película: The palace

Ayer se estrenó la nueva cinta de Roman Polanski, a la que están dando más palos que una estera. Una vez vista, he de decir que ignoro la razón. Cierto es que no es su mejor película, y que además puede suponer su testamento cinematográfico, pero tampoco es el horror que dicen las críticas. Es una comedia bastante negra, en la que el realizador polaco ha hecho una crítica a las clases altas, y al modo que tienen de vivir su vida. Algo que recalcan, en no pocas ocasiones, los trabajadores del hotel en los que transcurre la acción de la producción.

Dirigida por Roman Polanski, que se encarga del guion junto a Jerzy Skolimovski y Eva Piaskowska, la trama nos cuenta como el hotel Palace, ubicado en los Alpes suizos, se prepara para la llegada del año 2000. Allí Hansueli, Oliver Masucci, el director del hotel no solo tendrá que lidiar con sus empleados para que todo salga a la perfección, sino también con unos invitados peculiares, entre los que se encuentran una marquesa, Fanny Ardant; el excéntrico millonario Arthur William Dallas III y su joven esposa Magnolia, John Cleese y Bronwyn James respectivamente; el ruso Anton, Alexander Petrov, cargado con unas maletas de contenido desconocido; el cirujano plástico Dr. Lima, Joaquim de Almeida; el actor Bongo, Luca Barbareschi o Bill Crush, Mickey Rourke, un rico venido a menos con oscuras intenciones.

Tal y como se puede ver por la trama, tiene todos los ingredientes necesarios para ser una comedia, género al que ha vuelto el realizador polaco tras El baile de los vampiros. Pero es un comedia con toques bastante negros, y en donde Polanski hace bromas gruesas sobre los rusos, los gordos o la misoginia, es decir, todo bastante políticamente incorrecto para los tiempos en los que estamos.

Cierto es que no es una película perfecta, ni mucho menos. El guion, pese a tener algún que otro gag bastante bueno, peca de incoherencia. Si bien la trama la sigue bien, es como si hubieran puesto a algunos personajes y situaciones al tun tun, como esperando que encajasen. Lo hacen, pero se lo podrían haber currado algo más y hacerlo algo mejor.

Los efectos especiales también cantan. Sobre todo cuando se ven los exteriores del hotel, o cuando nieva. Cierto es que Polanski ha contado con un presupuesto de 18 millones, que no es mucho claro, pero que se podrían haber esforzado algo más a la hora de recrear estos efectos. Pero también es cierto, que Polanski nunca ha necesitado de estos efectos a la hora de contar sus películas. A él le importan más las historias y los personajes, que el recrear ilusiones.

Y, a pesar de contar con un presupuesto más o menos apañado, la cinta no ha recaudado ni siquiera un millón del presupuesto, por lo que la hostia en taquilla se ha oído hasta en Namec. 

Pero no todo va a ser malo. Algunos golpes de humor, tal y como he dicho hace unos párrafos, son bastante hilarantes. Cleese tiene para sí el mejor gag de toda la cinta, y que me arrancó no pocas carcajadas. Y es que, el que tuvo retuvo. 

Sorprende ver en una cinta de estas características, a intérpretes alejados de la comedia como pueden ser Rourke o Almeida, que suelen moverse en interpretaciones más serias. Y que aquí, demuestran tener un buen timing cómico, esperemos que, en el futuro, vuelvan a este género.

He de decir, que no sabía nada de esta cinta. Ni sabía que era de Polanski. Pero al ver el argumento y quien la dirigía, me anime y fui a verla. No me decepcionó, ya que el realizador polaco es uno de mis realizadores favoritos y algunos de sus filmes, como Chinatown o La semilla del diablo, por nombrar algunos ejemplos, se encuentran en mi top de cintas favoritas en sus respectivos géneros.

Si, como parece ser, es la última propuesta de su realizador, va a dejar un sabor agridulce entre sus seguidores. Se le podía haber pedido algo más, pero, dudo mucho que a Polanski le importe mucho lo que tenga que decir de él la crítica, puesto que a sus 90 años ya está de vuelta de todo.

Si os gustan las comedias negras, o si sois seguidores del realizador de Un dios salvaje, es una cinta que recomiendo ver.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: Civil war

El pasado viernes, se estrenó la nueva cinta del realizador de Ex Machina, que también se ocupó de los guiones de Dredd o 28 días después, por citar sus obras más conocidas. En esta ocasión, vuelve al terreno de la ciencia ficción, para ofrecernos una cinta con acción, pero con una carga distópica y unas gotas de drama. Así pues, veamos que nos depara este film, donde los Estados Unidos, se encuentran en su segunda guerra civil.

Escrita y dirigida por Alex Garland, la cinta nos cuenta como los Estados Unidos se encuentran en una segunda guerra civil y liderados por un presidente que afronta su tercer mandato. Ante esta situación, y habiendo sobrevivido a un atentado en Nueva York, la fotógrafa de guerra Lee Smith, Kirsten Dunst, y su colega Joel, Wagner Moura, deciden embarcarse en un viaje hacia Washington para intentar entrevistar al mandatario, antes que las fuerzas rebeldes de Texas y California tomen la capital. En su viaje no estarán solos, puesto que les acompañan Sammy, Stephen Mckinley Henderson, el mentor de ambos y la joven fotógrafa Jessie, Cailee Spaeny.

Más que interesante propuesta cinematográfica, de la cual intenté no ver ningún tráiler para que no me chafase las probables sorpresas, lo mismo que me pasó con el argumento. Tan solo tenía una breve noción de lo que iba a pasar en la trama. Ya que, este es uno de esos casos en los que, cuanto menos sepas del film, mejor.

Si bien la cinta contiene acción, sobre todo en el tercio final, lo que nos vamos a encontrar es una road movie, en la que los protagonistas, a lo largo de su viaje por unos Estados Unidos devastados por la guerra, se irán encontrando con diversos personajes, ya sean periodistas, militares que apoyan la causa del presidente o quienes prefieren ignorar lo que está ocurriendo, y seguir viviendo como si nada. Pese a que la situación no invite a ello.

Es un film que se toma su tiempo hasta llegar a la acción, por lo que no esperéis una producción cargada de disparos por doquier. Haberlos haylos, pero éstos entran cuando tienen que hacerlo, y cuando la situación lo requiere. 

Uno de los aspectos que más me gustó del film, fue que no se explica por qué ha ocurrido esta guerra. Más o menos lo podemos intuir, pero en ningún momento se nos explica el origen del conflicto. En esto Garland ha acertado, ya que nos sitúa directamente en los momentos finales del enfrentamiento entre las fuerzas leales al presidente y los rebeldes.

Pero, sin duda, uno de los instantes que más me gustó con diferencia, fue el cameo de Jesse Plemons, marido en la vida real de Dunst, y que se puede ver en el tráiler. Son solo unos pocos minutos, pero, los mismos le valen al intérprete de Jungle Cruise o El irlandés, para mostrar su talento como actor. Su interpretación es bastante terrorífica, y, lo que más asusta de la misma, es que no necesita levantar la voz en ningún momento. Es su estilo pausado lo que de verdad da miedo.

A lo largo de su viaje, nuestros protagonistas verán el lado más crudo del conflicto, buscando la noticia Joel, y las fotografías perfectas en el caso de Lee y Jessie. Ignoro si la intención de Garland, fue realizar una especie de homenaje a los reporteros de guerra, que se juegan la vida en el conflicto bélico para traernos la noticia.

Puede parecer que traten de ser sensacionalistas o carroñeros, en mi opinión no es así. Cierto es que se les puede acusar de vender morbo, pero también lo es que arriesgan su vida para publicar aquello que les haga pasar a la historia del periodismo.

Otro punto a su favor es su duración, inferior a las dos horas, por lo que no se hace pesada en ningún momento. Al menos a mi no se me hizo lenta en ningún momento.

Si os gustan las cintas distópicas, y si sois seguidores del director, sin duda este film no os va a decepcionar. Una de las mejores cintas en lo que llevamos de años, ojalá en los futuros premios de la academia de cine, podamos verla nominada en alguna categoría.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

libro: Mestizos

No hay duda, de que el hombre lobo es, junto con Drácula y el monstruo de Frankenstein, uno de los pilares básicos de las películas e historias de terror. Amén de los zombis o los fantasmas, pero son los licántropos quienes, a lo largo de los años, han protagonizado un buen puñado de largometrajes e historias que han asustado a las audiencias a lo largo de los años. Hoy vuelve al blog, un autor que está llamado a convertirse en una de las nuevas voces dentro de la literatura de terror, si es que no lo ha hecho ya. Así pues, acompañadme en un viaje por las carreteras de Estados Unidos, acompañando a una familia de estos seres sobrenaturales.

Escrito por Stephen Graham Jones, autor de Mi corazón es una motosierra,  cuya reseña podéis leer aquí, la trama nos cuenta las peripecias de una familia de licántropos, por las carreteras de Estados Unidos, buscando un lugar donde poder asentarse. Pero, tal y como dos desvelará su protagonista principal, es más fácil decirlo que hacerlo.

Escrito en primera persona, salvo los capítulos en los que el narrador pasa a ser el propio autor, el adolescente nos va contando las peripecias que va pasando junto con sus tíos, a la vez que nos va desvelando los secretos que se ocultan, y que creíamos erróneos, sobre los hombres lobo.

Más que interesante vuelta de tuerca, sobre los hombres lobo. A lo largo de sus páginas, esta particular familia de licántropos, nos va desvelando como se van desenvolviendo en su día a día con los seres humanos. Intentan pasar desapercibidos, pero, tal y como se demostrará en no pocas ocasiones, la convivencia no resultará todo lo fácil que ellos quieren.

