llevar su interpretación un paso más allá, se limita a hacer lo mismo. Debió de pensar "para que esforzarme, si ya tengo lo que quería" y está con el piloto automático la mayor parte del tiempo, salvo algún que otro instante en el que nos demuestra lo buen actor que es.

Lo de Gaga es tema aparte. Tan solo se luce en las partes en las que canta. Sobre su interpretación más vale correr un tupido velo. Por ahora no ha hecho nada destacable, si he decir que me sorprendió en La casa Gucci, ya que Ha nacido una estrella no la he visto aún. Pero hasta ahora no me está diciendo nada como actriz, espero que en futuros proyectos me haga cambiar de opinión. Pero, hasta ahora, Margot Robbie se la come como personaje, y también Kaley Cuoco, que le presta su voz en la serie de animación.

Puedo entender que quieras ofrecer otro punto de vista sobre ambos personajes, el explorar nuevas posibilidades. Pero, lo que no logro entender del todo, es que le des la vuelta del todo a la relación que mantienen Joker y Harley, que es el caso más claro de amor tóxico. Aquí los roles se invierten, vale, eso te lo puedo comprar, pero lo que no me gusta es que aquí pinten todo el rato a Arthur como alguien manipulable, cuando en los cómics no es así en absoluto.

Pero, lo que me acabó de enfadar del todo, fue una frase. Solo UNA FRASE le ha bastado a Philips y a Silver para cargarse al personaje del Joker. Un villano con 84 años de historia, que ha puteado de manera constante a Batman, que es su némesis principal y un psicópata en toda regla, queda humillado con pocas palabras. No sé si ha sido intencionado o no, pero, en caso de no serlo, desde luego que los guionistas se han lucido.

Si tan solo el film hubiera sido normal, y hubiera prescindido de los números musicales, el resultado hubiera sido del todo distinto. Ya que, cuando es una cinta normal, nos consigue mantener atentos, puesto que tiene elementos para hacerlo. Pero, cuando las canciones hacen acto de aparición, todo el interés que había se desvanece como un azucarillo en un vaso de leche.

Si os gustó la primera parte o si os interesa el personaje del Joker, dadle una oportunidad. Yo ya he avisado que los números musicales son totalmente prescindibles, y solo sirven para entorpecer el metraje, que se va hasta casi las dos horas y media. Por lo menos no aburre, que si lo hubiera hecho, hubiese sido para enmarcar.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: Megalópolis

El pasado viernes se estrenó la que, seguramente, sea la última cinta dirigida por Coppola. Era un proyecto que ha tardado en materializarse cuatro décadas, y ahora por fin se ha hecho realidad. Ahora bien ¿Merece las críticas destructivas que se está llevando, o en realidad no se merece tantos palos? Una vez vista, puedo decir que me ha sorprendido gratamente, a pesar de que, tal y como voy a expresar a continuación, tiene sus pequeños defectos. Así pues, viajemos a esta fábula de ciencia ficción que nos ha preparado el realizador de Rebeldes.

Escrita y dirigida por Francis Ford Coppola, la trama nos cuenta como en una América moderna con una fuerte base romana César Catalina, Adam Driver, con la habilidad de parar el tiempo pretende cambiar el diseño de la ciudad con el Megalón un nuevo material, por lo que no duda en enfrentarse al corrupto alcalde Franklyn Cicero, Giancarlo Esposito, que quiere que todo siga igual. Pero, cuando Julia, Nathalie Emmanuel, la hija de Cicero se enamora de César, se encontrará en mitad del conflicto entre ambos.

Además de los actores arriba citados, en su reparto también nos encontramos con Jon Voight encarnando a Hamilton Craso III, millonario y tío de César; Shia LaBeouf como Clodio, primo de César; Aubrey Plaza dando vida a Wow Platino, reportera y amante ocasional de César; Laurence Fishburne en el rol de Fundi Romaine chófer de César; Talia Shire es la madre de César y Dustin Hoffman interpreta a Nush, consejero y amigo de Craso. 

Tal y como se puede ver, tanto por el argumento como por su potente reparto, la cinta tenía todos los números posibles para convertirse en un taquillazo. Pero, por desgracia, el batacazo en taquilla ha sido considerable. Con un presupuesto de 125 millones de dólares, apenas ha recaudado más de 4. Lo que es una verdadera pena, puesto que el film tiene elementos para llamar la atención de todos aquellos espectadores a los que les gusta el cine.

Uno de los mismos es su guion. Coppola ha sabido combinar una trama que podía haber casado perfectamente con parte de las tramas vistas en Espartaco o en la serie Roma, en lo que a las luchas de poder se refiere, con una ciencia ficción distópica, en la que sigue existiendo la lucha de clases y las diferencias entre ricos y pobres es más que evidente. 

Otro aspecto a destacar es su reparto, en el que sobresale de manera especial LaBeouf, ofreciéndonos un rol desatado e histriónico. El que fuera intérprete de la saga Transformers, da vida a un personaje trepa, carismático y al que no le importa traicionar a su propia familia, con tal de hacerse con la alcaldía de la ciudad. No es que el resto de reparto lo haga mal, ya que Driver, Emmanuel, Esposito y un divertido Voight también destacan en sus respectivos roles, pero es LaBeouf el que se lleva el gato al agua.

El aspecto visual destaca tanto para bien como para mal. En el aspecto positivo, Coppola nos regala imágenes bastante potentes, sobre todo cada vez que el Megalón hace acto de aparición o César hace uso de su habilidad. También la ciudad ideada por César, que en no pocos momentos recuerda a los diseños de Metrópolis de Fritz Lang, hace que uno aplauda el guiño que el realizador de Apocalypse Now hace a esta obra maestra de la ciencia ficción.

Pero también el aspecto visual y el uso de los efectos digitales, en no pocos momentos le juegan alguna que otra mala pasada. Ya que se nota el uso de la pantalla verde, pero esto no es algo que pase aquí ya que en otras superproducciones con el doble, o más, de presupuesto han hecho que se le vean las costuras digitales.

Otro problema es que el film sufre de altibajos. Tan pronto te engancha, como que de repente se va por otros derroteros y hace que te descoloque por completo. Luego hay personajes que, sin saber como, desaparecen sin apenas haber aportado nada a la trama. Según leí, parece ser que el montaje original era cercano a las cuatro horas, y la versión que nos ha acabado llegando es de casi dos horas menos, por lo que esos cortes se notan y hace que en ocasiones uno se pierda.

Coppola parece haber querido contar mucho en poco tiempo, lo que engancha con lo que he dicho en el párrafo anterior. Es como si se hubiera puesto trabas a si mismo, no hay que olvidar que ha sido el propio director el que ha puesto el presupuesto para sacar adelante su sueño, por lo que la apuesta era bastante arriesgada. Por desgracia, no ha salido todo lo bien que hubiera querido, por lo que este film se añade a otros batacazos en taquilla del realizador.

Ya aviso que esta es una película que no gustará a mucha gente. Ya sea por su historia, por la rallada que en ocasiones es o por su duración tranquila y pausada, no va a enganchar a la audiencia. Ayer éramos 10 personas en la sala, todos adultos. Por fortuna, nadie abandonó la sala. Tanto mi acompañante como yo, coincidimos en que tenía las virtudes y defectos que os he mencionado. En otro aspectos en lo que estábamos de acuerdo, es que dentro de unos años posiblemente Megalopólis sea un film de culto. No sería la primera vez que, producciones que en el momento de su estrenó fracasaron y no gustaron y, años más tarde, se han convertido en obras de culto. Los casos de Blade Runner o La cosa son un buen precedente.

Si os gusta el director, o si os gustan las historias de ciencia ficción distópica que se salen de lo habitual, no lo dudéis y dadle una oportunidad. Estamos hablando de una producción que puede ser el testamento final de su director.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

serie: Heels

Como aficionado a la lucha libre, no pude sino alegrarme cuando me enteré del estreno de la serie de hoy, la cual he tardado en ver, pero la espera ha merecido la pena. Ya que, a pesar de durar solo dos temporadas, debido a su cancelación. llama bastante la atención como para reivindicarla a pesar que tan solo han transcurrido dos años desde que acabase. Esperemos que, en un futuro, alguien se decida a darle esa tercera temporada, sobre todo teniendo en cuenta como finaliza la segunda.

Creada por Michael Wandron, la serie nos narra como en un pequeño pueblo de Georgia, Jack Spade, Stephen Amell, y su hermano Ace, Alexander Ludwing, representan los papeles de heel, villano, y face, héroe, respectivamente en la división de lucha creada por su padre Tom, David James Elliot. 

