libro: Carpas para la Wehrmacht

Muy buenas a todos. Hoy os traigo un libro de un escritor checo que es poco conocido en nuestro país, pero que gracias a la labor de la editorial Sajalín podemos disfrutar de la obra de la que hoy vengo a hablaros, así como de otra que aparecerá en un futuro. En un marco tan duro como es el de la Segunda Guerra Mundial, el autor consigue hacernos ver la cara amable de este conflicto armado sobre todo gracias a la figura de su padre. Vayamos al pasado para conocer las peripecias de nuestro protagonista y de su progenitor. ¿Listos? Allá vamos.

Escrito por Ota Pavel, escritor checo, nos describe en diversos relatos autobiográficos parte de su vida con un protagonista claro, su padre Leo Popper. Con un carisma arrollador y siendo un gran soñador era capaz de proezas como vender aspiradoras a gente que carecía de electricidad. Pero la llegada de los nazis a Checoslovaquia, hará que el padre de nuestro protagonista tenga que poner a prueba su ingenio para sacar adelante a su familia.

En un libro que consigue mantenerte con una sonrisa en la cara la mayor parte del tiempo, a pesar de que hay momentos en los que las peripecias por las que pasan la familia de nuestro protagonista disten mucho de ser divertidas. El autor, a través de sus páginas rinde un sincero homenaje a la figura de su progenitor y a su ingenio en diversas situaciones, tanto en los tiempos anteriores en la Segunda Guerra Mundial, como en pleno conflicto y una vez ha acabado el mismo.

Una de las partes más duras de la novela, es cuando tanto su padre como sus hermanos son encerrados en campos de concentración y Ota ha de traer comida al hogar en el que vive con su madre. El autor elude contar al lector las vicisitudes por las que pasaron, tan solo se limita a narrarlo en un par de líneas lo que supone sin duda un acierto. El haber contado la situación de los familiares hubiera sido un cambio brusco con lo que era el tono general del libro hasta el momento.

En la obra hay partes muy emocionantes y que consiguen que al lector se le ponga un nudo en la garganta, como por ejemplo el capítulo que tiene lugar en Navidad. Tiene el toque sensible justo, capaz de emocionar al espectador pero sin caer en la lagrima fácil.

El libro, con una extensión de poco más de cien páginas hace bueno el dicho de que "lo bueno si breve dos veces bueno". Es una lectura que se disfruta desde su primera hoja hasta su final, donde Leo es el verdadero motor de la historia, con un carácter a prueba de bombas e incapaz de arrojar la toalla por muy dura que esté la situación.

Como se afirma en la contraportada de la novela, "solo un prisionero de la depresión podía escribir el libro más antidepresivo del mundo". Una vez uno ha concluido su lectura, no podría estar más de acuerdo con Mariusz Szczygiel, autor de esta frase y que se encarga del epílogo del libro.

Sajalín ha vuelto a dar en la diana al traer a sus lectores obras que permanecen inéditas en nuestro país y que resultan menos conocidas por el gran público. Desde aquí les damos la enhorabuena por seguir trayendo estos libros de autores desconocidos en nuestro país.

Si buscáis una novela que os llegue al corazón enmarcada en la Segunda Guerra Mundial,, esta sin duda es una buena elección.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

libro: Tom z Stone All you need is love

Muy buenas a todos. La entrada de hoy supone el reencuentro y a la vez despedida de uno de los personajes más carismáticos del género Z patrio. En la que es la última parte de su trilogía, nos volvemos a encontrar con este detective socarrón en una Valencia alternativa, en la que zombis y seres humanos conviven. Poneos vuestro sombrero, abrid un paquete de cigarrillos y una botella de Jack Daniel´s para acompañar a este investigador privado en su tercera parte. ¿Listos? Allá vamos.

Escrita de nuevo por Joe Álamo, el autor nos presenta a Tom Stone enfrentándose a un peligroso enemigo conocido como La Antorcha, a la vez que ha de decidir su futuro, volverse a encontrar con la que ahora es la jefa del crimen Eva Espinosa e intentar arreglar las cosas con su secretaria y amor verdadero Mati.

