película: Nosferatu (2024)

Antes que nada, feliz año nuevo a todos los lectores del blog. Muchas gracias por seguirme durante todo este tiempo. El pasado día 25 de diciembre, se estrenó una de las producciones más esperadas del año, la nueva versión del clásico de Murnau Nosferatu. Si bien la espera ha merecido la pena, y desde luego merece el visionado, hay que sacarle un par de peros a la nueva propuesta de el realizador de La bruja. Así pues, afilemos nuestras estacas y hagamos frente a este vampiro.

Escrita y dirigida por Robert Eggers, la trama nos cuenta como en la Alemania del siglo XIX el joven corredor inmobiliario Thomas Hutter, Nicholas Hoult,  casado con Ellen, Lily.Rose Depp, es enviado por su jefe Heer Knock, Simon McBurney, para cerrar una venta en Transilvania con el misterioso conde Orlok, Bill Skarsgarsd. Ellen queda al cargo de Friederich, Aaron Taylor-Johnson, y Anna, Emma Corrin, Harding amigos de su esposo. Al poco de llegar Thomas empieza a sospechar que el misterioso noble oculta no pocos secretos, algo que se confirma poco tiempo después cuando es atacado por el mismo. Al mismo tiempo Ellen empieza a soñar con la criatura, lo que hará que el Dr. Wilhem, Ralph Ineson, busque la ayuda de su mentor el profesor Albin, Willem Dafoe, que no tardará en darse cuenta de lo que se oculta tras las crisis de Ellen, al mismo tiempo que Orlok llega a la ciudad donde reside la joven, trayendo tras de él la muerte en forma de ratas que propagan la peste. La lucha entre el bien y mal no tardará en producirse.

Vaya con Eggers. De un tiempo a esta parte se esta convirtiendo en uno de esos realizadores a tener en cuenta, y que con cada nuevo proyecto consigue ganar más atención. No solo por los repartos con los que cuenta en cada nueva propuesta, sino también por las historias que tiene y, sobre todo, por la forma en que lo hace. Y es que, hasta ahora, el realizador norteamericano ha desarrollado su hasta ahora corta filmografía en el género fantástico o de terror, si exceptuamos su caso en El hombre del norte, en la que también había algún que otro toque de terror y de fantasía.

Si algo hay que reconocer al director neoyorquino, es que sus proyectos están bastante currados en lo que a ambientación se refiere, ya que cuida bastante la misma para ser lo más realista posible en mostrar al espectador el periodo en el que está ambientado su nuevo filme. Como no podía ser de otra forma, esto se aprecia en su nueva producción.

Cinta que, si bien tal y como he dicho en el párrafo que inauguraba la reseña, está bien hay que sacarle un par de peros. El primero de ellos es su duración. 132 minutos resulta algo excesivo, mas teniendo en cuenta que se podía haber contado lo mismo con tal vez diez minutos menos, o algo menos. Ya que, si bien hay momentos en los que la película avanza bien, en no pocos momentos a lo largo del metraje el mismo llega a hacerse algo aburrido. Y eso es porque no le sabe introducir algo de ritmo a una historia que se puede prestar a ello en algo que otro instante.

El otro gran pero es Nosferatu. Si bien no hay que ponerle ningún pero a la interpretación de Skarsgard, amenazante y terrorífico en cada una de sus apariciones, no se puede decir lo mismo a su aspecto. Si bien al principio Eggers respeta más o menos el aspecto clásico del original de Murnau, esto desaparece cuando le vemos la cara. La cual dista mucho del aspecto que creíamos vislumbrar entre las sombras. Cuando le vemos el rostro, parece el de un mafioso ruso de cualquier producción directa a video protagonizada por Steven Seagal. Y es que, ese bigotón te saca por completo de lo que estás viendo. Lo siento, pero yo quiero un Nosferatu sin pelo alguno en el rostro. 

Puedo entender, e incluso comprender, que Eggers quiera dar su visión del vampiro. Pero aquí el tiro le ha salido por la culata, mientras veía el bigotón no podía dejar de pensar en mi mente: Dimitri quiero que le metas un tiro a este poli. 

Pero a su favor cuenta con una muy buena dirección. En no pocos instantes, Eggers rinde homenaje no solo al original de Murnau, sino también a algunos filmes del expresionismo alemán. Esa forma de usar las sombras, sobre todo en dos momentos clave de la cinta, nos muestran que el realizador sabe lo que hace. Como no podía ser de otra forma, la icónica imagen de la silueta de Nosferatu subiendo por las escaleras, no podía faltar.

Los actores están bastante bien, desde el ya mencionado Skarsgard, pasando por Depp, que tiene sobre sus hombros buena parte del peso de la trama y tiene alguna que otra secuencia para su lucimiento. Y, por supuesto, los ya mencionados Johnson y Hoult, que de un tiempo a esta parte demuestran ser capaces de pasar de grandes producciones, a otras más modestas. De Dafoe poco hay que decir que no se haya dicho ya. Aquí nos muestra a un Van Helsing, obviando el nombre claro está, más cercano al espíritu de Hopkins en la cinta de Coppola, a la que Eggers también acude de vez en cuando, que al más clásico y conocido interpretado por Cushing.

Por cierto, resulta bastante curioso como Hoult en un breve espacio de tiempo ha hecho frente al vampiro por excelencia de la historia del cine. Tanto en la divertidísima Renfield como aquí, tiene que luchar contra esta amenaza sobrenatural.

Aquí Eggers nos muestra el vampirismo como algo bastante sexual, algo que se intuye en otras producciones de temática vampírica, pero que aquí se hacen más evidentes que nunca. Y es que ¿Qué es el vampirismo sino un intercambio de fluidos entre dos personas? El realizador neoyorquino nos muestra esta faceta de forma bastante cruda, sobre todo en los instantes finales de la cinta.