Además de estos intérpretes, en el reparto también nos encontramos con Alison Luff dando vida a Staci, esposa de Jack; Kelli Berglund interpretando a Crystal interés amoroso de Ace; Mary McCormack en el rol de Willie, mano derecha de Jack en el negocio o Chris Bauer como Wild Bill Hancock, antiguo amigo de su padre y estrella en declive del negocio del wrestling.

Serie bastante interesante donde se nos muestran los entresijos de la lucha libre. Tanto en la relación que se establece entre los luchadores, como por los apuros que pasan para llevar adelante su modo de ganarse la vida, lo que creará no pocas tensiones entre los protagonistas principales. Ya sea por su forma de ver el negocio, como por sus relaciones personales.

Los que somos aficionados al mundo del wrestling, no podemos sino alegrarnos de que se hagan serie como esta, no solo por ver algunas acrobacias típicas de este mundo, sino también por la aparición de algunos luchadores reales como CM Punk, que aparece con su nombre real Phil Brooks o Mick Foley, aquí interpretando a Dick Valentino, un podcaster.

Uno de los aspectos a destacar de la serie, es la interpretación de sus protagonistas principales. Amell tiene no pocas ocasiones para lucir sus dotes dramáticas, y demuestra que es algo más que una cara bonita, lo mismo se puede decir de su compañero de reparto, un Ludwing ya alejado de su rol como Björn en Vikingos.

En no pocas ocasiones, las tensiones entre ambos hermanos son el motor principal de la trama principal de la serie, debido a su forma de ver el negocio. Mientras que Amell lo quiere tener todo controlado, y hacerlo más familiar, Ludwing apuesta por hacerlo más para adultos, lo que causará no pocas fricciones entre ellos. 

Otro de los elementos que me llamaron la atención, fue que es una serie destinada a un público adulto puesto que en no pocos momentos veremos desnudos, tacos, violencia y, en un par de ocasiones, temática que toca el suicido. Es decir, aspectos que no se suelen ver en las series destinadas para toda la familia. En este aspecto, hay que aplaudir la valentía de sus responsables a la hora de mostrarnos estos matices que no suelen estar presentes.

Pero no solo hay drama, también nos encontramos con instantes de acción y, de vez en cuando, humor que sin duda supone un alivio para los espectadores, lo que ayuda a aligerar la trama. Y, como no podía ser de otra forma, veremos como los actores en sus roles de luchadores, ensayan sus escenas de lucha con las que luego harán las delicias de la audiencia que irá a ver su espectáculo en directo.

Es una pena que la serie sufriera una cancelación, sobre todo teniendo en cuenta como finaliza la segunda temporada. Tranquilos que no voy a decir como es la conclusión, pero nos deja con no pocos interrogantes y nos hace querer saber como va a continuar ya que deja con un par de cabos sueltos que, de haberse producido la tercera temporada, hubieran sido bastante el motor principal de la temporada siguiente.

No es la primera vez que una serie sufre una cancelación, dejando en el aire tramas y futuros eventos. Ahora mismo se me viene a la cabeza los casos de Carnivale o, de forma más reciente, Chucky. Esto es algo que cabrea, puesto que en no pocas ocasiones nos dejan con la miel en los labios. Pero ya sabemos que esto es un negocio, en donde lo que prima son los beneficios y, si las audiencias no acompañan, pues se cierra el grifo y a otra cosa mariposa.

Ambos personajes lo hacen genial, pero el resto del reparto no se queda corto en absoluto. Resulta complicado escoger a un favorito, puesto que cada uno de ellos tiene su instante de lucimiento, ya que tienen que lidiar con sus propios problemas alejados del ring, aunque algunos de los mismos estén relacionados con el espectáculo con el que se ganan parte de su sueldo.

Tanto si os gusta el mundo de la lucha libre, como si os gustan los protagonistas principales, esta es una serie que no deberíais dejar pasar.

A continuación la intro:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

serie: Martial law

En el verano de 2001, Antena 3 estrenó la serie que hoy voy a reseñar y a la que le tengo un aprecio especial. No solo por acompañarme en esas tardes de estío, sino también por que su protagonista principal ha participado en algunas cintas de artes marciales clásicas. Si además, tenemos en cuenta que la mezcla de acción, comedia y unas gotas de drama funcionan bien, el resultado no podía ser otro que el de entretenimiento asegurado. Así pues, veamos que aventuras le esperan a nuestro protagonista.

Creada por Carlton Cuse, la serie nos narraba las aventuras de Sammo Law, Sammo Hung, un policía chino que persiguiendo a un señor del crimen llega a la ciudad de Los Ángeles, donde entrará a formar parte de su unidad anticrimen y buscará a su alumna infiltrada en la organización criminal Pei Pei, Kelly Hu. Allí hará equipo, y amistad, con otros oficiales, entre los que se encuentran Terrell Parker, Arsenio Hall, y Louis Malone, Louis Mandylor. Sammo estará bajo las ordenes del capitán Winship, Tom Wright, en la primera temporada y de Amy Dylan, Gretchen Egolf, en la segunda.

Este es, a grandes rasgos, el resumen principal de la serie. En cada uno de los episodios, Sammo intentará resolver el crimen de turno haciendo gala de sus habilidades marciales, hasta ir llegando a los capítulos en los que se resuelve la trama principal, la búsqueda del señor criminal en la primera y la lucha contra la organización Escorpio en la segunda, en la que se encuentra el hijo de Sammo.

A lo largo de sus 44 episodios, veremos a diversas estrellas invitadas entre las que se encuentran Mario Van Peebles; Neal McDonough; Tim Curry; Tzi Ma; Mako; Mark Dacascos; Mark Sheppard o James Hong por mencionar algunos ejemplos. Caras conocidas que alguna vez hemos visto, ya sea en otras series o películas, y que, salvo excepciones, suelen interpretar al enemigo de turno a detener por parte de Sammo y sus compañeros.

Incluso en un capítulo de la segunda temporada, hubo un crossover con Walker: Texas Ranger protagonizada por Chuck Norris. Ver a dos grandes artistas marciales en dos capítulos, tanto en la serie de Sammo como en la de Norris, es una gozada para los aficionados a las artes marciales. Me sorprendió gratamente y mi niño interior no pudo sino alegrarse de ver juntos a estos dos iconos repartiendo estopa en el nombre de la ley.

Lo mejor de la serie es, como no podía ser de otra forma, las escenas de acción en las que Sammo se luce. Pese a su físico nada convencional dentro de las artes marciales, Sammo demuestra estar en plena forma, haciendo gala de una agilidad inusual y de pegar hostias como panes. No resulta complicado ver el estilo de su amigo Jackie Chan, a la hora de pelear y de usar cualquier objeto que tenga cerca para incapacitar a sus enemigos.

La serie tiene una duración de unos 45 minutos por episodio, al final de cada uno de ellos podemos ver tomas falsas, en las que se ve a nuestros protagonistas metiendo la pata o a Sammo equivocándose en alguna coreografía. 

Son estas luchas, como he indicado anteriormente, el plato fuerte de show. Pero además, la química entre Hung y Hall es evidente. Esta no es la primera vez que vemos a una pareja de policías interraciales, puesto que en 1998, año en el que se estrenó en Estados Unidos esta serie, también se lanzó a la gran pantalla Hora punta, con Jackie Chan y Chris Tucker, quienes también demostraron entenderse bien.

Esta serie no va a ganar jamás Emmys o Globos de oro, ni lo pretende. Cumple a la perfección con el objetivo con el que fue creada, que no es otro que el de entretener. Sus capítulos siguen un patrón claro, presentación del caso, lucha y resolución del misterio. Poco importa que sus argumentos no sean elaborados, lo que queremos ver es a Sammo en acción repartiendo galletas, golpes de humor y ya. Para estrujarnos el cerebro en tramas complicadas, ya existen otras series.

Tanto si sois seguidores del cine de artes marciales, como de las series de acción, ésta es una serie que no debéis dejar pasar.

A continuación la introducción de la serie:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

libro: En busca de la luz

Oliver Stone es un buen director y guionista, algo que ha venido demostrando a lo largo de los años donde nos ha regalado un puñado de peliculones. Desde las oscarizadas Platoon y Nacido el 4 de julio, pasando por Un domingo cualquiera, JFK o Asesinos natos, por citar parte de su obra el cineasta neoyorquino nos presenta esta primera parte de sus memorias, en las que nos irá desgranando su infancia, sus adicciones y luchas por sacar adelante proyectos hasta alcanzar el éxito con su cinta sobre la guerra de Vietnam, que pone el punto y final a este primer volumen.