Uno de los aspectos que más me gustó, además de la narración en primera persona, es como el autor dinamita todo lo que creíamos saber acerca de estos seres. Según nos cuenta el protagonista, a tenor de las historias que le cuentan tanto su tío como su abuelo, todo es falso acerca de los licántropos. Así pues, quién mejor que un propio hombre lobo, para desmontar nuestras creencias acerca de su pueblo.

Eso sí, algunas de las suposiciones sobre los mismos permanecen intactas, como la plata. Este es un elemento que permanece inalterable en la historia.

A medida que uno avanza en su lectura, pese a que a uno le queda claro que todo lo que ocurre no es imaginación por parte del narrador, en no pocas ocasiones la duda aparece. Ya que, salvo en los instantes finales, no vemos la transformación del protagonista principal. Y, cuando ocurre la transición de la persona al animal por parte de su familia, nunca la vemos del todo claro. En este punto el autor, ha sabido jugar con la incertidumbre.

Durante toda la historia, queda más que claro que los protagonistas principales pertenecen a la clase más baja en los Estados Unidos. Viviendo en caravanas, sobreviviendo como pueden con trabajos precarios, les cuesta encontrar su sitio. Y, cuando encuentran el mismo, alguien se encarga de dinamitar esa comodidad que tanto les ha costado encontrar.

Baste poner como ejemplo, el capítulo en el que el protagonista parece haber encontrado el amor en la figura de una compañera de instituto. Hasta que, un trágico suceso relacionado con su pasado, hace que todo salte por los aires. He de decir, que en este momento me enfadé con el autor, puesto que por fin las cosas parecen ir sobre ruedas para todos. Pero, tal y como se encarga de recordarnos Jones, no todo es idílico.

Sus poco más de trescientas páginas, hace que no se haga pesada su lectura. Eso sí, en algunas ocasiones uno se puede llegar a perder, puesto que en no pocos instantes pasamos de leer las peripecias de estos seres en primera persona, para que, acto seguido, pasen a leerse en tercera persona.

Todos aquellos que queráis leer una historia diferente sobre los hombres lobo os la recomiendo. Si esperáis leer un relato, cargado de hemoglobina y violencia, tal vez os llevéis un chasco. Ya que haberla hayla, pero no en la medida que os esperáis. Por ello os recomiendo que os enfrentéis a la lectura sin expectativas de tripas por doquier, y os dejéis llevar por la propuesta del autor.

Desde aquí, dar las gracias una vez más a la editorial por publicar este tipo de libros, que pueden pasar desapercibidos, pero que, desde que comenzaron su andadura, no han parado de darnos alegrías a los aficionados a la literatura de terror. Tan solo esperar que sus pasos sigan por muchos años, seguro que van a seguir dándonos alegrías.

concierto: Film Symphony Orchestra. Henko

Un año más, fieles a su cita, la orquesta liderada por el carismático director Constantino Martínez-Orts regresan a la capital riojana para dar muestras de su buen hacer, y ofrecer a la audiencia dos horas y media de puro entretenimiento. En esta ocasión, volvieron a mezclar temas más clásicos del séptimo arte, con los más modernos. Incluso hubo lugar para la animación. Pero no adelantemos acontecimientos todavía, tomemos un respiro y allá vamos. Desde aquí, dar las gracias a la organización por las entradas de cortesía con las que poder hacer la reseña de hoy.

Sobre este escenario vacío, pocos minutos después el director y su banda harían las delicias de los allí congregados.

Con una puntualidad británica, comenzó el espectáculo a las siete y media. El tema escogido para dar inicio al concierto fue Skyfall, que fuera cantada por Adele en el film homónimo de 007, y que interpretó con voz potente, y que nada tenía que envidiar a la intérprete original, por Judit Uris, con un vestido muy elegante. Una vez recibido el caluroso, y más que merecido aplauso por parte de la audiencia, comenzó el concierto.

Constantino fue el encargado de dar la bienvenida al público, y de explicar de donde venía el término que daba nombre a la actual gira de la orquesta. Así, todos supimos que Henko es un vocablo japonés que significa "cambio transformador que no tiene retorno". Algo que, tal y como se encargó de recalcar el director en cada introducción de los temas, sufren los protagonistas de las bandas sonoras que formaron parte del espectáculo.

Para el primer tema, nada como vestirnos de piratas, surcar los mares y beber un buen trago de ron, acompañando a Errol Flynn como El capitán Blood, compuesta por Erich Wolfgang Korngold. Buen tema de aventuras, y que, tal y como ocurre con los temas clásicos de este tipo de género, nos introduce de forma rápida a las aventuras que está a punto de sufrir el protagonista. Si bien he visto la cinta un par de veces, no había prestado tanta atención a su música. Y me sorprendió gratamente.

Después de surcar los mares, era el momento de volver a viajar en el tiempo. Más concretamente, a la antigua Roma, acompañando en su viaje al esclavo más famoso de la historia del cine, que lideró una revolución de esclavos y puso en jaque a Roma. Por supuesto, me estoy refiriendo a Espartaco, de cuya banda sonora se encargó Alex North. El tema escogido por Cosntantino y su orquesta, fue el tema de amor. Un tema sencillo, pero que es muy bonito. Resultaba imposible, al menos en mi caso, no cerrar los ojos y ver a Kirk Douglas y Jean Simmons, viviendo su amor dirigidos por Stanley Kubrick.

Concluido este tema tranquilo, era la hora de subir pulsaciones. Por ello, era el momento de subir al espacio. A la misión lunar fallida más famosa de la historia, y que hizo famosa las palabras "Houston, tenemos un problema". James Horner recogía el testigo de North, para ofrecernos una suite, donde la épica, los instantes más tranquilos y la heroicidad se dan la mano para emocionar a la audiencia y conseguir el objetivo de emocionarnos más allá de nuestro satélite principal.

Una vez en tierra, otra suite, y no sería la última, viajábamos a Sicilia para conocer al Padrino más famoso de la historia del cine. Con este tema me resulta complicado ser imparcial, puesto que la saga de El Padrino, es de mis cintas de cabecera. La FSO escogió la suite correspondiente a El Padrino II, donde aparecen desde el vals de Vito, al tema de Kay. Sin duda, uno de los temas que más me gustaron de esta primera parte del concierto, y que con Rota, alcanzaba la mitad de su primera parte.

Era el momento de viajar a la China imperial, de la mano de Jerry Goldsmith y su partitura para Mulan. Pero eso no era todo, en mitad de la suite, y tal y como nos avanzó Constantino en la introducción al tema, en mitad del mismo sonó el tema Reflejos, cantado en su versión original por Christina Aguilera, y cantado, una vez más, por Judit. Impresionante voz una vez más. En opinión de quien esto suscribe, supone un gran acierto eso de mezclar partes instrumentales con vocales, ofreciendo una experiencia más completa a los que tuvimos oportunidad de asistir al evento.

Después de China, cogimos un avión y viajamos a San Francisco. Más concretamente a la cárcel de Alcatraz, donde un grupo de héroes intentará impedir que un militar renegado trate de lanzar gas nervioso sobre la ciudad. Me estoy refiriendo a La Roca, compuesta entre otros por Hans Zimmer, Harry Gregson-Williams y Nick Glemmie-Smith. El tema escogido fue el da inicio al film dirigido por Michael Bay, Hummel gets the rockets. De siempre me ha gustado esta banda sonora, por lo que oírla en directo fue toda una experiencia. Me encantó, así sin más.

Ya solo quedaban dos temas para poner punto y seguido a esta primera parte. El penúltimo tema escogido pertenecía a la secuela de Ice age, compuesta por John Powell. De nuevo pudimos oír una suite. Un tema simpático, sobre todo cada vez que se ponía en las partes más animadas.

El tema escogido por la orquesta para dar cierre a esta primera parte, fue la suite compuesta por Patrick Doyle para la cuarta entrega de la saga de Harry Potter, Harry Potter y el cáliz de fuego. Tal y como avanzó el director en la presentación del tema, diversos momentos se dieron cita. Desde los más animados, hasta los más cargados de tensión y románticos. A mí, desde luego, me gustó bastante.  Después de interpretarlo, era el momento para que, tanto la orquesta como el público, se tomará un respiro para encarar con fuerza la segunda parte del concierto.

De vuelta a los asientos, y antes de comenzar la segunda parte la FSO hizo un pequeño concurso con el que poder ir a Hollywood. Como no podía ser de otra forma, mi acompañante y yo participamos en el mismo.

El compositor escogido para dar el pistoletazo de salida a esta segunda parte, fue Henry Mancini. Más concretamente, la obertura de Desayuno con diamantes. Un tema cálido, y una buena forma de comenzar la parte dos del concierto.

Aquí llegó una de las dos primeras sorpresas agradables que me lleve en esta parte dos. Rachel Portman, la primera mujer en ganar en ganar el Oscar a la mejor banda sonora, fue la escogida con su partitura para Las normas de la casa de la sidra. Si bien he visto el film, la suite interpretada por la FSO consiguió sorprenderme lo bastante, para que vuelva a darle una nueva oportunidad, tanto a la cinta como a su música.

No es un concierto de la FSO, si no aparece John Williams. No se pueden entender el uno sin el otro. Pero, tal y como viene siendo marca de la casa, decidieron tomar otros derroteros y sorprender con la suite de Siete años en el Tíbet. Aquí tengo que hacer mención a la parte del violonchelo a cargo de Rocío Fuentes. Increíble, no se me ocurre otra forma de definir a la interpretación solista de la artista. Gracias a la orquesta por interpretar este tema en directo.