Uno de los sellos de identidad de este director, es la forma en la forma en la que retrata la violencia, y los estallidos de la misma. No se corta a la hora de mostrar derramamiento de sangre, ya sea aquí o en ocasiones anteriores. Baste recordar algunos momentos de El hombre del norte o El faro, sin olvidarnos de su opera prima La bruja. A lo largo del metraje, aquellos aficionados a la hemoglobina celebrarán no pocos instantes la aparición del liquido vital que le da energía al vampiro.

Una propuesta interesante a la que, sin duda, se le podía haber pedido más. No llega a cumplir del todo las expectativas que tenía depositadas, pero que cumple con su cometido de ofrecer a la audiencia un film adulto y que supone una buena forma de cerrar el año cinematográfico.

Tanto si os gustan las historias de vampiros, como si sois seguidores de Eggers, dadle una oportunidad.  

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy y feliz año de nuevo.

libro: Inmortal. El reino de la noche I

Felices fiestas a todos. Hoy vuelve al blog un escritor que, de un tiempo a esta parte, se está convirtiendo en un autor habitual de esta página. Un libro que mezcla fantasía, terror, acción y unas gotas de drama para ofrecernos una aventura que nos llevará desde Toledo hasta Constantinopla, en un viaje cargado de emoción, traiciones y alianzas. Así pues, acompañadme en las peripecias de este inmortal en su periplo buscando respuestas a una traición que sufrió años atrás.

Escrito por Pablo Carnicero de la Cámara e ilustrado por Third Guy Studio, la trama nos cuenta como en el siglo XII el inmortal Ruy González de Ayala, miembro destacado de la orden del Fénix, encargada de velar por la paz entre magos, vampiros y licántropos es traicionado y dado por muerto tras su captura y sufrir una tortura en una prisión acuática. Una vez liberado de la misma, su objetivo será vengarse de aquellos que le traicionaron y buscar respuestas. Para ello iniciará un viaje en el que conocerá a amigos que le ayudarán en su camino, pero también enemigos que intentarán impedir que consiga su objetivo.

Esta no es la primera vez que Pablo escribe sobre fantasía, baste recordar su incursión en la misma en Las crónicas de Dartios o en sus relatos sobre Conan, por lo que del autor le tiene cogida la medida al género. Si a ello le añadimos la mezcla de vampiros, hombres lobo y magos, el resultado no podría ser otro que un divertimento en toda regla.

Si bien el primer capítulo sirve como introducción al personaje principal, una vez capturado y al ser liberado de su prisión, es cuando empieza lo bueno. Pablo tarda poco en ofrecernos las habilidades de Ruy, así como de algunos de los secretos que rodean a su orden, los cuales irá desvelando a su aprendiz, hijo de un antiguo aliado que abandonó su vida inmortal por el amor de una mujer.

Aquí es destacable ver como los inmortales usan sus poderes y habilidades. Si bien tienen capacidades por encima de un ser humano normal, pueden dejar de serlo cuando ellos quieran. Lo que no quita que Ruy, siga siendo capaz de amar y de sufrir como cualquiera de nosotros. En no pocos instantes, a lo largo de su aventura, conocerá el amor pero también la tragedia del mismo. Es un personaje con una fuerte carga trágica, pero capaz de despachar sin apenas sudar a enemigos que pondrían en serios apuros a alguien no acostumbrado a la lucha contra seres sobrenaturales.

Uno de los momentos que más me gustó, fue la narración en la que un personaje secundario relata su historia, la cual guarda relación con el suceso principal de la trama, y que nos muestra las intrigas que hay entre vampiros por alzarse con el poder, así como de los diferentes clanes existentes y de los enfrentamientos entre los mismos debido a su posicionamiento a favor de los seres humanos. Mientras que algunos los ven como aliados, otros los quieren usar como ganado.

Mientras iba leyendo, uno de los referentes que se me vinieron a la cabeza fue Juego de tronos sobre todo en los diferentes juegos entre las sombras que se producen entre los protagonistas. Los que parecen ser aliados al final resultan no serlo y viceversa. A lo largo de sus páginas, no dejan de sucederse las intrigas y traiciones por alzarse con el poder que decantará la balanza a un bando o al otro.

Las escenas de acción, que las hay y variadas a lo largo del libro, están bien narradas y el autor no se corta a la hora de mostrar decapitaciones o desmembramientos en el bando de los enemigos principalmente. Lo que no quita para que entre los aliados no haya también bajas, debido a alguna que otra escaramuza en la que incluso Ruy pondrá al limite sus habilidades.

La única pega, por así decirlo, es que Pablo deja algún cabo suelto con un personaje secundario al que llegamos a coger aprecio. Tal vez sus peripecias se narren en la secuela de la entrada de hoy, puesto que nos deja con saber más sobre este héroe y su entrenamiento para ser una figura importante dentro de la renacida orden del Fénix.

Las ilustraciones, realizadas en blanco y negro, molan bastante. No es la primera vez que el autor colabora con estos ilustradores, y, la verdad, es que esta simbiosis funciona bastante bien. Con unos buenos trazos, los dibujos suponen un gran apoyo visual en algunos momentos, además que ayudan a identificar mejor algunos momentos.

Tanto si os gusta el género de fantasía, como el de las aventuras con personajes sobrenaturales, sin duda es un libro que os gustará. Su extensión, que no llega a las 300 páginas, hace que se lea de forma rápida y te deja con ganas de conocer más aventuras de esta orden y de las nuevas peripecias que les aguardan ante nuevas amenazas.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

libro: Dario Argento y las tres madres

Dario Argento es uno de los directores claves dentro del cine de terror. El realizador italiano nos ha regalado un buen puñado de filmes clave dentro de la historia del género. Uno de ellos, fue el inicio de una trilogía que es analizada en la entrada de hoy. Una saga irregular, con dos buenos títulos iniciales y una tardía tercera parte que supuso un cierre de serie que dejó con un sabor de boca amargo.