Escrito por Oliver Stone, el director y guionista nos va desgranando parte de sus recuerdos, desde su infancia, donde tuvo que asistir a la separación de sus padres, hasta su experiencia en la guerra de Vietnam, que le sirvió como base para su oscarizada Platoon sin olvidar sus adicciones o multitud de peripecias en los rodajes de El precio del poder, donde ejerció de guionista o Salvador, producción protagonizada por James Woods y que, sin duda, daría para otro libro aparte.

Stone es un cineasta que me gusta, tanto por su estilo a la hora de rodar como a la hora de contar sus historias. Esto lo ha trasladado a estas memorias, utilizando un lenguaje sencillo y para nada técnico y que, sin duda, hará las delicias de todos sus seguidores entre los que me incluyo. Stone no se corta a la hora de utilizar lenguaje soez o confesar como a la hora de recoger su globo de oro por su labor como guionista por El expreso de medianoche lo hizo colocado y borracho.

Algo que desconocía, y que pude descubrir gracias a este libro, es que Stone tuvo como profesor en la escuela de cine a Martin Scorsese. Fue bastante chulo saberlo, puesto que no sabía que Scorsese fue profesor en dicho lugar. Es más, el realizador de Casino alabó un corto de Stone delante de toda la clase, diciendo que era bastante realista y que esto era lo que quería ver. Ya por aquella época Stone demostraba de lo que sería capaz años después.

A lo largo de sus 10 capítulos, Stone nos va guiando por su vida, e incluso nos adelanta lo que se puede incluir en el segundo volumen, que esperemos no tarde mucho en salir. Y es que, aquí viene la pega del libro, Stone se detiene en la noche en la que alcanzó el cielo con la ya citada Platoon. Dejando a los lectores sin saber como fueron el resto de sus producciones.

Filmes como JFK, Asesinos natos o Nacido el 4 de julio que, pese a ser nombrados muy de pasada, no nos explica nada de ellos. Si acaso se detiene en no pocas ocasiones en la cinta protagonizada por Tom Cruise, puesto que fue un proyecto largamente acariciado que estuvo a punto de volverse realidad en no pocas ocasiones. Es más, Al Pacino estuvo a punto de ser el protagonista cuando se iba a haber hecho a primeros de los 80. Sin duda hubiera sido interesante verle en el proyecto.

Una de las partes que más me gustó del libro, es cuando Stone nos narra las peripecias que sufrió para sacar adelante Salvador. No solo por el presupuesto, sino también por los incidentes que surgieron con el protagonista, un James Woods tocapelotas, así como con los problemas con el ejercito salvadoreño. Problemas que luego se vieron solventados con sus nominaciones al Oscar, pero que, aún así, costaron no pocos disgustos al cineasta neoyorquino.

Aflicciones que se vieron multiplicadas a la hora de sacar adelante Platoon. Ya desde que escribiese el guion, que podría pasar por autobiográfico, Stone quería ver este proyecto en pantalla grande. Pero hasta que encontró la financiación, recuperó su libreto que estaba en manos de un productor y pudo encontrar a los protagonistas adecuados pasaron largos años. Pero todo esfuerzo tiene su recompensa, la cual llegó a Stone en forma de Oscar al mejor director por su cinta sobre Vietnam.

Como no podía ser de otra forma, el libro viene acompañado de fotografías personales de Stone. Aquí me hubiera gustado que hubiera un cambio de papel, que fuese más grueso para diferenciarlo del resto del libro, algo que no ocurrió en otros libros de la misma editorial como el de Mel Brooks o los Blues Brothers donde si se apreciaba la diferencia de grosor.

Tanto si sois seguidores de Stone, como si os gusta saber más sobre como se hacen las películas, este es un libro que recomiendo a pesar de que, tal y como he venido diciendo, se quedé a medias y nos deje con la miel en los labios, puesto que no somos pocos los que queremos saber como continúan estas memorias. Esperemos que Stone se decida a sacarlas y saber como fueron los rodajes de sus producciones posteriores.

Esta editorial está sacando libros bastante interesantes, ya sean de cine o música, por lo que deberíais darle una oportunidad. Seguro que no os arrepentiréis.

película: Bitelchús Bitelchús

Ayer se estrenó la secuela de Bitelchús, como amante de la primera entrega que soy, y que vi en cine en momento de su lanzamiento, decidí ir a verla. La sorpresa fue más que agradable, como pienso detallar a continuación. Esta segunda parte nos trae de nuevo al bioexorcista más irreverente de la historia del cine, por quien no parecen haber pasado casi cuarenta años. Así pues, veamos que nuevas peripecias le aguardan a este fantasma tan divertido.

Dirigida por Tim Burton y escrita por Alfred Gough y Miles Millar, la trama nos cuenta como Lydia, Winona Rider, presenta un programa de entrevistas sobrenatural producido por su pareja Rory, Justin Theroux. Al enterarse del fallecimiento de su padre, decide viajar con su madre Delia, Catherine O'Hara, a arreglar los papeles en compañía de su hija Astrid, Jenna Ortega. Al llegar a la casa, su hija encuentra el papel con el que invocar a Bitelchús, Michael Keaton, que anda escondiéndose de su novia Dolores, Monica Bellucci, a la que conoció en la época de la peste negra y que anda matando a fantasmas, por lo que el detective Wolf Jackson, Willem Dafoe, decide seguirle la pista.

He de decir que no me esperaba mucho de la cinta, una vez acabado su visionado, tengo que admitir que me ha sorprendido gratamente. No solo por devolvernos al Burton más gamberro y gótico, sino también por ofrecernos un humor bastante negro y con un Keaton en estado de gracia, recuperando uno de sus personajes más icónicos.

Uno de los aspectos que más me gustó del film, fue el uso de efectos tradicionales junto a más modernos. Esto es algo que se puede apreciar en el instante de los gusanos de arena o cuando al famoso fantasma se le salen los ojos de las órbitas, que recuerda y mucho a los Looney Tunes. Los efectos más modernos no desentonan en absoluto, e incluso ayudan a la producción.

Sin lugar a dudas, lo mejor es Keaton. Pese a sus 73 años el intérprete demuestra estar en plena forma, volviendo a ofrecernos un Bitelchús por el que parece que no hayan pasado casi 40 años. Sigue siendo ese ente gamberro, al que todo le importa un pimiento que busca su propio beneficio, incluso cuando ayuda a los demás. Si lo hace, es por que le interesa.

Otra sorpresa agradable fue O'Hara, aquí mucho más disparatada que en la anterior entrega de la saga. Aquí se ha soltado la melena y muestra a los espectadores su faceta más loca y divertida. Baste citar como ejemplo el momento de su presentación, o el del cementerio por la noche. Instante que me arrancó unas buenas carcajadas por lo absurdo de la situación.

También hay que destacar los constantes homenajes a la primera parte. No solo por el uso de la banda sonora, de nuevo a cargo de Danny Elfman, sino también por el homenaje a Jeffrey Jones, que aquí vuelve en modo de animación, debido a sus problemas fuera de la gran pantalla, bastante chula todo hay que decirlo, como padre del personaje encarnado por Ryder.

Willem Dafoe sorprende gratamente, su rol de detective es bastante divertido y aprovecha cada ocasión en la que aparece, para robar escenas a aquellos intérpretes que comparten pantalla con él en ese momento. Dafoe no es la primera vez que aborda un rol cómico en su amplia carrera, baste recordar su participación en El gran hotel Budapest de Wes Anderson. Es una lástima que no se prodiga más en este tipo de papeles, puesto que ha demostrado su talento para hacer reír a las audiencias.

Hay un momento en el que Burton se permite homenajear a Mario Bava, con un flashback en el que se nos narra como Bitelchús conoció a Dolores. Rodado en blanco y negro, con un buen uso de la fotografía y con Keaton narrando la acción, es una gozada para todos aquellos que somos seguidores de uno de los maestros del terror europeo. No resulta ver extraño ver el enorme guiño que el realizador de Batman le hace a La máscara del demonio.

Si hubiera que ponerle un pero, sería al villano. Los pocos momentos en los que el personaje de Bellucci aparece, son bastante chulos. Lástima que la antagonista quede bastante desdibujada, puesto que cada vez que aparece demuestra ser una amenaza a tener en cuenta. Es una pena que Burton se haya fijado más en la historia de amor entre el personaje de Ortega y el de Arthur Conti, que interpreta al interés amoroso de la joven. Si tan solo Burton hubiera dejado de lado, o por lo menos no se hubiera centrado tanto en la misma, tal vez hubiera podido aprovechar más al personaje de Dolores.