Ahora el momento de viajar al espacio, y no sería la última vez en esta segunda parte del concierto. Constantino y su orquesta decidieron hacer viajar al público a bordo del Enterprise, con los diferentes compositores que han prestado su talento a la hora de narrar las aventuras de Kirk, Spock y Picard a lo largo de los años, ya sea en televisión o en la gran pantalla. Por lo que no era de extrañar de Giaccino, Goldsmith, Rosenman y Eldelman hicieran acto de aparición. Ya sea con el tema original del show original, o con la propuesta más reciente en cines.

Después de explorar el espacio, volvimos a la tierra para conocer la historia de amor entre una princesa india y un conquistador, con el tema Colores en el viento, compuesto por Alan Menken para Pocahontas. Una vez más, Judit dejó al público con la boca abierta con su técnica vocal.

Era el momento de ir concluyendo el concierto, y el elegido para hacerlo fue John Williams con dos temas. El primero de ellos, fue el tema que el famoso compositor hizo para la serie Obi Wan Kenobi, y donde los espectadores se encontraron con una agradable sorpresa, que fue recibida con no pocos aplausos.

El segundo de ellos, pertenece a la suite compuesta para la segunda parte del arqueólogo más famoso de la historia del cine. Aquí de nuevo me resulta complicado ser imparcial, puesto que es una banda sonora que me encanta. Y es que, a Indiana Jones y el templo maldito, le tengo un cariño especial. Me pareció una forma muy chula de dar punto y final a un concierto.

Los bises no se hicieron esperar. El fontanero más famoso de la historia del cine, con su reconocido tema y música del film Super Mario Bros- La película arrancó no pocos aplausos. Y, como no podía ser de otra forma, la cantina de Mos Eisly fue la encargada, ahora si, de dar por concluido el concierto.

Pocos peros hay que ponerle a este nuevo espectáculo. Los temas escogidos fueron acertados, si bien algunos me gustaron algo más que otros. La luz supuso un acompañamiento más que acertado a la música a cargo de estos grandes profesionales de la música.ç

A Constantino es un placer oírlo hablar. No solo por como vive la música, sino de como explica los temas que vamos a oír y de la ilusión de como habla de los mismos. Es una autentica maravilla, vive la música y ama su profesión, lo que transmite al público.

Si la FSO pasa por vuestra ciudad, no lo dudéis e id a verlos. Seguro que no os arrepentiréis.

A continuación, os dejo con un par de fotos que pude hacerme en el evento.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

libro: Hollywood gótico. La enmarañada historia de Drácula

Poco podía imaginar Bram Stoker cuando escribió Drácula, que no solo cambiaría el género de terror, sino que también su personaje principal, se convertiría con el paso del tiempo, en uno de los iconos clave del horror, y que, con el paso del tiempo protagonizaría no solo películas, sino también obras de teatro, series e incluso cómics. El presente ensayo, es un viaje desde su creación, hasta prácticamente nuestros días.

Escrito por David J. Skal, autor también de Monster show realiza un completo y ameno viaje por el mundo del chupasangres más famoso de la historia de la literatura. A través de una introducción, siete capítulos y dos apéndices, en los que Skal muestra a los lectores un buen puñado de obras de teatro y filmes, protagonizados por Drácula.

Si algo tenía claro cuando adquirí este libro, es que me lo iba a pasar en grande. Algo que se confirmó a las pocas páginas, y es que, si de algo sabía el autor, es de como engancharte con sus palabras. Y lo hace como un amigo entendido del cine, con el que uno se pasa horas hablando mientras que os vais contando anécdotas del séptimo arte, y descubriéndoos mutuamente cosas de las que no teníais idea alguna.

Algo que me sorprendió saber, fue la historia de la adaptación, y que, como reza el título del ensayo, fue enmarañada. Se podría decir, que uno de los principales culpables de que todo se empezase a liar, fueron los responsables de Nosferatu, la adaptación no oficial de Drácula. Donde, pese a no tener ningún nombre igual al de la obra de Stoker, los personajes eran los mismos que los creados por el escritor irlandés, lo que desató el consiguiente cabreo por parte de Florence, viuda de Bram.

A partir de entonces, se sucedieron no pocas batallas para llevar al conde a la gran pantalla, tras un exitoso paso por el teatro. Allá donde iba Drácula, arrasaba. Por lo que el cine, que en los primeros años del siglo XX, no tardó en fijarse en el chupasangre para echarle al lazo, y conseguir asustar a las audiencias más allá del teatro.

Las negociaciones no fueron nada fácil, tanto en un ámbito como en el otro. Pero, afortunadamente, se pudo llegar a un acuerdo con Florence, y, como se suele decir, el resto es historia. Una vez que Drácula llegó a la gran pantalla, ya fue muy complicado echarle.

Como no podía ser de otra forma. existe un apartado dedicado al conde más famoso, y el primero que lo interpretó en la gran pantalla de forma oficial. Y es que, tanto para lo bueno como para lo malo, Bela Lugosi siempre va a estar ligado al vampiro por excelencia de la literatura. Fue motivo de alegrías, tanto en teatro, como en cine, pese a que, en la gran pantalla, tan solo lo encarnase en dos ocasiones. Lo que hizo que, por su ego, perdiese la oportunidad de encarnar a Frankenstein, ya que se quejaba de que con el maquillaje el público no le iba a reconocer. El resto, como se suele decir, es historia.

Pero no solo nos encontramos a Lugosi, también harán acto de aparición como no podía ser de otra forma, Christopher Lee, Frank Langella o Gary Oldman, de quien el autor no tiene buena opinión con respecto a su rol como Drácula, como tampoco la tiene de la adaptación que hizo Coppola. Algo en lo que un servidor difiere, puesto que es uno de los papeles más reconocidos de Oldman, así como una producción a reivindicar dentro de la filmografía del realizador de El Padrino.

Otro aspecto que me llamó la atención, fue la batalla que el hijo de Lugosi tuvo que presentar a la Universal, para recuperar los derechos de imagen de su padre como Drácula, y de los que la familia no había visto un duro, a pesar de que los muñecos del intérprete ya llevaban unos años circulando.

Un ensayo esencial para comprender mejor la vida de Drácula, más allá de las páginas impresas. Resulta muy curioso, y donde el autor demuestra el amor hacía el personaje creado por Stoker. El escritor se tuvo que meter una buena paliza, a la hora de investigar todo lo que rodeaba a las diversas adaptaciones que ha tenido el colmilludo por excelencia de la historia.

Tanto si sois fans del vampiro por excelencia, como si os gustan los cotilleos sobre el cine y literatura, éste es un libro que no deberíais dejar pasar en absoluto. 

película: Pájaros

El género de las road movies, nos ha dado a lo largo de los años un buen puñado de cintas interesantes. Desde Easy Rider pasando por Nebraska, por citar tan solo dos ejemplos, el séptimo arte suele recurrir a los viajes de carretera para contar las peripecias de sus protagonistas. Precisamente, la nueva propuesta de Pau Durà está ambientada en este subgénero cinematográfico.

Dirigida por Pau Durà, que se encarga del guion junto a Ana M. Peiró, la trama nos cuenta como Colombo, Javier Gutiérrez, sobrevive como mecánico y pasando marihuana. Un día recibe la propuesta de Mario, Luis Zahera, un aficionado a las aves para ver a las grullas a la Costa Brava. Pero, al llegar allí, descubre que las aves han migrado hacia el delta del Danubio. Ambos hombres emprenderán un viaje por carretera, que cambiará sus vidas.

Tal y como se puede ver por el argumento, no hay nada nuevo bajo el sol. Si por algo se caracterizan las road movies, son por el viaje en ambos sentidos que realizan sus protagonistas. El interior, que les cambia su forma de ver la vida hasta ese momento, y el exterior, que es el destino que pretenden alcanzar. Pero, muchas veces, ambas metas están más relacionadas de lo que en un principio piensan.

La mejor baza del film, reside en ambos protagonistas. Dos de los grandes intérpretes del panorama cinematográfico español actual. Los dos están de dulce, y demuestran que sus Goyas están más que justificados. Ambos disponen de sus momentos para lucirse, ya sea compartiendo plano o en momentos aislados, dando muestras de su talento.

Sorprende ver a Zahera, en un rol completamente distinto al que nos tiene acostumbrados. Aquí da vida a un hombre tartamudo, con un carácter bueno y que busca una redención. Una vez avanzado el viaje, se revelan sus verdaderos motivos para emprender el viaje hacia Rumania. Pese a que en los mensajes que oye en su móvil se pueden adivinar, con su confesión al personaje de Gutiérrez, todo queda aclarado.

Otro tanto se puede decir de Gutiérrez. Aquí nos vuelve a ofrecer una interpretación poco amable. Pese a que en un primer momento no pueda caer simpático, a medida que el viaje avanza, lo mismo que su relación con Zahera, poco a poco nuestra opinión va cambiando. Es un hombre que dista mucho de ser perfecto, y que ha cometido no pocos errores a lo largo de su vida, pero que, llegado el momento, sabe hacer lo correcto.

A lo largo de su viaje, nuestros protagonistas visitarán países como Italia, Eslovenia, Hungría o la propia Rumania, En ningún momento, salvo el momento de Italia, podrán entenderse con la gente con la que se cruzan. Un acierto del director, ha sido el de no subtitular los diálogos de los personajes, por lo que los espectadores, al igual que Colombo y Mario, ignoran lo que están hablando. En un primer momento me chocó, pero luego comprendí que era mejor así, para que la audiencia no sepa lo que están hablando los personajes.