Escrito por Daniel Cabo, el ensayo se compone de una introducción y cinco capítulos, el primero de ellos dedicados a la figura de Thomas De Quincey, que sirvió de inspiración al realizador italiano a la hora de dar forma a su saga. Este primer capitulo me gustó puesto que introduce a los lectores la figura de este escritor. El autor nos ofrece una pequeña muestra del periodista creador de Confesiones de un inglés comedor de opio. Es una introducción en la que Cabo, nos anima a leer el volumen más famoso del crítico inglés.

El segundo capítulo se dedica a analizar la figura de Argento, sus primeros pasos en el mundo del cine y como se acabó convirtiendo en una de las figuras clave del giallo. Para todos los seguidores del realizador de Rojo oscuro, entre los que incluyo supone una buena forma de repasar su vida. Y, para los que quieran introducirse al director italiano supone un buen acercamiento al mismo.

Suspiria es el film encargado de dar comienzo al ensayo, puesto que fue el que dio origen a esta saga y es el que más extensión tiene. Algo normal tratándose de una cinta de estas características, en la que hay bastante tela que cortar. El autor realiza un análisis pormenorizado, desde como se fue gestando en la mente de Dario Argento y Daria Nicolodi hasta que llegó a la gran pantalla. Detallar ahora la lista de referencias culturales y pictóricas haría la reseña bastante extensa, por lo que os animo a haceros con el volumen. 

Si bien conocía alguna que otra anécdota de esta cinta, algo normal puesto que se encuentra entre mis favoritas, no solo del realizador italiano sino también del cine de terror en general, el autor me descubrió bastantes cosas que desconocía. No tanto relacionadas con el rodaje y las anécdotas del mismo, sino de aquellos secretos ocultos a primera vista y que Daniel nos muestra.

Inferno recoge el testigo, y es el segundo en extensión. No pocas personas son grandes seguidores de este film, e incluso algunas afirman que llega a superar a su predecesora. Yo no entro dentro de este grupo, si bien reconozco sus virtudes. Tal y como ocurre en el capítulo anterior, Daniel descubre a la figura de George Gurdjieff, que sirvió de inspiración a Argento a la hora de la escritura del guion. Tal y como ya hiciera Quincey en Suspiria.

Al contrario que el dedicado a Suspiria, este capitulo me gustó algo más. E incluso lo pude disfrutar algo más. No sé si fue porque me descubrió más cosas del film, por la forma en la que está contado o porque me hizo subir enteros, pero no hay duda de que volveré a ver esta cinta que, cada vez que la revisiono, me acaba gustando más que la vez anterior. 

La tercera madre pone el punto y final a la saga, y es el capitulo más corto en cuanto a extensión de análisis. Algo normal teniendo en cuenta que es bastante flojo, siendo amables. Fue una secuela que tardó en llegar y, cuando lo hizo, las expectativas por verla eran casi nulas salvo para los que esperábamos el cierra de esta saga. Aquí no puedo sino coincidir con la opinión de Daniel.

El capitulo que pone punto y final al ensayo, lleva por título unas últimas palabras en las que también nombra de forma breve otras trilogías enclavadas dentro del género de horror, y de como fueron evolucionando. Una de las que se nombra es, como no podía ser de otra forma, Posesión infernal. Una buena forma de cerrar este ensayo.

El libro en si está bastante chulo, y se aleja del tono de otros ensayos ya publicados por la editorial Applehead. Aquí, a diferencia de otros estudios como Critters o Demons donde los autores si utilizan un lenguaje más llano, Daniel es más serio. Usa un lenguaje más técnico, algo normal teniendo en cuenta que aquí no vamos a encontrar anécdotas del rodaje, pero si un estudio pormenorizado de algunas de las secuencias más conocidas de cada uno de los filmes. Y no pocas citas en cada uno de los capítulos que conforman el estudio.

Como no podía ser de otra forma, y lo que es algo habitual dentro de la editorial no faltan las fotografías, ya sean de algunos de los momentos clave de los filmes analizadas, como de los posters originales. Esto hace que podamos visualizar mejor algunos de estos instantes de las cintas comentadas.

Su extensión, inferior a las 200 páginas, hace que se lea de forma rápida, por lo que si sois ávidos lectores, podéis acabar su lectura en un par de tardes, como fue mi caso.

Applehead ha vuelto a sorprender con un estudio sobre una saga clave dentro del terror italiano. Tanto si sois seguidores de la misma, del realizador o si queréis saber más sobre estas producciones es un volumen del que recomiendo su lectura.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: Cónclave

La elección del nuevo Papa es uno de los momentos clave para la cristiandad. El nombramiento del que será la nueva cabeza visible de la iglesia no es fácil, puesto que sobre sus hombros recae el peso de la iglesia. Sobre esta premisa trata el film que ayer llegó a nuestras pantallas, un interesante thriller con un reparto bastante sólido y que es una de las sorpresas cinematográficas en este año que se va llegando a su fin.

Dirigida por Edward Berger y escrita por Peter Straughan, que adapta la novela homónima de Robert Harris, la trama nos cuenta como tras la muerte del Papa el cardenal Thomas Lawrence, Ralph Fiennes, es designado para presidir el cónclave que elegirá al sumo Pontífice. Cuatro son los candidatos para suceder a la cabeza de la iglesia: Joshua Adeyemi, Lucian Msmati, de Nigeria y de carácter conservador; Aldo Bellini, Stanley Tucci, de Estados Unidos cuyo pensamiento liberal está en la línea del difunto Padre; el canadiense Joseph Tremblay, John Lithgow, también de carácter conservador y por último el italiano Goffredo Tedescco, Sergio Castellitto, un tradicionalista. Las conspiraciones para alzarse con el triunfo no tardarán en surgir por ser el ganador de esta particular elección. La sorpresa surge cuando el cardenal Vincent Benítez, Carlos Diehz, aparece ante la sorpresa de sus compañeros, ya que nadie sabía de su existencia.