Otra cosa que no me acabó de convencer fue el rol de Ortega. No es que la chica lo haga mal, pero parece una copia de Hacendado del personaje que encarnase Ryder hace casi 40 años. No tiene el mismo encanto que Ryder, puesto que salvando las distancias, son casi el mismo papel pero adaptado a los tiempos que corren.

Si os gustó la primera parte, sin duda recomiendo ver esta. Las dosis de humor negro aumentan, así también como una crítica, nada disimulada, a todos los instagrammers que buscan grabar el momento que están viviendo, en vez de guardarlo en su memoria. 

Una buena oportunidad de volver a ver a este fantasma tan divertido, en una vuelta a la gran pantalla que, en vez de ser innecesaria, ha supuesto la vuelta del mejor Burton en una de sus mejores cintas y que nos devuelve a ese cineasta gótico con una mirada especial que ahora, por fortuna, parece haber recuperado. Esperemos que siga así en futuros proyectos.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: Un vaso de whisky

Dentro de la filmografía española, existen pequeñas joyas y directores que merecen la pena reivindicarse. Es lo que ocurre con la entrada de hoy, donde el realizador nos ofrece una cinta que bascula entre el cine negro y el cine con moralina, lo que no está mal pero si el primer elemento hubiera primado sobre el segundo tal vez el resultado hubiera sido distinto. Lo que no quita para que nos acabemos encontrando con un filme bastante interesante.

Dirigida por Julio Coll, que se encarga del guion junto a José Germán Huici, la trama nos cuenta como Víctor, Arturo Fernández, es un joven vividor que no duda en aprovecharse de los demás, ignorando que con su conducta puede acabar haciendo daño a aquellos que le rodean. Entre quienes se encuentran su amigo Carlos, Carlos Larrañaga, Laura, Yelena Samarina, una joven enamorada de él o María, Rossana Podestà, dueña de un hotel cercano a la playa a quien Víctor conoce de manera fortuita tras una noche de borrachera que le lleva a su establecimiento.

Esta no es la primera película que veo del realizador, puesto que años antes vi Distrito quinto la cual recomiendo ver, y en donde vuelven a coincidir Arturo Fernández y Carlos Mendy, que en la entrada de hoy desempeña un rol secundario pero vital en el desenlace de la trama. Es en éste film de cine negro, antecesor a Reservoir dogs, donde Coll muestra su talento a la hora de dirigir cine negro.

Aquí Arturo Fernández vuelve a desempeñar ese rol de caradura vividor, por el que mucha gente le conocimos por La casa de los líos o Trúhanes. Pero, a diferencia de estas producciones donde su personaje es simpático, aquí es todo lo contrario. Es un interesado, no le importan las consecuencias de sus actos en absoluto. Vive al día, aprovechándose de las mujeres y pasando sus noches de barra en barra.

Es aquí donde el filme cojea puesto que quiere mostrar a los espectadores un filme moral, tal y como se nos advierte con los párrafos que hay antes de que comienza la producción. No hay que olvidar que estamos hablando de una cinta de 1958, realizada en Barcelona por lo que la moral y buenas costumbres estaban a la orden del día. Y si su protagonista va por la senda del mal camino, su final tiende a ser el esperado, para advertir a los espectadores de lo que les puede ocurrir si siguen igual.

La cinta está bien, donde lo que más destaca es la actuación de los actores, en donde todos rayan a un buen nivel, pero es Fernández quien se lleva el gato al agua. Su rol amoral hace que no te caiga simpático en ningún momento, es el polo opuesto al rol de galán pícaro y romántico que vino desempeñando en los últimos años de carrera.

Su duración, inferior a los 90 minutos hace que pase en un suspiro, a pesar de sufrir un pequeño altibajo hacia mitad de metraje, en los que Víctor parece encontrar el camino de la redención junto con María, pero, como se suele decir, la cabra tira al monte. Es como si la naturaleza de Víctor le empujase a hacer el mal, ya sea de forma voluntaria o no.

Lástima que Coll no hubiera tirado más por la faceta de cine negro, sin duda hubiera sido interesante ver como Víctor va enredando, aún más si cabe, a todos aquellos en su red. Pero, afortunadamente, aquellos que escapan de la misma han visto la luz, e inician su propio camino a la redención. Hilando muy fino, se puede decir que Víctor es una especie de demonio, tentando a todo aquel que se acerca a él.

Si os gusta descubrir cintas de cine español, sin duda la entrada de hoy es una buena oportunidad para hacerlo.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

libro: el otro Hollywood

No hay duda que la industria del porno mueve millones de dólares, pero no siempre fue así. Ya desde sus primeros pasos fue un género al que le costó llegar al público, pese a que el mismo buscaba ver este tipo de cintas subidas de tono. Fue con el estreno de Garganta profunda y su consiguiente polémica, que las audiencias empezaron a reclamar los filmes. Pero, tal y como explica este ensayo, no todo fue un camino de rosas.

Escrito por Legs McNeil, en colaboración con Jennifer Osborne y Peter Pava, el libro supone un extenso recorrido por la industria del cine porno, desde sus primeros pasos hasta la década de los 90. A través de diversas declaraciones de muchas de las personas que, en mayor o menor medida estuvieron relacionadas con la industria, los lectores podrán descubrir los entresijos que rodean a esta industria.

Más que agradable sorpresa la que me llevé con este ensayo. A diferencia de otros ensayos, éste se caracteriza por contar con multitud de declaraciones con buena parte de los implicados con esta industria. Enumerar la lista de los mismos sería demasiado extenso, baste decir que aquellos que se acerquen a leer el libro, se podrán encontrar nombres clave del porno como Linda Lovelace, protagonista de la ya citada Garganta profunda; Marilyn Chambers que protagonizó Tras la puerta verde; Ron Jeremy; Tricia Deveraux; John Holmes; Traci Lords; Ginger Lynn o Savannah.

Tal y como se puede ver, aquellos que en mayor o menor medida hemos consumido porno alguna vez, entre los que me incluyo, son nombres que nos suenan. Pero, en no pocas ocasiones, tenía que parar la lectura para poder identificar a buena parte de aquellos que declararon para poder hacer posible el ensayo, puesto que ni siquiera había oído hablar de ellos.

Si sois sensibles con según que temas, este tomo os cabreará en no pocas ocasiones. No por el lenguaje que usa, sino por las declaraciones de algunos de sus implicados que harán que nos enfademos, puesto que implican malos tratos o drogas. Pero, de vez en cuando, también nos encontramos con algún momento bastante tierno y de amor verdadero, sobre todo en la historia entre Tricia Deveraux y John Stagliano.

Si bien ya se sabe que en esta industria se consume mucha droga, uno no puede sino echarse a temblar de como la misma arruinó la vida de no pocas personas relacionadas con la misma, lo que les llevó a relacionarse con mafiosos, como ocurrió con John Holmes. Precisamente es el famoso actor el que tiene una de las mejores partes del ensayo, en la que se nos narra su implicación con el crimen ocurrido en la avenida Wonderland, y que fue objeto de una adaptación protagonizada por Val Kilmer quien tuvo el rol de Holmes en el film Wonderland. 

Hay momentos en los que la multitud de nombres puede llegar a aturdir, ya que en una página nos podemos encontrar con 5 o 6 declaraciones distintas de diversos personajes. Algunos de ellos dicen una cosa para, acto seguido poder leer algo totalmente opuesto a lo que acabamos de leer. Teniendo en cuenta que la mayor parte de ellos ya han fallecido, uno no sabe con que quedarse. Pero, en no pocas ocasiones, uno sabe quien dice la verdad y quien miente.

Como no podía ser de otra forma, tratándose de un ensayo sobre el porno, se aborda el caso de Traci Lords y de como ella sola, estuvo a punto de cargarse toda la industria por completo. Para todos aquellos que no sepáis lo que ocurrió, Lords fue una actriz que intervino en un buen puñado de cintas siendo menor de edad, cuando se descubrió hizo que la justicia cayese sobre la industria puesto que declaró ser mayor de edad en el momento de hacerlas. Unas fotos de ella sosteniendo un carnet falso, fueron la prueba para que el juicio no siguiera adelante.

También se habla de como surgieron los números 906 de teléfonos eróticos, las cabinas, los sex-shops y el paso de celuloide a video, donde las producciones se podían hacer por mucho menos de lo cuesta realizar un filme para la gran pantalla. Esto hizo que surgieran diferentes sellos, algunos de ellos siguen en la actualidad, dedicados a la pornografía. Cuanto menos es curioso ver lo avispada que estuvo la responsable de la creación de las llamadas líneas calientes, supo ver un nicho de mercado y se lanzó al mismo.