El realizador nos muestra los países que visitan los protagonistas, alejados de los lugares típicos que visitan los turistas. Nos muestra aquellos lugares que están alejados del lujo, y lo hace enseñando localizaciones menos comunes. Lo mismo se puede decir de las personas, aquí no esperéis encontraros gente guapa. Son gente de la calle, como cualquiera de nosotros.

Otro de los aspectos a destacar de la cinta, es que Durà pasa de puntillas sobre la guerra de Ucrania, y sobre la inmigración que se produce de los países del Este, hacia Alemania. Son dos breves instantes, pero que sin duda resultan de los más dramáticos en una producción, que cuenta con no pocos momentos dramáticos.

Por ello, cada vez que se producen los golpes de humor o momentos ligeros, son bien recibidos por parte de los espectadores. Y es precisamente Zahera, el que tiene algunos de estos instantes, mostrando su vena cómica, poco explotada por cierto, de la que ha dado muestra en su monólogo Chungo, y que recomiendo ver ya que Zahera tiene bastante talento para la comedia. A ver si más directores le dan oportunidad de demostrarlo.

Ojalá en la futura entrega de los Goya, veamos a ambos actores nominados, ya que sus interpretaciones se prestan a ello. Otro tanto se podría decir de la dirección, el guion y el montaje.

Tanto si sois seguidores de ambos actores, u os gustan las road movies es una cinta que recomiendo ver. Seguro que no os arrepentiréis si la veis. 

A continuación el tráiler de la entrada de hoy:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: Godzilla y Kong: El nuevo imperio

La semana pasada, se estrenó la nueva cinta del denominado monsterverso y que hasta la fecha cuenta con cinco producciones. La entrada de hoy, supone la secuela de Godzilla vs Kong, estrenada hace ya 3 años. El film mantiene el nivel de las anteriores películas, si exceptuamos la que es, para mí, la más floja de todas y que, curiosamente, dio inicio a este universo monstruoso. Me estoy refiriendo a Godzilla, que se lanzó en 2014. Así pues, veamos que nuevas peripecias les aguardan a dos de los monstruos más populares de la historia del séptimo arte.

Dirigida por Adam Wingard, y escrita por Terry Rossio, Jeremy Slater y Simon Barrett, la trama nos cuenta como tras los sucesos de Godzilla vs Kong, Kong se encuentra viviendo de manera pacífica en la Tierra Hueca, mientras Godzilla está batallando con los titanes en la tierra. Pero, cuando una nueva amenaza pone en peligro no solo el nuevo hogar de Kong, sino también el mundo entero, los dos antiguos rivales unirán fuerzas para vencer al nuevo enemigo. 

En el bando de los humanos, repiten de la anterior entrega Rebecca Hall, dando vida a la Dra. Ilene Andrews; Brian Tyree Henry como Bernie Hayes; Kaylee Hotte en el rol de Jia, hija adoptiva de Ilene y que se comunica con Kong y Dan Stevens como Trapper.

Entretenida cinta que cumple más que de sobra, con el objetivo con el que fue realizada. Que no es otro que el de entretener. Desde que comienza, apenas concede un minuto de respiro al espectador. Esto es lo que busco al ver una cinta de monstruos. Ver a los susodichos dándose de hostias, arrasando con lo que puedan y causando destrucción a su paso. Ya si eso, luego se ocupan de poner a salvo a los seres humanos que intentan proteger.

En esta ocasión, la mayor parte del protagonismo recae sobre Kong, siendo Godzilla un invitado. Eso sí, cuando el gran saurio aparece, no deja títere con cabeza. Ya en su primera aparición, derrotando a un Titán en Roma, pone a las claras que las mejores secuencias de acción están reservadas para él. Lo que no quita para que, en la batalla final, y en la anterior en la Tierra Hueca, Kong también haga de las suyas.

Cuando vi el tráiler, me dio buenas sensaciones. Las cuáles, se vieron confirmadas con las primeras críticas y opiniones que fueron apareciendo por las redes sociales. Lo que supone una alegría, ya que, si siguen haciendo cintas de este universo, y todas mantienen el nivel mostrado hasta la fecha, que sigan haciendo más.

En esta ocasión. Godzilla viajará alrededor del mundo. Entre los países visitados, se encuentra nuestro país, más en concreto Cádiz. Se ve que oyó hablar del pescaíto frito, y se decidió a dar una vuelta, ojo, sin causar nada de destrucción. Si es que hay que quererlo.

Hay que agradecer a los responsables de este universo, que cada vez que lanzan una nueva cinta, introduzcan un nuevo enemigo, y no estar siempre recurriendo a los mismos antagonistas. Kong no tanto, pero Godzilla, tanto en su faceta de villano como en la de héroe, cuenta con un buen plantel de secundarios a los que tiene que hacer frente.

La cinta tiene con unos buenos golpes cómicos, buena parte de ellos protagonizados por Kong, y otros por los humanos. Pero el plato fuerte es, como no podía ser de otra forma, los efectos visuales. Los cuales lucen bastante bien, salvo en alguna que otra ocasión en los que se notan las pantallas verdes. Algo que no molesta, pero que hace que uno se pregunte como producciones como Godzilla: Minus One, que se alzó con el Oscar en la reciente celebración de los premios, y que contó con un presupuesto de 10 millones, luzca mejor que en producciones que han costado diez o doce veces más.

Otro de los aspectos a destacar, es su duración. Inferior a las dos horas, por lo que el film pasa en un suspiro. Cuando uno se quiere dar cuenta, y mirar el reloj, ya ha pasado la mayor parte del metraje. Lo que es de agradecer, puesto que no se va por las ramas ofreciendo tramas secundarias que no aportan nada, y que no hacen sino extender sin motivo alguno una duración perfecta.

Aquí no esperéis una secuencia postcréditos que anticipen nuevas aventuras de ambos monstruos. Una vez se acaba la película, no hay más. Por lo que os podéis levantar tranquilamente de vuestra butaca una vez ha acabado la proyección.

Si os gustó la anterior propuesta, o si sois seguidores de ambos monstruos, es una peli que no debéis dejar pasar. Dadle una oportunidad, seguro que no os arrepentiréis en absoluto.

A continuación, el tráiler de la entrada de hoy:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

película: Cazafantasmas. Imperio helado

El pasado viernes, se estrenó la nueva película de la saga Cazafantasmas, y que es secuela del anterior film estrenado hace un par de años. Una vez vi el avance me dieron ganas de verla, pero, una vez vistas las críticas y opiniones de personas que la vieron antes que yo, las expectativas se enfriaron algo. Una vez vista, he de decir que cumple más que de sobra con el cometido con el que fue hecha, que no es otro que el de entretener.

Dirigida por Gil Kenan, que se encarga del guion junto a Jason Reitman y Jason Blumenfeld, la trama nos cuenta como tras los sucesos de la anterior entrega Phoebe Spengler, Mckenna Grace, junto con su madre Callie, Carrie Coon, y su hermano Trevor, Finn Wolfhard, se han mudado a Nueva York junto con Gary Grooberson, Paul Rudd, para retomar el negocio de los Cazafantasmas, viviendo en el edificio donde inauguraron el negocio.

No pasará mucho tiempo, hasta que tengan que hacer frente a una amenaza que podría sumergir a la humanidad en una nueva edad de hielo. Pero nuestros héroes no estarán solos, ya que contarán con la ayuda de los antiguos Cazafantasmas,  Peter Venkman, Bill Murray, Ray Stanz, Dan Aykroyd, y Winston Zeddemore, además de la secretaria Janine Melnitz, Annie Potts,  y de Nadeem, Kumail Nanjiani.

En este caso, tal y como se suele ser norma no escrita, critico y pública no suelen coincidir. He de decir que tampoco me esperaba mucho, tal y como he dicho en el párrafo que inauguraba esta reseña. Pero mis temores, se vieron disipados al poco de comenzar el metraje. Lo que me encontré, fue una cinta muy entretenida y que mantiene el nivel de la anterior.

No hay nuevo bajo el sol. Cuando uno se mete a ver este tipo de producciones, ya sabe lo que se va a encontrar en mayor o menor medida. Dosis de humor, acción y unas gotas de drama, conformando una mezcla que, sin duda, va a satisfacer los paladares de los seguidores de esta saga.

Tal y como ocurrió en la anterior entrega, los papeles de los adolescentes tienen un papel fundamental en el devenir de los acontecimientos, sobre todo en el caso de Mckenna Grace, a quien se le ve más cómoda en esta ocasión que en el anterior film. No en vano, sobre ella recae el mayor peso de la trama, quedando sus compañeros de reparto por detrás.

Uno de los aspectos que más me gustó, fue el villano. Una amenaza que pondrá en no pocos apuros a nuestros héroes. Su aspecto resulta bastante amenazador, no solo por su diseño, sino también por sus poderes. Su historia, que se cuenta a los espectadores, a mitad de metraje, consigue ser lo bastante interesante para que el film nos mantenga más entretenidos.

Otro de los aspectos a destacar, es ver como el universo de los Cazafantasmas se amplia. Puesto que Zeddemore, con sus ingresos, ha creado un departamento donde ampliar el armamento y la tecnología de los cazadores de fantasmas por excelencia, con el que poder hacer frente a las nuevas y peligrosas amenazas fantasmales, que puedan surgir y poner en peligro a la humanidad. 

Algunos de estos fantasmas, por cierto, se encuentran encerrados en este laboratorio, siendo una de ellas esencial para el devenir de los acontecimientos. Se nos dan unas breves pinceladas sobre lo que puede hacer, y eso nos basta. Es decir, no pierden un tiempo innecesario en explicar de donde viene y lo que puede hacer. Lo que, sin duda, favorece en el ritmo.