Además de los intérpretes arriba mencionados, en el reparto también nos encontramos con Isabella Rossellini como la hermana Agnes y a Jacek Komen dando vida a Janusz Wozniak, un prefecto que pondrá a Lawrence en el inicio de las pistas para ir resolviendo la conspiración que rodea a la elección.

No sabía nada de este film, pero al leer la Fotogramas de este mes y leer su argumento me llamó la atención. También ayudo a su visionado su plantel de actores, puesto que no suelen decepcionar a la hora de interpretar a sus respectivos roles. Si a ello le sumamos que el thriller, en cualquiera de sus variantes, es de mis géneros favoritos tenia todos los números para que me acabase gustando. Tal y como acabó ocurriendo.

La cinta es de suspense, pero no al que estamos acostumbrados a ver. Al no haber leído la fuente original, no puedo juzgar si su adaptación ha sido más o menos fiel. Por lo que voy a dar mi opinión sobre el film en si. El cual cumple como cinta de género, en el que como si se tratase de las famosas muñecas rusas, un nuevo misterio nos lleva a otro, hasta que por fin todo queda resuelto.

Uno de los aspectos a destacar es, tal y como he mencionado antes, su reparto en el que sobresale Fiennes. El inglés vuelve a dar muestras de su talento, y de ser capaz de pasar de cintas de gran presupuesto como la sagas James Bond o Harry Potter, a otras producciones más modestas como la entrada de hoy o El gran hotel Budapest. Aquí en Cónclave no llega a ejercer de detective como tal, pero si que nos muestra a un hombre lleno de dudas, incluso de su propia fe, y que en no pocas ocasiones llega a verse superado por las circunstancias.

El resto de actores no le andan a la zaga, destacando las interpretaciones de Stanley Tucci y del siempre solvente John Lithgow. Ambos intérpretes no suelen errar a la hora de dar vida a sus personajes, y uno ya sabe que una producción ya gana con su sola presencia.

Otro de los elementos a la hora de ver la película, es como nos muestra las conspiraciones entre los miembros de la iglesia para alzarse con la victoria. Lo que suponemos que son hombres santos, no tienen problema alguno en recurrir a según que tretas, algunas más legales que otras, para dejar atrás a los que son sus compañeros de profesión. Algunos de ellos, no tendrían nada que envidiar a algunos de los protagonistas de Juego de tronos.

A medida que va avanzando la acción, la trama nos tiene guardada alguna sorpresa que otra. La que hace que todo se decida uno no la ve llegar, al menos en mi caso fue así. Pero desde luego hace que te quedes con la boca abierta. Por supuesto no voy a desvelar el giro, prefiero que os sorprendáis tal y como hicimos aquellos que acudimos a la proyección.

Gran parte de la cinta tiene lugar en el Vaticano, como no podía ser de otra forma. Ignoro si se rodó allí o no, o tan solo alguna secuencia determinada. Pero, la labor de producción para intentar ser lo más fieles posibles a las localizaciones reales es increíble. En pocas ocasiones tanto los protagonistas, como nosotros, llegan a ver el exterior puesto que el cónclave se lleva a cabo a puerta cerrada y aislados del exterior. Esto hace que tengan que entregar sus móviles y cualquier dispositivo electrónico, que permita su comunicación con el exterior para no dar pistas acerca de como va la elección del nuevo Papa.

Sus cerca de dos horas de duración, se me pasaron volando. Esto es culpa de un buen montaje, una gran dirección y, tal y como he mencionado anteriormente, unas grandes interpretaciones. La suma de todos estos elementos, consiguen que uno no preste atención a su reloj y si a lo que está ocurriendo en pantalla.

Tanto si os gustan las cintas de suspense, como si sois seguidores de alguno de los actores que aparecen, os recomiendo su visionado. Seguro que no os decepcionará en absoluto.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

documental: Enter the clones of Bruce

No hay duda de que Bruce Lee, es, ha sido y será, uno de los grandes exponentes de las artes marciales en el mundo del cine. Con su prematuro fallecimiento en 1973, la industria perdió un gran activo para la acción y el entretenimiento. Pero, los productores, ansiosos por ofrecer al público nuevas cintas del pequeño dragón, pese a que este había fallecido, no dudaron en sacar explotaciones del carismático intérprete con actores que guardaban cierto parecido con Lee. Por ello, la entrada de hoy está dedicada a un documental que explica el auge de estos clones. Gracias a un contacto de Facebook pude hacerme con este film, de gran interés para todos aquellos seguidores, entre los que me incluyo, del que fuera protagonista de Operación dragón.

Dirigido por David Gregory, y con entrevistas a los clones Bruce Le, Dragón Lee, Bruce Li y Bruce Liang, además de la participación de Godfrey Ho, Joseph Lai, Roy Horan o Sammo Hung, es decir, actores, productores o intérpretes que en mayor o menor medida estuvieron relacionados o que aparecieron en algún momento en estas explotaciones que buscaban exprimir el filón que suponía la figura de Lee la cinta supone un recorrido por algunos de los filmes más conocidos dentro de estas producciones.

Desde que se anunció el proyecto, le tenía ganas. No solo porque me críe viendo parte de las cintas protagonizadas por estos clones, ya sea en televisión gracias al programa Cinturón negro o con visitas al videoclub. Aún me acuerdo de la portada de uno de los filmes que aquí se mencionan Bruce Lee lucha desde la tumba. Cuando llegué a casa y la puse en el vídeo, lo que me encontré distaba mucho de lo que esperaba. Pero, parte del encanto de estas producciones, residía en esto. En ofrecer al público nuevas aventuras del máximo exponente de las artes marciales.