Otra de los capítulos del libro, está dedicado al SIDA y de los estragos que causó, sobre todo en la década de los 90 debido a dos factores: el uso de drogas por parte de algunos de los implicados, y por otro a la ausencia del uso de preservativos. Esto tuvo consecuencias, ya que un actor contagió a no pocas actrices siendo seropositivo y acabando no solo con su carrera, sino también con la suya  propia y a que buena parte de la industria le hiciera el vacío debido a su inconsciencia.

Por si esto fuera poco, el libro viene acompañado con no pocas fotografías de algunas de las estrellas mencionadas en el libro, y que se pueden encontrar en las páginas finales, pero también nos vamos a encontrar con recortes de prensa o informes policiales. Lo que nos lleva a aplaudir a los responsables por la labor de indagación que han llevado a cabo. 

Tanto si sois seguidores del porno, como si os gustan los ensayos sobre cine, este es un libro que no debéis dejar pasar. Seguro que no os arrepentiréis.

Esta editorial no para de darnos alegrías en lo que a tema de ensayos se refiere. Esperemos que en futuras entregas sigan así, puesto que son libros fáciles de leer, con un lenguaje sencillo y que no se hace pesado a pesar de su extensión, cercana a las 600 páginas.

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película: El cuervo (2024)

En esta vida hay que arriesgarse, tomar decisiones que pueden cambiar nuestra forma de pensar o, incluso, nuestra vida. Pero, en otras, es mejor ser cauto, estarse tranquilo y hacer caso de las señales que te indican que, por ese camino, no vas bien. Es lo que me ocurrió en la entrada de hoy, en la que pese a oír opiniones que desaconsejaban su visionado, las ignoré y vi el film en cuestión. Así pues, veamos que se esconde detrás de este remake.

Dirigida, es un decir, por Rupert Sanders y escrita por Zach Baylin y William Schneider seún el cómic de James O'Barr la trama nos cuenta como Eric Draven, Bill Skarsgard, y su novia Shelly Webster, FKA Twigs, son asesinados por los secuaces de Vincent Roeg, Danny Huston, Eric volverá de entre los muertos para vengarse de aquellos que mataron al amor de su vida.

Tal y como se puede ver por el argumento, la cinta es más o menos fiel a lo visto en el film original dirigido por Alex Proyas, cuya reseña podéis leer aquí. Pero tan solo se parece en el nombre de los amantes muertos, el resto toma un camino del todo distinto. Lo que en un principio podía haber sido interesante, ya que tenía elementos necesarios para hacerlo, pero se queda en un quiero y no puedo que acaba perjudicando el producto final.

El Eric de Skarsgard es alguien con traumas y problemas con las drogas, mientras que la Shelly de Twigs se ve perseguida por un trauma de su pasado. Es decir, nada que ver con los personajes que conocimos en la original Esto podía haber sido interesante, ya que son dos almas destrozadas y que se aman tras haberse conocido en un centro de desintoxicación. Pero, se queda en agua de borrajas. Lo mismo se puede aplicar al villano, de lo poco reseñable del film. Mientras que en la original Eric va dando caza a cada uno de ellos, e incluso interactuando, aquí llega, los ve y los mata sin más.

Mientras la veía, me preguntaba por que razón el director no había tomado otra dirección distinta a la que ha acabado ofreciendo. Tenía un villano con bastante potencial, que podía haber sido más amenazante de lo que al final es; también unas escenas de acción interesantes que tardan en llegar, pero que cuando aparecen ha merecido la pena la espera y un protagonista con un buen talento actoral y que podía haber hecho olvidar a Brandon Lee, pero que le falta el carisma necesario para ser un héroe de acción.

El mayor pecado de la película es que es aburrida. Cuando veo una producción de acción, lo mínimo que le pido es que me entretenga. Algo que aquí no sucede, cuando por fin Eric se decide a ejecutar su venganza, ya estamos casi al final del film. Es de los pocos instantes en los que la propuesta de Sanders parece remontar el vuelo, pero es un espejismo. Llegados a estas alturas, lo único que los espectadores desean, entre los que me incluyo, es que la tortura llegue a su fin. Si la acción hubiera entrado antes, otro gallo le hubiera cantado. Baste recordar que en la original, casi desde el principio vemos a Eric dar caza a sus asesinos.

La cinta también esconde una, nada disimulada crítica, a las diferencias entre las clases sociales y lo que la gente está dispuesta a hacer con tal de subir en la escala social. Algo que se nos muestra a mitad de la cinta, y que, más o menos, se puede intuir a medida que va avanzando la trama. 

Si hubiera que destacar algo, además del villano, son las partes que transcurren en ese limbo donde Eric conocerá a Kronos, Sami Bouajila, quien le explica sus nuevas habilidades. Algo que en la original no existe, por lo que aquí hay que dar la enhorabuena a los guionistas, puesto que serán un par de ocasiones en las que Eric visita este lugar. 

El clímax en la opera es de lo poco interesante, un desfile de tiros, desmembramientos y violencia con un protagonista mucho más violento que el original. Pero ya está, estos diez minutos o así que dura este momento, no bastan para hacer que mi opinión sobre este despropósito cambie en absoluto.

No recomiendo verla, no por mala, que lo es, sino también por ser aburrida, con malas interpretaciones y con un protagonista sin carisma alguno. Si vosotros queréis verla, que sea bajo vuestra cuenta y riesgo, yo, desde luego, no lo haría.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

serie: X-Men 97

Con el reciente estreno de Deadpool y Lobezno, cuya reseña podéis leer aquí los mutantes han vuelto a la gran pantalla, pero, meses antes de su estreno en cines lo hicieron en televisión con una serie que resultó ser una verdadera sorpresa, sobre todos por sus tramas con un tono bastante adulto, tanto por la temática como por según que escenas. A la espera que se estrene su segunda temporada, voy a dar mis impresiones sobre la primera tanda de episodios. 

Creada por Beau DeMayo para Disney+, la serie arranca donde lo hizo su predecesora. Sin un líder ahora, los mutantes intentan que los humanos los acepten, lo que no será un camino fácil. En su camino por ser aceptados, serán liderados por su antiguo enemigo Magneto que se ha convertido ahora en el director de la escuela de Xavier. Ahora, nuestros héroes tendrán que hacer frente tanto a nuevas como antiguas amenazas, quienes pondrán a prueba sus habilidades a la vez que buscan su lugar en una sociedad dividida que los temen y aceptan.

Pese a que esta primera temporada consta de tan solo 10 episodios, éstos cunden bastante. A lo largo de esta primera tanda, veremos un arco que se va desarrollando a medida que avanza la serie hasta llegar a un final que nos deja con no pocos frentes abiertos, los cuales por supuesto no voy a desvelar para que os sorprendáis, tal y como hemos hecho todos aquellos que la hemos visto.

Si bien ya había oído buenas críticas por parte de no pocos internautas, me esperé hasta que varios episodios estuvieran ya disponibles para hacerme una maratón. Menos mal que lo hice, puesto que hasta que los 6 primeros, creo recordar, no estuvieron disponibles, no me lancé a verla. Son capítulos cuya duración oscila entre los 30 y los 45 minutos, es decir, una duración estándar para una serie, por lo que te puedes ver varios seguidos. El problema es que, una vez que llegue al último disponible, tenía que esperar hasta que el siguiente estuviera disponible, lo que era una faena. Ya que, sobre todo en los últimos episodios, te dejaba con un final que te dejaba mordiéndote las uñas hasta la semana siguiente y te hacía preguntarte que iba a ocurrir.

Lo mejor de la serie es, sin lugar a dudas, su trama. En el párrafo que inauguraba esta reseña, he destacado su tono adulto, lo que hace que no sea una serie que le puedas poner a tus sobrinos o hijos de corta edad. La edad apropiada para poder verla, al menos para el que esto suscribe, es a partir de los 13 años. No solo por alguna escena violenta, sino también por que el argumento principal, a partir del capítulo 5, que no se aleja mucho de lo que está ocurriendo en la vida real con un conflicto bélico que lleva décadas ocurriendo.

Otro de los aspectos a destacar es el tratamiento de los personajes, en donde sobresale Magneto. El tratamiento que han hecho del personaje es bastante interesante, y cuenta para sí algunos de los mejores momentos. No es que el resto de personajes lo hagan mal, pero es el amo del magnetismo el que se lleva el gato al agua.

Las escenas de acción, que no son pocas, también están bastante chulas. Pero los máximos responsables decidieron, con bastante acierto, dejar estas de lado y centrarse más en los personajes y en los conflictos que surgen entre ellos, y aquellos humanos que los rodean. En no pocos instantes, hay una fuerte carga dramática y el humor, salvo alguna que otra excepción, brilla por su ausencia.