Por supuesto, no me olvido de los marshmallow, ahora en formato pequeño y que ya aparecieron en la entrega anterior. Pese a ser pequeños de tamaño, siguen haciendo de las suyas y, cada vez que aparecen, consiguen robarse el film. Baste citar como ejemplo, su primera aparición en la cinta hoy reseñada, en donde consiguen arrancar unas buenas carcajadas, además de que su humor dista mucho de ser blanco, y en ocasiones se acerca bastante al de los Looney Tunes.

Si tuviera que poner un pero a la película, sería Bill Murray. Aparece poco, y, en las ocasiones que lo hace, se le nota desganado, como su solo pasara por allí para cobrar el cheque y ya. Lo que choca con las ganas e ilusión que le ponen Hudson y, sobre todo, un Aykroyd que se encuentra muy cómodo en su rol de Stanz. 

Sus apenas dos horas de metraje pasan en un suspiro. Cuando uno quiere mirar el reloj, ya ha pasado más de la mitad de su duración, lo que indica el buen ritmo con el que está dotado el film. Aquí ni le falta, ni le sobra nada, tiene la duración justa para una cinta de estas características.

A mitad de los créditos finales, hay una escena postcréditos que, si bien no supone un avance de una futura entrega, supone una conclusión que nos deja con una sonrisa en la cara.

Tanto si sois seguidores de la saga, como si os gustó la anterior entrega, os recomiendo ver la peli. Pasaréis un rato entretenidos, que es de lo que se trata cuando uno ve este tipo de producciones.

A continuación el tráiler:

libro: Antihéroes

 Hoy de nuevo, vuelven a aparecer por el blog dos escritoras que hacían mucho tiempo que no lo hacían. Y lo hacen, con un trabajo que bebe del cine de superhéroes, pero, como no podía ser de otra forma, también hablan de otros temas que no tienen nada que ver con este género. Aunque, si uno lo piensa bien, los X-Men fueron los primeros en exponer, aunque fuera en formato de cómic, a aquellos que eran diferentes y por ello eran perseguidos. Algo que se remarca en este libro, en no pocas ocasiones.

Escrito por Iria Parente y Selene Pascual, la obra está ambientada en el Madrid de 2018, y nos cuenta la historia de 5 jóvenes, cada uno de ellos con un poder especial que los hace diferentes al resto de personas. Así Mei tiene telekinesis; Alicia es telépata; Cristian es médium; Esther es tiene la capacidad de controlar el tiempo y Yeray tiene la capacidad del teletransporte. Estos muchachos son retenidos por la misteriosa organización CIRCE que los mantiene prisioneros contra su voluntad. Los adolescentes no tardarán en trabar amistad, y tramar su huida del centro. Pero esto, será solo el principio de multitud de peripecias.

Tal y como se puede ver por la trama, las autoras han tirado por la aventura pura y dura, y nos brindan no pocos instantes cargados de acción. Pero también de drama y de risas, en una montaña rusa que apenas concede un momento de respiro a todos aquellos lectores que se acerquen a esta obra. 

A medida que van pasando por diferentes aventuras, los adolescentes irán estrechando lazos de amistad y se darán cuenta que ellos, los que son perseguidos por sus poderes, son los que más amor y comprensión necesitan. Ya que, algunos de ellos, han sufrido una tragedia familiar, o personal, que marcará el uso de sus poderes.

Hay que decir, que los poderes que tienen los chavales molan bastante. E incluso molaría tener alguno de ellos, como el de Yeray. Ya que ¿A quién no le gustaría poder viajar a cualquier parte del mundo en cuestión de segundos? Pero, precisamente, ese poder también se puede usar para hacer el mal. Algo que a nuestros protagonistas no se les pasa por la cabeza. Puesto que, como dice Yeray en un determinado momento, son antihéroes. Usan sus poderes para su propio beneficio, pero sin hacer daño a nadie, hasta que, en un determinado momento, harán uso de sus habilidades hartos de la persecución a la que se ven sometidos por culpa de CIRCE.

Lo que nos cuentan las autoras, no resulta novedoso en absoluto. Baste recordar los ejemplos de Chronicle, o los ya citados X-Men, en donde un grupo de adolescentes hacen uso de sus poderes. En el caso de la ya citada cinta de Josh Trank, la cual recomiendo, se puede observar como estos chavales van haciendo uso de sus habilidades especiales, siendo perseguidos por ello. Pero, una vez más, es la forma en la que lo cuentas la que puede hacer que sea más o menos interesante de cara al público.

Y es precisamente por su narrativa, lo que hace que esta obra, sea adictiva. Las aventuras de los adolescentes, están narradas en primera persona, por lo que conoceremos los puntos de vista de cada uno de ellos. Resulta complicado escoger a uno, puesto que cada uno de ellos tiene su instante para lucirse, sea haciendo uso de sus habilidades o conociendo más acerca de su pasado. 

Una de las señas que caracterizan a estas autoras, es que dan voz a aquellos colectivos o personas que, por sus características, sufren la persecución de aquellos que son diferentes. Algo que ya había aparecido en otras obras suyas aparecidas en este blog, como rojo y oro o títeres de la magia. Aquí, una vez más, el colectivo LGTBIQ+, vuelve a aparecer. 

Con sus obras, ambas autoras no solo entretienen, objetivo que cumplen más que de sobra, sino que también consiguen concienciar a los jóvenes, y no tan jóvenes, que se acercan a leer sus obras, que hay que desterrar los prejuicios que se tengan a aquellas personas que, por unas características u otras, son diferentes al resto.

El libro, cuenta con unas ilustraciones que son una auténtica maravilla y que corren a cargo de Kloe de Saga, quien utiliza su talento para poner rostro y cuerpo a los personajes. Pero también para mostrarnos algún monumento que otro, que nuestros protagonistas visitarán para conocer algunos instantes de paz, los cuales son escasos.

Si os gustan los libros de temática juvenil, cargada de aventuras, pero que a la vez sirven para concienciar a los adolescentes, no lo dudéis y dadle una oportunidad. Seguro que no os arrepentiréis en absoluto.

libro: Diario de un zombi 2. Legado

Hoy de nuevo, vuelve a aparecer un autor que hace bastantes años que no lo hace. Concretamente 10 años, y lo hace con la secuela de una de sus obras más celebradas, cuya reseña podéis leer aquí. Y, la verdad, es que esta segunda parte está bastante bien. Incluso me atrevería a decir que, en algunas partes, incluso supera a su predecesora. Así pues, veamos que nuevas aventuras nos tiene preparadas su creador.

Escrita, al igual que su anterior entrega por Sergi Llauger, la trama arranca 50 años después de los hechos narrados en la primera parte. Gina es una joven cazarrecompensas, que, tras la proposición de su mentor Trevor Castor, se verá envuelta en la búsqueda de Enrico, el protagonista de Diario de un zombi. Lo que ignora la muchacha, es que el camino está lleno de peligros. No solo tendrá que hacer frente a los nuevos zombis, sino también a otros seres humanos que son, tanto o más peligrosos que los muertos vivientes.

Más que interesante secuela, dividida en cuatro partes, en cada una de las cuales, los lectores acompañaremos a Gina, a lo largo de sus peripecias en un mundo devastado por los muertos vivientes. Si bien nos encontramos con dosis de terror, esta segunda parte se puede calificar más de road movie, book en este caso, que de horror. De igual forma, la acción y el suspense, son dos elementos destacados en el devenir de los acontecimientos.

Gina demuestra ser una verdadera crack. A las pocas páginas, uno ya le ha cogido simpatía. Sentimiento que irá creciendo, a medida que vamos conociendo su historia. Y es que, la tragedia la ha acompañado en la mayor parte de su vida. En pocos momentos ha conocido la felicidad o la tranquilidad, y es una persona que viste una coraza, para evitar que le hagan daño. Si tuviera que quedarme con dos momentos de su historia, serían aquellos en los que conoce a dos maestros que serán de gran importancia en su vida. 

Del primero de ellos Quiang, aprenderá a estar en paz consigo misma, a la vez que se convierte en una eficaz luchadora. En estos instantes conoce la calma y deja atrás el odio y la violencia. De Trevor, el segundo, aprenderá todo lo contrario a lo enseñado por Quiang. Trevor saca lo peor de ella, y a usar las armas, que ella prefiere no usar y que marcará el resto de su vida, tal y como se nos cuenta en un determinado momento del libro, y que tendrá una importancia notable.

Se dice que un héroe ha de enfrentarse a un gran villano. Si bien a lo largo del libro Gina hace frente a unos cuantos, ninguno es tan peligroso como la amenaza que representa Trevor. Un cabronazo integral al que le deseas lo peor. Y, pese a ello, el tío tiene carisma. Sergi ha compuesto un villano que, cada vez que aparece, consigue ganar la atención de los lectores. Si tuviera que establecer un símil, Trevor sería alguien parecido a Negan, el villano más carismático de The walking dead, antes que iniciase su camino a la redención.

En esta segunda parte, Sergi no solo retoma al personaje de Erico, sino que también lo hace con el que fuera el principal antagonista de la primera parte, el arcángel. En esta ocasión, tal y como hiciera Chuache en Terminator 2, se pasa al lado del bien, cuando Gina le dicta una serie de comandos para que ejerza de protector. Este guardaespaldas tendrá el nombre de Trece, y demuestra ser muy eficaz en su tarea de aliado. A medida que van pasando los días, irán estrechando los lazos y estableciendo una curiosa relación. Tal y como ocurría entre John Connor y el T-800. Según iba leyendo, no pude evitar acordarme del film de Cameron.