Alguna de estas explotaciones no tenían vergüenza alguna. El mejor ejemplo reside en El dragón ataca protagonizada por el clon Bruce Liang nos contaba como Lee moría y su alma iba al infierno donde, atención, se enfrentaba a los sosias de James Bond, El Padrino, Emmanuelle o Zatoichi. Ahí es nada. 

El documental se beneficia de las entrevistas a los ya mencionados clones. Algunos de ellos confiesan que algunas veces tenían que rodar varias cintas a la vez, con el consabido desgaste que ello suponía o, tal y como hacía el caradura de Ho, a rodar una pequeña parte y luego el famoso productor de las películas de ninjas de colorines, se limitaba a ponerlas en diferentes cintas usando el nombre del actor para vender el film en cuestión.

Con una duración de poco más de 90 minutos, el documental nos permite conocer como se rodaron algunas de estas cintas, y del morro que tenían que echar para sacarlas adelante. Puesto que, tal y como nos confiesa uno de los intérpretes, en no pocas ocasiones no tenían permisos para rodar por lo que se ponían en mitad de la calle a hacer la lucha, mientras un cámara grababa, lo que suponía el pasmo de los transeúntes que iban paseando por la localización elegida.

Está claro que, a día de hoy, sería imposible hacer estos filmes. No solo por el impacto que tuvo Lee en su época, sino también porque con la protección y derechos de autor que existen hoy, aquellos que se atreviesen a hacerlo estarían pagando multas durante el resto de su vida.

La película supone una verdadera gozada, y, al menos en mi caso, nos mantiene con una sonrisa de nostalgia permanente en el rostro, al recordar estas producciones que, sin ser buenas, conseguían el objetivo de entretener, en mayor o menor medida, y de ofrecer buenas coreografías marciales a todos aquellos que se acercasen a las mismas.

Algo que me sorprendió, fue la aparición de Sammo Hung, que trabajó con Lee en Operación dragón y que luego saltaría a la fama protagonizando sus propias cintas, ya sea en solitario o junto a Jackie Chan. No me esperaba su entrevista, pero, al haber trabajado en alguna de estas explotaciones se prestó a la interviú. 

Si tuviera que ponerle un pero, es que no aparece Bolo Yeung,  pero si su hijo. Y es que, el villano de Contacto sangriento apareció en no pocas ocasiones en estos filmes de explotación. Sin duda hubiera sido interesante conocer su punto de vista sobre estas producciones. Pero, tal y como nos confiesa su vástago, intervino en no pocas de estas cintas.

Tanto si sois seguidores de los clones de Bruce Lee, como si queréis saber más sobre estas producciones, nada como acercarse al presente documental que supone el complemento perfecto al ensayo publicado por Applehead y que podéis leer aquí.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: Kraven el cazador

Hace pocos días, Sony anunció el final de los spin-offs relacionados con Spiderman después de no pocos fracasos. Lo que resulta irónico que coincida con su nuevo film, que resulta una de sus mejores propuestas tras la saga Venom. A pesar de sus múltiples retrasos, lo que no suele ser una buena señal, lo que ayer se estrenó en nuestras pantallas fue una cinta que, sin ser sobresaliente, no es el horror que anticipaban no pocas críticas y que me hicieron ir a ver la película sin ninguna expectativa.

Dirigida por J.C.Chandor y escrita por Matt Holloway, Art Marcum y Richard Wenk, la trama nos cuenta como Sergei Kravinoff, Aaron Taylor-Johnson, hijo del mafioso Nikolai Kravinoff, Russell Crowe, quiere alejarse lo más posible del legado de su padre, por lo que se convertirá en un cazador que caza criminales como su progenitor, lo que le pondrá en el punto de mira del criminal Rino, Alessandro Nivola, y de su secuaz El extranjero, Christopher Abbott. Pero en su aventura no estará solo, puesto que se reencontrará con Calypso, Ariana DeBose, a quien conoció siendo adolescente y con su medio hermano Dmitri, Fred Hechinger, que con el tiempo se convertirá en el villano Camaleón.

Tal y como he dicho en el párrafo que inauguraba esta reseña, iba sin ninguna expectativa. Si bien los nuevos avances me llamaron la atención, las críticas sobre el film y que su estreno se viera postergado en no pocas ocasiones, hicieron que fuese a la aventura. Lo que acabó siendo un acierto, puesto que me sorprendió para bien, lo que no quita para que tenga sus lagunas y errores que hacen bajar el resultado final.

En la parte negativa hay varios aspectos. Uno de ellos es la utilización de efectos visuales. Sin llegar a ser tan horribles como los vistos en Gladiator 2, si que se notan bastante, lo que es una verdadera pena. No me canso de decir que no me explico como cintas estrenadas 30 años antes, o quizás con menos tiempo, luzcan mucho mejor visualmente que las nuevas propuestas de las grandes superproducciones. No sé si será falta de ganas por los responsables de su creación, o que no su acabado no es del todo satisfactorio, pero su acabado parece digno de un film del canal Syfy.

Otro de los puntos que restan son sus lagunas. Si bien la historia se sigue más o menos bien, ya que supone el ABC dentro de las cintas de origen del protagonista, ya sea héroe o villano, algunas cosas quedan sin explicar. Y buena culpa de ello son los numerosos guiños al universo de Spiderman, y que quedan repartidos a lo largo del metraje. Aquellos que sean seguidores de este superhéroe los cazarán enseguida, e incluso sonreirán de manera cómplice ante el juego que nos proponen los guionistas. Pero, para todos aquellos ajenos al universo del arácnido, no sabrán de que les están hablando.

Otro problema es el exceso de villanos. Puesto que a lo largo de su aventura, nuestro protagonista no solo tendrá que hacer frente al Rino y al Extranjero, sino también, aunque sea en menor medida, a su padre. Para una presentación del personaje resulta algo excesiva, más teniendo en cuenta que sus adversarios son rivales de segunda fila del arácnido por excelencia de Marvel. Además, que el Extranjero acaba por ser más peligroso que el villano principal, y que sus apariciones molen más que las de el antagonista principal del film.