La animación me ha parecido bastante correcta y mantiene el estilo de la serie original pero con ligeros retoques. Así pues a aquellos que no les gustase el estilo de su predecesora, puede que esta secuela les eche para atrás. Pero que no lo haga, dejadla de lado y centraos en lo que de verdad importa, que es la historia.

En los últimos episodios, diversos héroes irán apareciendo en forma de cameos. Son un guiño simpático, a la vez que quieren decir: "Bienvenidos a casa chicos". Como amante de los comics, mi niño interior no pudo evitar aplaudir y emocionarse al ver como los mutantes interactúan con personajes que ya han aparecido en el UCM. Ojalá dentro de poco, les podamos ver hacer los mismo pero en pantalla grande uniendo fuerzas para medirle el lomo al villano de turno.

El episodio que pone un punto y seguido a la serie, os va a tener mordiéndoos las uñas hasta que salga la nueva temporada, que se encuentra en desarrollo. Hasta que se lance, no seremos pocos, entre los que me incluyo, los que estaremos pendientes de cualquier actualización que se vaya lanzando. Habrá que ver por donde van, sobre todo desde que su creador Beau DeMayo fuera despedido debido a que, según rumores, fuera complicado trabajar con él. Por lo menos, dejó escrita la segunda temporada. Así que veamos como siguen las peripecias de los mutantes.

Tanto si sois seguidores de la serie original, como si os gustan los superhéroes o si simplemente queréis ver un show con un tono más adulto, no lo dudéis y dadle una oportunidad. Seguro que no os arrepentiréis en absoluto.

A continuación, la intro:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

documental: Sesión salvaje

Realmente no sé como comenzar esta reseña. Me resulta complicado encontrar las palabras adecuadas con las que dar inicio a la entrada de hoy sin que el fanático del tipo de cine que se comenta en el documental salga a la luz y bah, que demonios, que salga. Este film es una auténtica gozada, que se disfruta de principio a fin, y nos hace recordar los tiempos de videoclub y cines de barrio que eran tan abundantes en la década de los 80 y que ahora, por desgracia, ya no existen. Esta cinta es pues, un canto de amor tanto a esa época, como a sus mayores exponentes cinematográficos.

Dirigido por Paco Limón y Julio César Sánchez, que se encargan del guion junto a Daniel Luis López, el documental supone un viaje por el cine español de explotación, en el que había cabida para el western, el terror, la comedia o el drama, por citar parte de los géneros con los que los cineastas desde finales de los sesenta, hasta casi los noventa, hicieron las delicias de una generación de espectadores que crecieron viendo sus propuestas.

Mediante testimonios de actores y cineastas como Alex de la Iglesia, Nacho Vigalondo, Antonio Mayans, Lone Fleming, Emilio Linder, Fernando Esteso, Mariano Ozores, Fernando Guillen Cuervo, Miguel Ángel Vivas, Álvaro de Luna o Jess Franco, por citar algunos ejemplos, los espectadores serán testigos del cambio de forma de hacer cine que había en nuestro país, primero mediante coproducciones para luego lanzarse a realizar sus propias cintas.

Este film supone una auténtica gozada para, los que esto suscribe, nos criamos con la época de los videoclubs, algo que también mencionan algunos de los entrevistados. Uno no puede estar más de acuerdo, el ir a ese lugar un fin de semana y maravillarse con las portadas, el juntarte con los amigos y esperar a que le película que querías ver estuviera libre o que la trajesen y mientras tanto ir hablando con el dependiente, era una experiencia. 

Es más, tal y como dice en un momento uno de los entrevistados, uno se podía llevar a casa una película guiado por su portada esperándose una cosa para luego llegar y ver que era todo lo contrario. El ejemplo más claro es el de Terminator 2, explotación italiana dirigida por Bruno Mattei que copiaba de forma descarada el poster de James Cameron, y que fue lanzada un par de años antes de la secuela oficial del T-800. Al contar esta anécdota, uno no puede evitar soltar una sonrisa ya que no fuimos pocos los que caímos al ver la carátula.

Una de las partes que más me gustaron, es cuando citan al cine de terror que tenía en Paul Naschy, cuyo documental ya fue reseñado y podéis leer aquí a uno de sus máximos representantes, a quien más tarde se unirán Jorge Grau con No profanar el sueño de los muertos, Amando de Osorio y La noche del terror ciego o Eugenio Martín con Pánico en el transiberiano, además de los ya clásicos de Narciso Ibañez Serrador La residencia y  Quién puede matar a un niño. Estos cineastas demostraron su amor por el género, sobre todo en el caso de Naschy, 

A lo largo de sus poco más de 80 minutos de metraje, que saben a poco, irán desfilando delante de nosotros no pocos clips de películas, mal llamadas de explotación e incluso algunas de ellas, como las protagonizadas por Paco Martínez Soria, como españoladas. Así, entre estos pequeños cortes veremos Los Bingueros, Quién puede matar a un niño, La residencia, Mil gritos tiene la noche por citar los casos más reconocidos.

Como no podía ser de otra forma, al hablar del fin de la censura era evidente que el cine de destape y el cine de kinkis iban a ser citados ya que suponían una forma de liberación para un pueblo que había sufrido casi 40 años de dictadura para por fin, poder mostrar, todo aquello que antes solo se podía intuir. Famoso es el caso del desnudo frontal de María José Cantudo en La trastienda.

Precisamente el cine de destape cuenta con su parte en el documental. Mediante declaraciones de actrices que intervinieron en este género, argumentan que los guiones estaban plagados de desnudos por que sí, y que así te venía en el guion. Pero no todas las intérpretes pasaron por el aro y se negaron a intervenir en según que filmes con desnudos, a no ser que los mismos estuvieran justificados, ya sea por la trama o por hacer reír a los espectadores, según declaran Esteso y el director Mariano Ozores.

Pero, tal y como se afirma en un momento del documental, todo lo que sube tiene que bajar. Y ya, a mediados de los ochenta, este tipo de cine ya no atraía a las salas al público como solía hacer antes. Puede ser que, parte de la culpa la tuviera también la conocida Ley Miró, que quería eliminar este tipo de producciones de cine fantástico, terror o acción para centrarse en un cine "más serio", con lo que fue una estocada para estos filmes que hicieron pasar buenos momentos a los espectadores.

Si bien conocía buena parte de las cintas que aquí se comentan, otras no lo eran en absoluto y una vez visto el documental, te dan ganas de investigar y verlas, puesto que tienen una pinta cuanto menos interesante. Es por eso que adoro este tipo de filmes, o en su defecto ensayos que hablan de cine, que nos permite descubrir cine y ampliar nuestros conocimientos sobre el mismo.

Tanto si os gustan los documentales sobre cine, como si queréis recordar los tiempos de videoclub y del cine que se hacía hace cuarenta años en nuestro país, y que no era lo que se solía hacer, dadle una oportunidad. Seguro que no os arrepentiréis en absoluto.

A continuación, el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: Llamada a un reportero

Dentro del cine que se hizo en la década de los ochenta, hay cintas que han pasado a la historia del cine. Enumerarlas sería harto complicado, puesto que cada uno tiene las suyas. Pero, dentro de esta década existen cintas que pasan desapercibidas como ocurre en la entrada de hoy. Un filme que, pese a tener no pocos elementos a su favor, no suele aparecer a la hora de nombrar a las mejores películas rodadas en este período de tiempo. Pero para eso esta el blog, para reivindicarla. Así pues, vamos a arrancar el Delorean y viajar al pasado.

Dirigida por Philip Borson, escrita por Christopher Crowe que adapta la novela escrita por John Katzenbach, autor de El psicoanalista, el argumento nos cuenta como el reportero Malcolm Anderson, Kurt Russell, quiere dejar su puesto en Miami para trasladarse junto a su novia Christine, Mariel Hemingway, a Colorado. Pero, cuando una serie de asesinatos comienzan a suceder y el asesino, Richard Jordan, decide en ponerse en contacto con el periodista y hacerle su confidente, la vida de Malcolm cambiará.

Además de los intérpretes arriba arriba citados, en el reparto también nos encontramos con Joe Pantoliano, dando vida a Andy fotógrafo del periódico donde trabaja Malcolm; Andy García interpretando a Ray Martínez contacto en la policía del periodista o Richard Masur encarnado a Bill Dolan, jefe del reportero.