Pero, como si se tratase de un buen thriller, Sergi se esconde un par de giros que pillarán desprevenidos a los lectores. Por supuesto que no voy a desvelar las sorpresas, ya que os reventaría el encanto de las mismas. 

El final, que tampoco voy a decir, lo deja abierto a una tercera parte, la cual esperamos que suceda. Ya que aún quedan aventuras por sucederse, y, si las mismas mantienen el nivel mostrado de sus predecesoras, la misma será más que bienvenida.

Como si se tratase de un DVD o Blu-ray, Sergi nos regala un pequeño extra a modo de relato de Minuto Tres, alguien relacionado con Gina y a quien nombran en no pocas ocasiones a lo largo del libro. Con este breve relato, conoceremos algo más de su historia.

Tanto si os gusto la primera entrega, como si os gustan los libros ambientados en un mundo apocalíptico lleno de zombis, este es un libro que os recomiendo. Sus casi 500 páginas no se hacen pesadas en absoluto. A lo largo de las mismas, conseguiréis reír, llorar y emocionaros con las peripecias de Gina y Trece. Ya que a este protector también se le coge cariño, sobre todo a medida que va estrechando su relación con Gina.

libro: La silla

A lo largo de mi vida lectora, pocos autores de terror han conseguido hacérmelo pasar de verdad mal con sus obras. Jack Ketchum es uno de ellos, David Jasso es otro. No es el el primer libro que leo del escritor maño, pero si que es el primero que aquí se reseña. Una de sus mejores obras, que estuvo tiempo descatalogada, y que ahora, gracias a la editorial Apache libros, podemos disfrutar de nuevo, y en su edición definitiva, que, como si fuera un Blu-ray, viene cargada de jugosos extras.

Con prólogos de Ana García de Polavieja, que también se encarga de la corrección de la obra, y Antonio Torrubia, la trama nos cuenta como Daniel Lonces, un autor de terror exitoso, decide experimentar sobre si mismo lo que es estar atado a una silla, sin posibilidad de soltarse, para documentarse mejor para su nueva obra. Una serie de desafortunados acontecimientos, harán que soltarse sea su principal objetivo para salvarse no solo a él, sino también a su mujer e hijo de pocos meses de edad.

Ya la premisa me ganó. Lo que desconocía, era que me iba a mantener enganchado de esa forma. El autor se toma su tiempo para ponernos en situación, hasta que, ocurre el desencadenante que lo va a iniciar todo. Una vez ocurre, comienza una carrera contra el tiempo, la sed y el hambre, ante la que poco puede hacer el protagonista.

Jasso, no solo se lo hace pasar mal a su personaje, quien putada tras putada no parece poder liberarse. Una vez consigue un pequeño avance, otro suceso empaña la pequeña victoria anterior. Y es que, no son pocas las ocasiones en las que uno quiere introducirse dentro de la obra, y echar una pequeña mano a Daniel. Quien también, todo hay que decirlo, se podía haber inspirado de otra manera a la hora de reflejar el sufrimiento del personaje de su nueva novela.

Daniel es un personaje con aristas, tal y como no se tarda en revelar. Ya sea en las primeras páginas del libro, como de forma posterior. Tranquilos, no voy a revelar una de las múltiples sorpresas, que nos tiene guardadas Jasso. Son esos pequeños ases, que se guarda debajo de la manga el autor maño, los que le permiten ganar la partida que mantiene no solo con nosotros, sino también con su personaje.

A Jasso, no le hacen falta dosis de hemoglobina. La misma, salvo pequeños detalles, brilla por su ausencia. Lo que al escritor le interesa, es la tensión, la ansiedad, el aislamiento, la impotencia o los remordimientos. Con esos elementos, construye una obra que va ganando velocidad, a medida que avanzamos en su lectura. Apenas concede un momento de respiro, tanto a su personaje como a nosotros los lectores.

La totalidad de la obra, salvo algún capítulo que otro, esta ubicada en una sola localización, la casa de Daniel. Y, cuando abandonamos este espacio, es solo para conocer a otros personajes, sobre todo cuatro, que tendrán un papel determinante en el devenir de los acontecimientos.

La obra, salvo dos momentos concretos, tiene un carácter cien por cien real. Lo que le sienta de maravilla a la obra. Estos momentos de índole sobrenatural, no molestan en absoluto. Es más, diría que hasta enriquece la obra, una conclusión que, por supuesto no voy a desvelar.

Los extras antes comentados, se componen de dos relatos breves. La rueda del autobús, de importancia capital en La silla, y Las palabras. Con el primero de ellos, uno lo pasa bastante mal, y genera bastante mal rollo. Prefiero no desvelar nada del argumento, para que os sorprendáis como hizo, aquí el que suscribe, al leerlo. Tan solo puedo decir, que nos deja con una sensación bastante incómoda en el cuerpo, a pesar de que no hay nada de sangre, Pero son las palabras, las que consiguen ese efecto.

Gracias a Apache libros por volver a editar esta obra. Os la recomiendo de verdad, sus escasas trescientas páginas, incluyendo los añadidos ya citados, se pasan volando. Una vez que lo leáis, tal vez veréis las sillas de otra forma.

Dune: parte 2

Una de las reglas no escritas dentro del cine, es que segundas partes nunca fueron buenas. Algo que, por fortuna, no siempre suele ocurrir. Baste citar como ejemplo, Aliens; Terminator 2; El imperio contraataca o El padrino 2, tan solo por citar los casos más claros. A estos casos, se les une ahora la entrada de hoy. Una producción, que se ha hecho esperar, pero que, como se suele decir, la espera ha merecido la pena. Un film que dejará una buena impresión, tanto a los aficionados a la ciencia ficción, como a aquellos que son seguidores de su director.

Dirigida por Denis Villeneuve, que se encarga del guion junto a John Spaits y Craig Mazin, la cinta arranca donde lo hizo la anterior, con Paul Atreides, Timothée Chalament, y su madre Lady Jessica, Rebecca Ferguson, uniéndose al pueblo Fremen liderado por Stilgar, Javier Bardem, y donde está Chani, Zendaya, que se convertirá en el interés amoroso de Paul, mientras planean una revolución contra los Harkonnen, liderados por el barón, Stellan Skargarsd, a quien ahora se une su sobrino Feyd, Austin Butler, un gran peligro. La batalla por Arrakis ha comenzado.

A los intérpretes arriba citados, cabe señalar los nombres de Florence Pugh, como la sobrina del emperador; Christopher Walken como el emperador, y, retomando sus roles de la primera parte, Dave Bautista como el sobrino del emperador; Josh Brolin como el mentor de Paul y Charlotte Rampling como la reverenda madre Helen Mohiam.

Impresionante, no se me ocurre otra forma de definir a este film. No solo por su duración, sino también por la espectacularidad de algunas de sus imágenes. Un montaje que, a pesar de su duración, cercana a las tres horas, no se hace pesada en ningún momento. A pesar que, en algunos momentos, se tome sus momentos de pausa, para, de forma posterior, introducir escenas de acción las cuales, estaban casi ausentes en su predecesora.

Algo que me sorprendió, y que ignoraba, es la carga religiosa que posee la secuela. Si estaba presente en la de David Lynch, es algo que ignoro, puesto que hace mucho tiempo que la vi. En esta ocasión, la religión tiene un peso fundamental en la trama, y en el devenir de los acontecimientos. No solo por el rol que va a desempeñar Paul, y en su relación con los Fremen, sino también por la importancia que tendrá Lady Jessica. 

También hay que destacar, las ya citadas secuencias de acción, Ignoro si las partes con los ejércitos, contaron con extras, o fue todo creado por ordenador. Pero las mismas, que tienen lugar en el tercio final de la cinta, hace que uno se quede con la boca abierta, debido al desarrollo de las mismas. No solo por como están planificadas, sino también por la ejecución de las mismas.

Uno de mis momentos favoritos, por citar alguno, y que se pudo ver en el tráiler, es cuando Paul consigue superar la prueba de domar a un gusano de arena, lo que le convierte en uno más de los Fremen, además de acercarle, un poco más, a su rol como el mesías que salvará a Arrakis. La forma en la que está contado, no es novedosa en absoluto. Baste citar como ejemplo, la primera parte de Avatar, cuando el personaje encarnado por Sam Worthington, consigue domar a la bestia alada Ikran. Pero si que está contada, de una forma que te mantiene en tensión.

Desafortunadamente, no todo puede ser bueno. Si bien los actores realizan unos buenos roles, destacando a Chalament, Ferguson y Bardem, que roban la cinta, no puede decirse lo mismo de Zendaya, cuya química con Chalament es inexistente. La actriz, famosa por su rol como Mary Jane en Spiderman, aquí no puede demostrar sus dotes como intérprete, algo que si puede hacer en Euphoria, donde demuestra sus dotes como actriz dramática, algo que aquí, por desgracia, no hace.

Otra cosa que no me acabó de convencer, es que te deja con la miel en los labios. Sin desvelar nada de la conclusión, te lo deja de forma abierta a una nueva entrega. Algo que, si nada se tuerce, se puede dar en un futuro, puesto que Villeneuve, ha dicho que se puede producir si las cifras acompañan. Algo que, sin lugar a dudas, se puede producir.

Otra cosa que no me acabó de convencer, es su pareja protagonista. Tanto Zendaya como Chalament carecen de química, algo que, en opinión de quien esto suscribe, es un grave error. Si uno quiere implicarse en la relación de ambos, te tiene que importar lo que les pase a cada uno. Cada vez que comparten plano, y no son pocas las ocasiones en que lo hacen, no hay chispa alguna entre ellos. Parece que se estén diciendo la lista de la compra.