Pero, sin duda alguna, lo peor de la cinta es su villano principal interpretado por Nivola. En ningún momento llega a ser una amenaza creíble para el protagonista. No ayuda que Rino sea un rival de segunda fila para el trepamuros, y que apenas le ponga en apuros cada vez que se enfrentan. El problema reside en su origen. Puedo entender, e incluso apoyar, en que le quieran dar un nuevo principio al personaje. Pero, cuando no se sabe hacer bien, y más con la idea potente que le quieren dar en su inicio, hace que no te lo acabes de creer del todo. A ello no ayuda tampoco, que el antagonista del personaje principal sobreactúe en no pocas ocasiones, y que su carisma sea menos 100.

Pero no todo va a ser negativa. El principal reclamo es su protagonista, y es que Taylor-Johnson ya ha dado muestras de su carisma y buen hacer en productos de acción. Baste recordar sus intervenciones en Bullet train, Kick ass o Vengadores: La era de Ultrón. Lo que no quita para que también de muestras de su talento en producciones más alejadas del cine taquillero, baste recordar su aplaudido rol en Animales nocturnos o su intervención en Anna Karenina.

Aquí consigue crear un buen antihéroe que, a pesar de sus acciones bastante discutibles, consigue que el público se ponga de su parte casi desde el principio de la proyección,

Los secundarios también resultan otro de los puntos a destacar. Destacando, por encima de todos y en opinión de quien esto suscribe, el Camaleón. Un personaje que va ganando en molonidad según va avanzando la cinta, sobre todo en el final, en el que podemos ver su aspecto final y que es por el que todos los aficionados al cómic le conocemos.

Lo que no quita para que tanto DeBose como Crowe, también nos consigan llamar la atención, sobre todo en el caso del segundo. De un tiempo a esta parte, el que fuera Gladiator parece haber dejado de lado sus roles más intensos y dramáticos y centrarse más en papeles en los que pueda pasárselo bien actuando y que, además, le paguen por ello.

Las escenas de acción tampoco están mal. Son violentas, algo raro tratándose el universo Sony, y no están mal dirigidas. En no pocas ocasiones veremos salir sangre, y, pese a que esta sea digital, es de agradecer que sus responsables se hayan arriesgado al ofrecer a la audiencia un producto más adulto y alejado de tonterías como Morbius.

La pena es que, tal y como he avanzado antes, Kraven suponga el punto final al universo Sony. Ya que planta alguna que otra semilla que nos hace querer ver más aventuras de este cazador, pero dudo mucho que sea así. Puesto que costó 130 millones y la recaudación, hasta ahora, apenas ha llegado a los 5. Sacad cuentas. El hostión en taquilla ha sido más que evidente.

Tal y como he dicho, el film tiene altibajos y, pese a ello, consigue ser lo bastante entretenido como para darle una oportunidad. Sus dos horas de metraje no se hacen pesadas en ningún momento. Lo que nos cuenta es más simple que el mecanismo de un chupete, puesto que la historia la conocemos de sobre y la hemos visto una y mil veces en lo que a inicios de héroes o villanos se refiere. Pero, tal y como suelo decir, es el modo en que lo cuentas lo que hace que merezca una oportunidad o no. Kraven la merece.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

libro: Mi mundo fantástico. Más allá de demonios y princesas

Bajo este título, se esconde la autobiografía de Lamberto Bava. Realizador comúnmente asociado al cine de terror o thriller, pero que también ha desarrollado buena parte de su carrera en proyectos más familiares, tal y como se expondrá en los párrafos siguientes. Una autobiografía plagada de recuerdos, anécdotas y que, pese a su brevedad, puesto que apenas supera las 300 páginas basta para conocer más al director de Macabro o Demons, dos de sus producciones más conocidas.

Con prólogo a cargo de Manlio Gomarasca, creador de la revista italiana Nocturno dedicada al fantástico  la presente autobiografía nos va desvelando aspectos poco conocidos de la biografía de este director italiano, que desarrolló buena parte de su carrera a lo largo de la década de los 80 para luego, posteriormente, pasar a la televisión donde alcanzó grandes éxitos gracias a series como La gruta de la rosa del oro o Alisea y el príncipe de los sueños por citar dos de sus obras más conocidas en la pequeña pantalla.

He de decir que, si bien conocía parte de la filmografía de Bava, me sorprendió el descubrir la cantidad de filmes en las que estuvo involucrado. Bien sea como ayudante de su padre Mario, en no pocas ocasiones, o en colaboración con otros autores, ya estuviesen asociados al fantástico o no.

Ya desde los primeros capítulos Lamberto nos consigue enganchar, gracias a un estilo de lenguaje sencillo y ameno. A través de sus recuerdos asociados a su padre y su abuelo, sobre todo en los primeros capítulos, los lectores podrán ir haciéndose una idea de como se fue fraguando la personalidad de este director, al que los aficionados al fantástico y de terror no podemos sino darle las gracias, puesto que formó parte de la vida del videoclub de no pocos aficionados al cine, entre los que me incluyo, y con el que empezamos a iniciarnos en el mundo del cine.

Como no podía ser de otra forma, uno de los capítulos más extensos es el dedicado a Demons cuya reseña podéis leer aquí y que sirve de complemento a lo ya publicado en el ensayo. Y es que ¿Qué mejor manera de conocer esta cinta, que contado de primera mano por su director? Fue uno de los momentos que más me gustaron del libro. Ya que tengo cierta debilidad por este film, que pude descubrir gracias a su emisión en los 90 en el programa de Antena 3 Noche de lobos.