Tal y como se puede ver por el argumento, la cinta es interesante. Nos mantiene en tensión en buena parte de su metraje, y las interpretaciones están bastante contenidas, resaltando las llevadas a cabo por Russell y Jordan, héroe y antagonista. Aquí Russell está alejado de los papeles de acción a los que nos tiene acostumbrados, e interpreta a un hombre más de la calle, sin rastro alguno de tipo duro.

Uno de los factores que hacen recomiende este film, es su duración. Con poco más de una hora y media de metraje, el argumento no se anda por las ramas y, casi desde su comienzo, va al grano. No mete tramas secundarias innecesarias, algo que es típico en las tramas de las cintas realizadas en los ochenta. Ya que, con 80, 90 o como mucho 100 minutos bastan para contar una historia, algo que, por desgracia, apenas vemos en las producciones que hoy llegan a nuestras pantallas.

Otro de los elementos que hay que destacar, es que pese a ser una serie de un asesino en serie, apenas se ve sangre o violencia a lo largo del film, salvo en los instantes finales. El director, sabe jugar la carta de mantener la tensión, sobre todo en las conversaciones mantenidas entre el reportero y el psicópata. A medida que va avanzando en su investigación, Malcolm se va obsesionando más y más con dar caza a este asesino.

En el film apenas hay momentos de acción, pero, cuando los mismos hacen acto de aparición están justificados. Así, rescato el momento en el que Malcolm inicia una carrera para evitar el secuestro de Christine, por lo que no dudará en saltar por un puente levadizo e impedir que el villano consiga su objetivo.

Si tuviera que poner una pega, sería al personaje de Hemingway. No la veo creíble como actriz, y su interpretación es de lo más flojo del film. Además, su química con Russell es inexistente. Te dicen que son pareja, pero no te lo crees. Si la hubiera interpretado otra actriz, tal vez otro gallo hubiera cantado, pero su rol parece estar interpretado sin gana alguna.

Una pequeña joya a reivindicar y que suele pasar desapercibida. Si os gustan los filmes con una duración ajustada, con un argumento simple pero efectivo y que os hagan pasar un buen rato, no lo dudéis y dadle una oportunidad. Seguro que nos arrepentiréis.

A continuación el tráiler en versión original:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

cómic: Sidney Hammer

Hace poco fue mi cumpleaños, y uno de los regalos que recibí fue la entrada de hoy. No sabía de su existencia, menudo descubrimiento. Me ha gustado mucho, puesto que tiene buena parte de los elementos que más me gustan ya sea en literatura o cine; elementos pulp; terror; frases míticas; un protagonista con carisma, en este caso una mujer que no tiene nada que envidiar a Buffy en lo que a enfrentarse a monstruos se refiere y, sobre todo, diversión a raudales. Así pues, veamos que aventuras le deparan a Sidney.

Creado, escrito y dibujado por Massacre, el alias utilizado por Alejando Miguel de Hoyos, el presente volumen nos narra las peripecias de Sidney Hammer, una intrépida periodista que trabaja para el diario sensacionalista The Sunset y que siempre está acompañada por su perro Bush. A lo largo de sus aventuras, Sidney hará frente a zombis, asesinos psicópatas, hombres lobo, sectas satánicas y adoradores de un dios lovecraftiano.

Esto es, a grandes rasgos, el resumen de las peripecias de nuestra protagonista. No se sabe en que época transcurren, pero, por lo que uno puede intuir estarían ubicadas en los años 50/60 o al menos es lo que he intuido. Puesto que son varias las pistas que el autor nos va dejando a lo largo de las páginas: un clon de Elvis; OVNIS; pruebas sobre playas abandonadas; diarios amarillistas que buscan más el morbo que preocuparse de noticias reales o, el detalle más simpático del tomo, la venta de juguetes por catálogo en donde se incluyen: pistolas laser; gafas para detectar zombis o un bebe alienígena en un frasco. Además que el autor incluye el cupón correspondiente para poder pedirlo.

El tebeo es, como he mencionado hace unos párrafos, un divertimento de primer orden. Ya desde la primera página, vemos a nuestra protagonista cargándose zombis sin inmutarse, tan solo armada con su martillo. Pero le basta y le sobra para despachar a la amenaza, sin despeinarse un solo pelo de la cabeza y soltando frases lapidarias mientras lo hace. Sidney es un personaje que, en la línea de los detectives privados, es alguien que, sin pretenderlo, se ve envuelta en líos sin pretenderlo. Es como si los problemas le buscarán, aunque ella no lo quiera. 

El dibujo está bastante chulo, y me recuerda a los que servían de acompañamiento a las historias de Creepshow. Ignoro si la intención del autor era rendir homenaje a estos tebeos o no, pero, si ese era su propósito, desde luego que lo ha conseguido. Las viñetas son bastante dinámicas, con buena profundidad y un uso del color en las dos primeras historias bastante bueno, algo que no ocurre en la tercera, que es en blanco y negro y que también le sienta de lujo a nuestra protagonista.

Un detalle que me gustó, fue que, a lo largo de sus peripecias, Sidney va alternando flashbacks, ya sea de casos anteriores o de como acabó envuelta en la aventura que nos está contando. Pero también nos comenta detalles de otros eventos que le ocurrieron anteriormente, nos deja con la miel en los labios, ya que uno quiere saber más acerca de Sidney. Esto es dejar con la miel en los labios a los lectores, dejarnos con ganas de más.

Tal y como podéis ver por la portada, el estilo imita a esos tebeos pulp. El tono desgastado de la tapa, el color, una protagonista atractiva con la que llamar la atención a los lectores masculinos o diversos carteles que nos incitan a comprar el comic y disfrutar de las peripecias de Sidney.

Otro de los aspectos a destacar, es que cada una de las aventuras incluidas terminan en un final abierto, en el que se nos prometen nuevas aventuras de esta intrépida reportera. Y además, siempre nos encontramos la conclusión una vez que Sidney ha terminado con la misión principal, cuando se encuentra cansada y sus habilidades no están al máximo.

Ignoro si el autor y la editorial habrán sacado más comics con  Sidney de nuestra protagonista, pero, si así fuera, quiero leer más. Y, en caso de no haber publicado más, desde aquí les animo a hacerlo.

Si os gusta el pulp, el terror, los protagonistas duros y con carisma o, si simplemente, os queréis dejar llevar y disfrutar de un entretenimiento de primera, no lo dudéis y dadle una oportunidad. Seguro que nos arrepentiréis en absoluto.

serie: Banshee

 A la hora de hablar de las mejores series de televisión, los primeros ejemplos que a uno se le vienen a la cabeza son Los Soprano, Breaking Bad, The Wire o 24, por citar algunos casos. Pero, como suele ocurrir, también hay otros shows que suelen pasar desapercibidos y que merecen la pena reivindicarse. Es lo que ocurre con la entrada de hoy, un entretenimiento de primera que bebe del mejor cine negro, así como de la acción, formando un buena mezcla que satisfará a todos aquellos que se acerquen a verla.

Creada por Jonathan Tropper, la serie nos cuenta como tras pasar 15 años por el robo de unos diamantes un exconvicto, Antony Starr, va en busca de su expareja Anastasia, Ivana Milicêvic,  que ahora vive en Banshee para recuperar su parte. Pero al poco de llegar, se ve involucrado en una pelea en la que muere Lucas Hood, el que iba a ser el sheriff de la ciudad y decide asumir su identidad. Desde ese momento, su vida dará un vuelco.

De hecho, en ningún momento se llega a saber el verdadero nombre de nuestro protagonista. Es un hombre sin nombre, en la línea del personaje que encarnó Clint Eastwood en la trilogía del dólar de Sergio Leone.

Además de los intérpretes arriba citados, en su reparto también nos encontramos con Ulrich Thomsen, que interpreta a Kai Proctor el mafioso de la ciudad; Frankie Faison, dando vida a Sugar Bates un exconvicto que tiene un bar y se convertirá en aliado de nuestro protagonista; Hoon Lee, como Job pirata informático; Matt Servitto como Brock Lotus ayudante del sheriff; Matthew Raunch en el rol de Clay Burton guardaespaldas de Proctor o Lili Simmons interpretando a Rebecca Bowman sobrina de Proctor.

La serie se podría resumir en tres T: Tías buenas/tetas; Tiroteos y Testosterona. Desde su comienzo, seremos testigos de no pocos tiroteos, frases cortantes, desnudos femeninos y masculinos y una actitud chulesca por parte de Starr, anticipándose unos cuantos años al rol de El Patriota en The boys y que le ha dado a conocer en todo el mundo. Pero la gran diferencia con el famoso villano de la serie de Amazon, es que aquí es un cabronazo pero que le importa la gente. En no pocas ocasiones pondrá su vida en peligro para hacer lo correcto, a pesar que sea un criminal.