Lo que no hay que negar, es que el realizador canadiense le tiene tomada la medida a la ciencia ficción. Algo que demostró, no solo en la primera parte de Dune, sino también en esa maravilla llamada La llegada y en la más que digna Blade Runner 2049.  El director hace cine blockbuster, si, pero sin por ello ignorar el sello de autor. Una cosa no quita la otra.

Tal y como he dicho unas líneas atrás, el estreno se hizo esperar. Pero, sin duda, va a cumplir las expectativas en ella depositadas. No es una cinta perfecta. Aquellos que hayan leído la obra originar de Herbert, sin duda echarán en falta algún detalle que otro. Algo de lo que no puedo opinar, puesto que aún no he tenido la oportunidad de leerla. Aquí estoy dando mi opinión, de la adaptación de la misma. La cual, me ha parecido bastante notable.

Tal vez, en la siguiente entrega de los Oscar, podamos ver a Dune parte 2, en la categoría de premios técnicos y, quien sabe, si en los apartados de guion adaptado y dirección. De lo que no hay duda, es que no nominarla en las categorías de fotografía o efectos especiales, sería un gran error.

Tanto si os gustó la primera parte, como si sois amantes de la ciencia ficción, esta es una cita cinematográfica que no debéis dejar pasar.

A continuación, el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

libro: Monster show

Según decía Lovecraft "la emoción más antigua y más intensa de la humanidad es el miedo, y el más antiguo e intenso de los miedos es el miedo a lo desconocido". Y es que, en eso de hacérselo pasar mal a sus lectores, el maestro de Providence sabía un rato. El ensayo de la entrada de hoy, nos habla de forma amena y bastante completa, de aquellos mitos del terror que, desde hace casi cien años, forman parte tanto del imaginario colectivo, como de la historia del cine.

Escrito por el recientemente fallecido David J. Skal, y publicado hace casi 30 años, el ensayo se ocupa de analizar, no solo las principales figuras del terror de la historia del cine, con Frankenstein y Drácula a la cabeza, sino también de explicar como estos iconos surgieron y la época en la que fueron trasladados a la gran pantalla, con los consiguientes problemas que ello conlleva. 

Si bien ya conocía alguna que otra anécdota de los rodajes, o de sus principales protagonistas, ya sea delante o detrás de las cámaras, la gran mayoría de las que aquí aparecen, me eran del todo desconocidas. Y es que, no hay nada que disfrute más, que el saber más acerca de la historia del séptimo arte, y de como fue adaptándose a los cambios que iba sufriendo la sociedad.

El presente ensayo, consta de catorce capítulos, cada uno de los mismos dedicado a una figura del horror, así como a los diferentes filmes que ya forman parte del  cine. A través de sus páginas, Skal va relatando a los lectores algunos de las cintas clave del terror, tales como Freaks, Drácula, Frankenstein, El hombre lobo o Carrie, por citar algunos de los títulos analizados. 

Resulta bastante curioso, como el autor va enlazando temas como la guerra, la menstruación o la sexualidad, con los títulos arriba citado. Lo hace además, de un modo en el que apenas te das cuenta. Baste citar como ejemplo, cuando se le entrevista a Tom Savini, e hila su experiencia en la guerra de Vietnam, y como se sirvió de la misma para crear los efectos de maquillaje para Zombi, la secuela de La noche de los muertos vivientes, ambas dirigidas por George A. Romero.

Pero no solo nos vamos a encontrar con directores o actores, sino también con escritores como Stephen King, quien gracias a una revista especializada en cine de terror, descubrió su amor por los monstruos, además de mandarles uno de sus primeros relatos. Además, estas revistas también publicitaron el lanzamiento de figuras basadas en Drácula o Frankenstein.

Al hablar del terror, el autor no puede dejar pasar la oportunidad de hablar de uno de los monstruos clave del horror de los 90 como es Hannibal Lecter. Y es que, el famoso psiquiatra caníbal encarnado por Anthony Hopkins, tenía que formar parte del presente ensayo, ya que, a diferencia de los seres de carácter sobrenatural, él es real, y puede cometer atrocidades igual, o incluso mayores, a la de sus homónimos fantásticos.

Según iba leyendo, más iba disfrutando. No solo por la narración del autor, sino también por la forma en que lo hacía. Skal parecía ser un tipo genial, de esos con los que te tomas unas cañas y, el tiempo pasa volando al ir desgranando multitud de anécdotas de un tema que apasiona a ambos.

Por si esto fuera poco, el libro se complementa con fotos del rodaje, multitud de fotografías de carteles originales de cine, ya sean de su estreno norteamericano o internacional o instantáneas de aquellas personas que, de una forma u otra han sido citadas a lo largo del volumen.

Tanto si os gustan los ensayos sobre el terror, como si sois apasionados del cine en general, este es un volumen que no deberíais dejar pasar. Su longitud de casi 500 páginas, se pasa en un suspiro.  Una lectura recomendable al 100%.

película: Ferrari

Hay directores, por los que uno tiene una especial simpatía o debilidad. Ya sea por la forma en la que dirigen, por como cuentan las historias o, simplemente, por que nos gusta y no sabemos explicar del todo bien la razón. En mi caso, son unos cuantos. Uno de ellos, es el realizador de la entrada de hoy. Entre sus títulos se encuentran Heat, El dilema o El último mohicano, por citar los más reconocidos. Por supuesto, me refiero a Michael Mann, quien hace poco estrenó en salas su nueva propuesta, centrada en una parte de la vida del creador de la mítica marca automovilística Ferrari. Así pues, veamos que nos presenta el bueno de Mann.

Dirigida por Michael Mann, que también se encarga del guion junto a Troy Kennedy Martin, adaptando la obra Enzo Ferrari: The Man, The Cars, The Races, The Machine de Brock Yates, la trama nos cuenta como en 1957 Enzo Ferrari, Adam Driver, está obsesionado con ganar la carrera de las mil millas. A la vez que lidia con su vida personal, en la que intenta compatibilizar su vida de casado junto a su esposa Laura, Penélope Cruz, con la de su amante Lina Lardi, Shailene Woodley, madre de su hijo Piero, Giuseppe Festinese.

Además de los intérpretes arriba citados, en el reparto también nos encontramos con Patrick Dempsey, en el rol de Piero Taruffi, piloto de la escudería Ferrari, o Gabriel Leone, dando vida a Alfonso del Portago, otro conductor de la famosa marca de coches.

Apenas sabía nada del argumento, cuando fui a verla. Pero de lo que estaba seguro, era de que me iba a gustar. Mann es un realizador que no suele defraudar. Y aquí, y van unas cuantas veces, vuelve a dar muestras de su talento tras las cámaras. Una vez más, el realizador de Ladrón, vuelve a los hechos reales, como ya hiciera en Ali, o en la ya citada El dilema, para poner en pantalla grande una parte de la vida de una persona clave, no solo en la historia del automovilismo, sino también en los coches de gran cilindrada.

Al tratarse de un film ambientado dentro de la Formula 1, esta tiene una gran importancia en el tercio final de la cinta. Los momentos de la carrera, están rodados con una gran planificación, y los espectadores parecen estar dentro de la carrera. Algo que también se ha podido apreciar, en otras producciones recientes ambientadas dentro del mundo de las carreras, como Rush, que narraba la competición entre Niki Lauda y James Hunt, encarnados respectivamente por Daniel Brühl y Chris Hemsworth, o Le mans 66, que contaba en su reparto con Matt Damon y Christian Bale, dando vida a Carroll Shelby el primero, y Ken Miles el segundo.

Algo que me sorprendió, fue que en ningún momento tanto Mann como Kennedy, nos quieren presentar a Ferrari como un santo. Ya desde el comienzo, nos lo presentan como alguien adultero, con una actitud bastante fría, y al que parece que solo le importa ganar la carrera de las mil millas. Algo que, como se demostrará más adelante, no es del todo cierto. Y que todo parece ser una coraza, para protegerse de una perdida personal que aún no ha superado.

Driver vuelve a demostrar, una vez más, que es uno de los mejores actores de su generación. Capaz de pasar de grande superproducciones, como la saga Star Wars, a productos menos comerciales como el film de Mann, o sus colaboraciones con Jim Jarmuch. Aquí encarna a un personaje que no llega a ser del todo agradable, salvo en contadas ocasiones.

Otro tanto se podría decir de nuestra Penélope Cruz. Actriz que, de un tiempo a esta parte, parece desarrollar su carrera en Hollywood, donde da muestras de su talento dramático como en la cinta aquí reseñada o El consejero, cinta a reivindicar. Aquí, la galardonada intérprete, da vida a una mujer fuerte, nada dependiente de su marido, y que, en no pocas ocasiones, dará muestra de una fortaleza y voluntad increíbles. Su rol tampoco no es agradable, pero por lo menos se pueden comprender sus acciones.

Si tuviera que destacar dos momentos de la producción, uno sería el de la opera. Instante en el que el montaje tiene una gran importancia. En el momento en que se representa la canción, los personajes principales de la cinta, recuerdan sus momentos felices. Un gran acierto.

El segundo instante es, por supuesto, la carrera de las mil millas. Y, sobre todo, un determinado momento, basado en un hecho real, que hace que te quedes con la boca abierta, por las consecuencias que trae. Tanto para Ferrari, como para el evento en sí. Apenas dura unos minutos, pero los mismos te golpean de forma dura.

Sus poco más de dos horas, no se hacen pesadas en ningún momento. Si tuviera que ponerle algún pero a la producción, es que más minutos no me hubieran venido mal, aunque fuese para explicar, de forma breve, el origen de la carrera y la rivalidad entre Ferrari y sus competidores.