A lo largo de sus páginas, Lamberto nos va desvelando los secretos que formaron parte de alguna de sus producciones, como Blastfighter o El devorador del océano. en los que se encontró con problemas, pero también como gracias a su ingenio, o al de sus colaboradores, pudieron sacar esos proyectos adelante. Ingenio que le viene de familia, puesto que en uno de sus primeros capítulos nos cuenta como ayudó a su padre en los efectos especiales de Caltiki, el monstruo inmortal en el que la criatura no era otra cosa que callos. Ya veis que cosa más simple, unas simples entrañas pasaron por el ser que aterrorizaba a los protagonistas del film.

Algo que me sorprendió saber, fue que si bien en la gran pantalla contó con intérpretes no muy conocidos, al menos para el gran público fuera de Italia, en sus proyectos para la televisión pudo conseguir a actores y actrices de la talla de Ursula Andress, Brigitte Nielsen, John Hannah, Max Von Sydow o nuestra Angela Molina, por nombrar algunos de ellos. Resulta cuanto menos curioso que en la pequeña pantalla pudiera contar con estrellas más conocidas para sacar adelante estos proyectos.

Uno de los platos fuertes del libro, es la inclusión de fotografías sacadas del archivo personal de Lamberto. Ya sean con sus familia, con otros realizadores con los que colaboró en otros proyectos o fotos del rodaje, nos permiten descubrir a un Lamberto relajado o alejado de su trabajo fuera de los platós de rodaje.

Pero, sin duda alguna, el extra que hace que el ensayo suba enteros, es la inclusión de los primeros borradores, y storyboards, de sus producciones más conocidas como Demons, Macabro, El devorador del océano, Fantaghiro o el remake de La máscara del demonio uno de los filmes clave dentro de la filmografía de su padre Mario.

Tanto si os gusta el realizador, como si queréis saber más sobre Lamberto, este es un libro que recomiendo leer. La editorial Applehead vuelve a anotarse un nuevo tanto, y van unos cuantos, a la hora de editar este tipo de libros que nos permiten descubrir, y saber más, sobre la cultura del videoclub y del cine, que tantos buenos ratos nos ha hecho pasar, y que lo seguirá haciendo en el futuro.

concierto: Film Symphony Orchestra. Tarab

Una vez más, fieles a su cita anual, la formación dirigida por el maestro Constantino Martínez-Orts volvió a ofrecer un gran espectáculo y en el que sorprendieron a la audiencia con no pocos temas y alguna que otra sorpresa. En esta ocasión, el nombre de la gira viene del vocablo árabe Tarab, y que sirve para describir "los efectos emocionales de la música". Y es que, cine y música forman un gran equipo. Así pues, veamos que nos deparó el concierto celebrado ayer. Desde aquí, dar las gracias al departamento de prensa por las entradas de cortesía para la entrada de hoy.

El maestro Constantino volvió a liderar a esta gran formación en un evento que, ya desde su inicio, dejó claro que iba a provocar no pocas emociones a la audiencia allí congregada. A modo de prólogo, y acompañados de la prodigiosa voz de Anaís Sancruz, que volvería a aparecer varias veces a lo largo del concierto, viajamos al planeta Arrakis con el tema de Dune. El concierto estuvo dividido en dos partes, por lo que haré diferencias entre ambas.

A lo largo del espectáculo, no serían pocas las ocasiones en las que viajamos a lo largo del espacio y el tiempo, visitando tanto el pasado como el futuro. Ya para comenzar, nos armamos con nuestras espadas, nos ceñimos nuestro pañuelo y surcamos los mares gracias a los títulos principales de El halcón del mar, un tema compuesto por Erich Wofgang Korngold bastante aventurero y que sirvió de aperitivo ante lo que nos íbamos a encontrar a lo largo del evento. Buen tema, bastante épico y cargado de emoción, algo normal tratándose de una aventura clásica de corsarios.

Después de la aventura en alta mar, era el momento de viajar a los primeros años del siglo XX, con el tema Los Ludlows, perteneciente a Leyendas de pasión, compuesto por James Horner, cuyo compositor volvería a aparecer poco después. Fue una composición bastante bonita y que tocaba la patata. Al tratarse de una composición de Horner, no podían faltar los parabará, sello personal del fallecido compositor.

Era el momento de viajar al espacio gracias al film Marte, dirigido por Ridley Scott. Aquí el maestro Constantino nos explicó la diferencia entre la música diegética y la incidental. Puesto que el tema escogido, Fly like Iron Man, compuesto por Harry Gregson-Williams, pertenece a este segundo grupo. Este fue un tema que me sorprendió, ya que fue ganando intensidad a medida que la música iba avanzando. No me lo esperaba así, y desde luego fue una de las sorpresas de esta primera parte del evento.

Después de viajar a las estrellas, acompañamos a Aquiles y Ulises en la búsqueda de Helena en la película Troya.  El tema escogido fue Achilles leads the myrmidons, composición bastante épica y llena de fanfarrias en el que acompañamos al héroe griego en su llegada a Troya y de los estragos que hace entre las filas enemigas. No estuvo nada mal y consiguió que me entrasen ganas de revisionar el film, sobre el que no guardo un buen recuerdo.

Y una vez más, del pasado nos trasladamos de nuevo a los primeros años del siglo XX y en el viaje que Newt Scamander realiza para encontrar criaturas fantásticas en la suite de Animales fantásticos y donde encontrarlos, compuesto por James Newton-Howard. He de decir que esta composición no me acabó de convencer del todo. No porqué su autor sea malo, que no lo es en absoluto, pero salvo alguna que otra parte del ya mencionado tema, no me convenció.