Y es que esto es, precisamente, el gran atractivo de la serie. El ver como un criminal usa sus habilidades para impartir la justicia a su manera. Es un personaje con bastantes grises, y del que vamos conociendo detalles a medida que avanzan los episodios, sobre todo en la cuarta temporada. Según va pasando la serie, seremos testigos de que su pose de tío duro es solo una fachada, ya que bajo la misma, se esconde un ser humano que se ha llevado no pocos palos, tanto literales como figurados, a lo largo de su vida.

Pero si el héroe mola, los diferentes antagonistas que van apareciendo a lo largo de la serie no le van a la zaga. Desde un estupendo Ulrich dando vida a un villano con grandes dosis de carisma, pasando por Raunch como el silencioso pero letal guardaespaldas o Geno Segers como Chayton Littlestone, un peligroso piel roja. Todos ellos cruzarán sus caminos en más de una ocasión con nuestro protagonista y sus ayudantes.

He de decir que he tardado en ver esta serie, y no por vagancia que conste, pero es que hay mucho que ver, hasta que, en este verano al fin me he decidido a verla. Todo un acierto, no sé porque he postergado tanto su visionado, puesto que es una verdadera gozada. Da lo que promete, y el hecho de que sean tan solo 4 temporadas, con 38 capítulos en total, hace que se pueda ver en poco más de una semana. Los capítulos son adictivos, y en más de una ocasión nos encontraremos una escena postcréditos.

Me resulta complicado escoger a mi personaje favorito además de Starr, puesto que cada uno de ellos tiene su propio momento de lucimiento, ya sea en la parte de acción, como por como está escrito el rol que interpreta. Uno de ellos sería, sin duda, Job. No solo demuestra ser un gran hacker, sino también ser bastante letal en el combate cuerpo a cuerpo y en el uso de armas de fuego. Es un robaescenas nato, lo mismo se puede decir de Milicêvic, algo más que una cara bonita y que demuestra ser bastante dura de pelar.

Si bien las tres primeras temporadas son bastante buenas, sobre todo en el caso de la tercera, no se puede decir lo mismo de la temporada final. No es que sea mala, que no lo es, es solo que no llega a alcanzar la intensidad y dramatismo de la que hacían gala las tres anteriores. Aquí la amenaza a la que se tienen que enfrentar los protagonistas, si bien es peligrosa, no alcanza los niveles de peligrosidad de otros antagonistas. 

A lo largo de la serie veremos como Hood reparte hostias, pero también las recibe, quedando en no pocas ocasiones bastante magullado. Es un tío duro, pero no invencible, tal y como se puede ver cuando se enfrenta por primera vez con Chayton, más grande y fuerte que él. Si lo vence, es por casualidad, y eso después de haber recibido más que un tambor en la tamborrada de Calanda.

Si hubiera que ponerle una pega, por decir alguna, es que en algunos episodios se nota el digital. Nada grave, puesto que buena parte de lo que vemos en pantalla es trabajo de especialistas y efectos clásicos, pero cuando estos efectos digitales hacen aparición, se notan un pelín, lo que no debe de quitar mérito alguno al cómputo global.

Tanto si os gusta la acción, como una serie que tiene un tono bastante seco, no lo dudéis y dadle una oportunidad, seguro que no os arrepentiréis en absoluto.

A continuación la intro de la serie:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: Alien Romulus

El pasado jueves se estrenó, por fin, la nueva cinta basada en el universo de Alien. Si bien los primeros avances prometían una vez vista he de decir que, las expectativas, se cumplen de sobra. Esto es lo que los aficionados al xenomorfo llevábamos esperando hace tiempo, un espectáculo de terror, acción y suspense y que supone no solo un canto de amor a la saga, sino también una más que digna visión de esta serie.

Dirigida por Fede Álvarez, que se encarga del guion junto a Rodo Sayagues, la trama nos cuenta como en el año 2142 Rain, Cailee Spaney, una joven huérfana que vive junto a su hermano adoptivo Andy, David Jonsson, acepta la oferta de su antigua pareja Tyler, Archie Renaux, para hacerse con unas cámaras criogénicas en una estación espacial con las que poder viajar al planeta Yvaga, donde empezar una nueva vida. Lo que ignoran los jóvenes, es que están a punto de vivir una pesadilla al descubrir una extraña forma de vida.

Además de los intérpretes arriba mencionados, en su reparto también nos encontramos con Kay, Isabela Merced, la hermana de Tyler; Bjorn, Spike Fearn, amigo de Tyler y Navarro, Aileen Wu, pareja de Bjorn y piloto de la nave que les lleva a la estación espacial.

Menudo año lleva Cailee, no solo ha estado en Civil War uno de los mejores filmes estrenados este año, sino que también la tenemos en una de las cintas más esperadas del año. Lo que nos indica que estamos ante una actriz con un gran futuro por delante, capaz de saltar de superproducciones a otras películas con un presupuesto menor dando muestras de su talento, tanto en unas como otras.

Vaya con Fede Álvarez. El director uruguayo ha demostrado tener una buena mano a la hora de asustar a las audiencias de todo el mundo. Ya sea en el remake de Posesión infernal o en la entretenida No respires, el realizador ha demostrado tener bastante talento en cuanto a crear atmósferas terroríficas se refiere. No solo eso, sino que ha demostrado tener su sello personal, algo patente en cada una de las producciones que estrena. Además, su querencia a la hora de recurrir a efectos clásicos de maquillaje hace que se le tenga más aprecio, puesto que es un cineasta a la antigua usanza.

A lo largo de la cinta, Álvarez no solo va dejando multitud de guiños a toda la saga, uno de ellos os va a emocionar, además que juega un papel esencial en el devenir de los acontecimientos, sino que también ha sabido crear instantes que os mantendrán en tensión. Mis dos momentos favoritos son dos: el primero de ellos tiene lugar en los instantes finales, y, sin duda alguna, el mejor de todos tiene que ver cuando nuestros protagonistas, han de atravesar una habitación llena de facehuggers sin que los detecten.

Tal y como he mencionado en el párrafo anterior, el film supone un festival de sangre, gore y acción. Varios son los instantes en los que la hemoglobina hace acto de presencia, de forma bastante bestia además. Pero además también nos vamos a encontrar con mucha tensión, puesto que nuestros protagonistas no solo han de luchar con las criaturas, sino también con la propia estación que no tardará en estrellarse, por lo que su carrera contra el reloj es doble.

Uno puede apreciar que el realizador es un amante de la serie Alien. Sobre todo de las dos primeras entregas, a las que rinde un nada disimulado homenaje a lo largo del metraje. Puesto que Alien: Romulus se puede definir como una mezcla entre ambas producciones, es más, el film está ubicado cronológicamente entre la película de Scott y la de Cameron. Así Álvarez juega con el terror y la acción, sobre todo la segunda está presente en la segunda mitad del film. Es más, en no pocos instantes el personaje de Rain recuerda Ripley, una mujer que tendrá que poner a prueba sus habilidades a la hora de sobrevivir contra el xenoformo.

Otro detalle que hay que agradecer, es que los personajes se comportan de forma lógica, tal y como ha de ser. Álvarez hace que sus personajes no vayan por los lugares comunes del terror, y sus acciones son bastante lógicas, pero siempre ha de haber un personaje que lo eche todo a perder y que desencadena todos los acontecimientos. De forma lógica, ya que, de otra forma, no habría película.

Apenas hay que ponerle alguna pega a la cinta. No es perfecta, ni mucho menos. Uno sabe lo que se va a encontrar cuando entra a ver este tipo de filmes. Si hubiera que poner algún pero, es que hay varios finales, hasta que llega el definitivo. Cuando uno cree que ha terminado, Álvarez decide que aún no nos lo ha mostrado todo y nos quiere mostrar algo más de la lucha de Rain contra el monstruo.

Hay que agradecer que su duración sea de dos horas, lo ideal en este tipo de producciones. Ya desde que comienza, va directa al grano. Su reparto lo hace bastante bien y el hecho de que la acción, transcurra prácticamente en un par de localizaciones, hace que la atmósfera sea bastante claustrofóbica, puesto que nuestros protagonistas tendrán que hacer frente a la amenaza sin apenas armas, por lo que su lucha es bastante desigual, sobre todo teniendo en cuenta que el lugar está plagado de xenomorfos.

En resumidas cuentas, tanto si sois seguidores del terror, como de la saga de Alien este es un film que no debéis dejar pasar y que os dejará un buen sabor de boca.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.