Tanto si sois seguidores del cine de Michael Mann, como si os gusta la Fórmula 1, u os gusta Adam Driver, es una cinta que no deberíais dejar pasar, ya que ha de verse en pantalla grande, para poder disfrutar mejor de la experiencia.

A continuación, el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

libro: Carne de tu carne

Pasar de escribir relatos, a una novela, no suele ser fácil. Quienes se dedican a ello, han de tener las ideas muy claras, a la hora de trasladar sus ideas al folio en blanco. No es lo mismo hacerlo en pocas páginas, que hacerlo en una extensión más amplia. Por fortuna, la autora que hoy aparece aquí, ha salido airosa de la situación. Desde aquí, dar las gracias a la editorial por hacerme llegar un ejemplar de cortesía, con el que ha sido posible la entrada de hoy.

Escrito por Tamara López, la trama nos cuenta como en la Andalucía de los años 50, la vida de Francisco cambiará al encontrarse con el padre Cristóbal. Toda su vida se tambaleará al escuchar la propuesta del sacerdote, puesto que pondrá en peligro a toda su familia en caso de rechazar el trato.

Después de haberse fogueado en multitud de antologías, ya sea en colaboración o en solitario, como ocurrió aquí, la autora publica su primera obra larga, y esperemos que no sea la última. Para ello, ha elegido el género de terror, con toques sobrenaturales, pero basada en hechos reales. La historia, desde luego, se presta al toque de otro mundo.

El libro arranca a principios del siglo XX, para posteriormente dar un salto al año 2020. Pese a que en un principio pueda resultar extraño, no lo es en absoluto. Ambos episodios, sirven para presentar al que será el villano principal de la historia, y al hijo del protagonista principal, para luego, trasladar su acción a la Andalucía de finales de los años 50 del siglo pasado, y presentarnos al que será el protagonista principal, Francisco.

La vida de Francisco, como la de muchos españoles de la posguerra, es bastante dura. Con familia numerosa y sin apenas dinero para mantenerla. El paisaje que se le presenta no es nada halagüeño, y la propuesta que le hace el cura, es, cuanto menos tentadora. Pero, teniendo en cuenta la naturaleza del que fuera párroco, el aceptarlo tiene sus consecuencias, al igual que rechazarlo, tal y como comprobará nuestro protagonista en no pocas ocasiones.

Desde luego, que el dilema moral que le plantea el sacerdote al protagonista es, cuanto menos, tentador. Más, teniendo en cuenta la situación de Francisco. Pero, el precio a pagar es demasiado alto. Es aquí, donde entra en acción la voluntad del protagonista. Una fuerza de voluntad a prueba de bombas, a pesar que Cristóbal no se lo ponga nada fácil.

A Tamara, no le hacen falta grandes dosis de sangre o sustos para conseguir asustar a todos aquellos lectores, que se acerquen a esta obra. Tan solo le bastan un par de instantes, sobre todo el primero de ellos, para conseguir impactar. Es en un determinado momento, del todo inesperado, que hace que uno suelte una exclamación de sorpresa ante lo que acaba de pasar.

Se suele decir que un héroe, necesita de un gran villano al que enfrentarse. Y, desde luego, el padre Cristóbal lo es. Ya desde su primera aparición, la autora consigue que no nos caiga bien. Si pensabais que el padre Isidro, némesis de los héroes de Los caminantes de Carlos Sisi era un cabronazo, eso es por que todavía no habéis conocido al padre Cristóbal.

Uno de los aspectos que más me gustó de la obra, fue el diario de nuestro protagonista. Donde, poco a poco, irá desvelando a los lectores la propuesta del sacerdote, y lo que ocurre al rechazar. Son en estos instantes, y en otros posteriores, donde el horror hace acto de presencia, y la novela adquiere tintes sobrenaturales. No sé si fue intención de la autora o no, pero el párroco me recordó al reverendo Henry Kane, el villano principal de Poltergeist 2. Tanto por su presencia, como por aire maligno que desprende.

El libro cuenta con poco más de 100 páginas, por lo que, si como un servidor, sois lectores voraces en un par de horas os lo habréis acabado. Aquí, unas pocas páginas más no le hubieran venido mal, pero, ya sabéis el dicho, lo bueno si breve dos veces bueno.

Pero, lo que realmente llama la atención, es la revelación final de la autora en los agradecimientos. Es el as bajo la manga de Tamara. Por supuesto, no lo voy a desvelar, y prefiero que seáis vosotros, futuros lectores, quienes lo descubráis como hice yo.

Un buen debut novelístico de una autora, que, esperemos, siga ofreciendo buenas historias, tal y como hizo en sus relatos, y como ha hecho en su debut en formato novela.

Si os gustan las historias de fantasmas, con fuerte base real, este es un libro que recomiendo leer.

libro: Ocurrió en Texas. El oscuro linaje de la familia Sawyer

Si a cualquier aficionado al cine de terror, le preguntasen por los tres principales del asesinos del género, lo más seguro es que nombre a Freddy, Jason y Michael Myers. Tal vez alguno cite al protagonista de la entrada de hoy, y que fue el primero de todos ellos, puesto que su película se estrenó antes de la llegada de todos ellos. Armado con su fiel motosierra, ha hecho estragos a lo largo de sus cintas, ya sean secuelas, reboots o remakes. Así pues, veamos que nos depara este libro.

Escrito por Andrés Paredes, que ya apareció por aquí hablando de la saga Psicosis ahora hace lo propio con La matanza de Texas. en un ensayo en el que, a lo largo de diez capítulos analiza cada una de las cintas pertenecientes a esta serie de terror. Donde encontramos una pequeña introducción sobre como encender una motosierra, y dos entrevistas a Marcus Nispel, director del remake de La matanza de Texasdel 2003, y a Edwar Payson, realizador del documental In search of all American Massacre: The lost Texas Chainsaw film y que cuenta con su correspondiente apartado.

El primer capítulo, está dedicada a la figura que inspiró no solo a Cara de cuero, sino también a Norman Bates o Hannibal Lecter. Por supuesto, ya habréis adivinado que me refiero a Ed Gein. Un psicópata de carne y hueso, que hizo de las suyas y cuyos crímenes, a día de hoy, siguen siendo bastante salvajes.

Es a partir del segundo capítulo, y uno de los más extensos del ensayo, donde se empieza a desgranar la génesis de la saga. Y es que, poco podía imaginar Tobe Hooper cuando hizo su film más conocido, además de Poltergeist, que sería no solo el inicio del nacimiento de un icono del terror, como he mencionado en la introducción, sino también el comienzo de una saga que, en mayor o menor medida, ha aterrorizado a generaciones de espectadores a lo largo de las décadas. De lo que no hay duda, es que el rodaje fue un autentico infierno, tanto a lo ajustado del presupuesto, como a las condiciones a las que se vieron expuestos los actores, sobre todo la pobre Marilyn Burns.

En los siguientes apartados, el autor nos irá desgranando de forma amena, las posteriores producciones que siguieron a la original. En el capítulo dedicado a la secuela, otro de los más extensos, Paredes desvela que el hacer la segunda parte, también tuvo su miga. No solo por los múltiples problemas de derechos, sino también por las constantes intromisiones de sus productores. No hay que olvidar que fue la Cannon, la encargada de poner el dinero para que la tardía segunda parte, hecha más de diez años después de la original.

Algo que desconocía por completo, y que me sorprendió leer en un par de capítulos, era que se hicieron una película inacabada, All american massacre, y que ha sido objeto de un documental como he mencionado anteriormente, además de un film en 3d y de dos filmes donde se nos narraba el origen de Cara de cuero, siendo el segundo de 2017 y dirigido por la dupla de directores franceses responsables de Al interior, film no apto para todos los estómagos. Una vez leído el libro, me ha picado la curiosidad y me ha tentado verlo.

Cara de cuero ha ido evolucionando con el paso del tiempo, al mismo tiempo que lo han hecho sus filmes. A cada nueva entrega, sus responsables se encargaban de darle una nueva capa a este psicópata. Algunas de ellas más acertadas que otras, he de decir, una vez leído el ensayo. Pero, si en algo coinciden cada una de las encarnaciones de este personaje, es su fascinación por la motosierra y el martillo.

El problema que tiene una saga tan larga, es que, en no pocas ocasiones, se suelen contradecir una a otra, salvo en el caso de las dos primeras entregas. Y que se dará en las estrenadas a partir de la década de los 2000. Algo que no puedo entender, ya que, a mi modo de ver, no cuesta nada ponerse en contacto con los responsables de la anterior entrega y ponerse de acuerdo con lo que tu vas a contar. De esta forma, a medida que se iban estrenando las nuevas entregas, conocíamos a más miembros de la familia, pero también se nos cambiaba lo que habíamos visto en la predecesora, lo que puede resultar lioso.

Otro problema que he visto una vez acabada su lectura, es que si bien el autor ha hecho un gran esfuerzo a la hora de ver toda la saga, es que no todas merecen la pena el verlas, al menos en opinión de quien esto suscribe. Algunas de ellas parece que se hicieron por hacer, tan solo por no perder los derechos del personaje, y sin importar si el producto final podía resultar más o menos interesante a la audiencia a la que iba dirigido.

Como viene siendo costumbre en los ensayos de Applehead, encontramos multitud de anécdotas y numerosas fotografías, de cada una de las cintas analizadas.

Tanto si sois fans de la saga, como si queréis saber más acerca de la misma, este es un libro que no deberíais dejar pasar. Una vez más, Applehead vuelve a dar en el clavo a la hora de ofrecer un producto bien cuidado y que satisface la curiosidad de los seguidores de uno de los personajes clave del cine de terror.