La animación apareció, y no sería la primera vez, gracias al famoso tema Let it go compuesto por Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez para la cinta Frozen. Aquí Constantino volvió a contar una anécdota sobre como esta canción cambió el rumbo de la cinta, algo que desconocía y que me sorprendió saber. Aquí Anaís volvió a aparecer, dando muestras de su potente voz tal y como podréis ver a continuación:

El tema escogido para poner el punto y seguido al espectáculo, fue la suite de Forrest Gump obra de Alan Silvestri. Autor que, de forma curiosa, cierra esta parte y da inicio a la segunda. Poco más hay que decir de esta composición, que no te cansas de oír por más que lo hayas hecho una y mil veces. En los siguientes vídeos podréis ver un pequeño extracto del tema ya mencionado:

Era el momento de comenzar la segunda parte del concierto, que me gustó más que la primera. No es que la primera fuera floja, que no lo fue, pero en esta segunda mitad la selección de temas fue más potente y aquí tanto la formación como el maestro pusieron toda la carne en el asador.

Silvestri, tal y como he mencionado hace unos párrafos, fue el encargado de inaugurar esta parte con la suite de El regreso de la momia, tema que me encanta. No solo por la épica de la composición en sí, sino también por los recuerdos que me trae el film dirigido por Stephen Sommers. Una melodía que nos hace mover los pies y que sirve de perfecto acompañamiento a las peripecias de Fraser y Weisz, contra la amenaza del villano.

Cuando hablamos de la FSO, no podía faltar John Williams. El compositor de algunas de las mejores bandas sonoras de la historia del cine, no podía faltar. Y además lo hizo por partida doble, con dos temas seguidos. El primero de ellos fue el tema principal de La lista de Schindler, una composición que consigue emocionar a cualquiera que la escuche. Y es que, el violín consigue transmitir toda la emoción y tristeza del famoso film dirigido por Spielberg, tal y como podéis ver a continuación:

Hablar de Williams, es ligar su nombre a Star Wars. Así pues, volvimos a viajar a una galaxia muy lejana gracias al episodio IX. El ascenso de Skywalker con el tema homónimo, y que guardaba una sorpresa hacía el final del mismo, tal y como nos avanzó Constantino. Si bien soy un gran amante de la saga creada por Lucas, he de decir que este tema no me acabó de gustar del todo. Y no por culpa de Williams, es que no alcanza el nivel de otras composiciones de este universo.

A continuación, llegó el que, posiblemente, fue el tema que más me sorprendió y gustó de toda esta segunda parte. Tanto por lo complicado de su ejecución, tal y como nos explicó el maestro, como por la forma en la que fue tocado. La suite de Oppenheimer, compuesta por Ludwig Göransson y ganadora del Oscar a la mejor banda sonora, fue increíble. Si bien hace poco revisioné la película, la banda sonora aislada del film me sorprendió muy gratamente. Y es que, el joven compositor sueco se está convirtiendo en uno de los artistas a tener en cuenta de un tiempo a esta parte.

Una vez más, nos pusimos nuestro traje de astronauta para acompañar a Sandra Bullock y George Clooney en la suite de Gravity, compuesta por Steven Price y que tuvo dos partes bien diferenciadas. En la primera de ellas pudimos sentir el agobio por el que pasa el personaje encarnado por Bullock, mientras que en la segunda, y gracias a la preciosa voz de Anaís, pudimos sentir la sensación de épica que sentía en los instantes finales del film dirigido por Cuaron. De nuevo, la aportación vocal de la cantante añadió espectacularidad al momento.

Nos acercábamos al final del evento, era el momento de despertar del sueño musical que estábamos viviendo. Para ello, nada como la suite de Origen, obra de Hans Zimmer y que me encanta oír. Tanto por la acción y emoción que transmite el tema, como por la película en sí. Una de mis partes favoritas es la que pertenece a la parte de el sueño se desmorona, y que podéis ver a continuación:

Llegaba el final del concierto, por ello viajamos al fondo del mar para acompañar a Ariel y sus amigos en sus aventuras gracias a la suite de La Sirenita, obra de Alan Menken en la que había varias partes, desde partes más animadas a otras más tranquilas, en las que por supuesto no podían faltar Bajo el mar, que hizo acto de aparición de forma instrumental como por la aportación de Anaís interpretando Parte de tu mundo, y que en nada tiene que envidiar a la versión de cine.

Era el momento de los bises, el primero de ellos me gustó bastante y consiguió trasladarme de nuevo a mi infancia, con unos reclutas bastante peculiares que se convirtieron en policías, dejando tras de sí no pocas carcajadas y aventuras. Por supuesto, me estoy refiriendo a Loca academia de policía y a su famoso tema compuesto por Robert Folk, que consigue mantenerte con una sonrisa en el rostro debido al buen rollo que transmite, algo que Constantino y su formación animando a los allí presentes a aplaudir acompañando a la banda, tal y como podéis comprobar con el siguiente vídeo:

Todo lo bueno se acaba, y, como es norma habitual en la FSO Williams cerró el evento con el tema de La cantina de Mos Eisley de Star Wars, que supone un cierre perfecto a un concierto y que consigue que la gente, incluido un servidor, se marche con una sonrisa en el rostro y es que la composición de Williams invita a ello:

Una de las características de la FSO es la introducción que lleva a cabo Constantino de cada uno de los temas que van a ejecutar. El maestro consigue transmitir su pasión por la música en cada una de las presentaciones, que suele acompañar con alguna que otra anécdota relacionada con lo que esta a punto de tocar. Baste citar como ejemplo la divertida anécdota de Williams y Spielberg, cuando el famoso compositor fue citado por el realizador para que se encargase de componer la música de La lista de Schindler.

Cada vez que he visto a esta formación no he salido decepcionado. Han logrado emocionarme en no pocas ocasiones y hacer que se confirme mi pasión y amor por el cine y por la música que sirve de acompañamiento a las imágenes.

Si podéis id a verlos, la experiencia no os va a decepcionar en absoluto. Ahora se encuentran girando y seguramente pasarán por alguna de vuestras ciudades.

A continuación, podréis ver algunas fotos que me hizo mi acompañante:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.