Volver a encontrarse con Tom es como hacerlo con un viejo amigo al que no ves desde hace tiempo. Te alegras un montón de volver a verlo, conocer que nuevas cosas le han ocurrido, darle un gran abrazo. Pero a la vez sientes esa punzada de tristeza al saber que puede que esa sea la última vez que os volváis a ver. Eso es lo que ocurre con este personaje, después de mucho esperar por fin nos llegó su última parte. Nos hemos emocionado al volver a saber de él, pero el conocer que no habrá más Tom nos crea una sensación agridulce.

El libro es muy adictivo, con una narración ágil que hace que te resulte complicado el dejar su lectura, pero a la vez lo quieres dejar. Quieres alargar el momento lo máximo posible, pero llega un momento en que todo se acaba, y esta novela no es ninguna excepción.

Cómo suele ser norma no escrita dentro del género negro, está narrado en primera persona por el personaje de Tom. Pero también el autor la usa para ofrecernos el punto de vista del antagonista de nuestro héroe, algo que resulta novedoso y que no había  empleado en sus dos primeros libros sobre el detective z. Álamo también utiliza la tercera persona, cada vez que uno de los dos personajes antes nombrados no aparecen. Los cambios se realizan con fluidez y en ningún momento llegan a despistar a los lectores..

Álamo de nuevo rinde homenaje a dos de los iconos dentro de la literatura negra, Sam Spade y Philip Marlowe interpretados por Bogart. La forma de comportarse, actuar, es la que ambos investigadores tendrían hoy día si sus aventuras se siguieran publicando, con la salvedad de que Tom es un muerto viviente que mantiene intactas sus capacidades deductivas e intelectuales pero que tiene un período de vida limitado. Tiempo que se ha extendido a lo largo de sus tres aventuras, en las que  le hemos acompañado en sus casos y llegado a cogerle cariño.

En su última aventura, el autor nos presenta a un Stone crepuscular. Sigue siendo socarrón pero ha perdido parte de esa mala leche que tenía  en sus dos  primeros volúmenes, Tal vez es consciente que su nueva andadura en la tierra está por concluir, por lo que quiere intentar darle un sentido a su vida y pasarlo con la persona que quiere. Aquí es más humano, debido al tratamiento de la Dra. Godwin ya presentada, y eso el algo que agradece pero también le aterra. En este aspecto Álamo nos presenta a un Tom más humano que nunca, con unos sentimientos que creía olvidados que le llevan a proteger a aquellas personas, escasas por otra parte, que tienen un peso importante en su vida.

El autor recurre poco a las escenas de violencia, pero cuando estas hacen su aparición no se corta a la hora de describirlas. Ha querido poner toda la  carne en el  asador en la traca final, ofrecernos un gran fin de fiesta y desde luego  que lo ha conseguido. Algunas muertes harían las delicias de los fans del gore de la forma en la forma en la que se encuentran narradas.

El libro ha sido autopublicado por el autor, debido a que la editorial se desentendió del mismo. El tiempo pasaba y nuestro Tom no aparecía, por lo que la presente novela es un regalo del autor a los seguidores de este personaje que le han ido siguiendo a lo largo de los años. Visto el resultado final la espera ha merecido la pena. Álamo nos ofrece el cierre perfecto a las aventuras de este detective zombi. Esperemos que los premios y galardones no tarden en llegar, como ocurrió con sus dos anteriores aventuras.

A lo largo de sus páginas, amigos y conocidos del autor van apareciendo por  las mismas en forma de cameo. Unos acaban mejor y otros peor, unos tienen frase y comparten momento con Tom y otros no. Es un bonito homenaje el ir descubriendo a las amistades en común y que desde luego emociona.

Si habéis seguido las anteriores entregas del personaje, no lo dudéis y haceros con este último volumen. Es un libro que no os va a decepcionar en absoluto. Gracias Joe por habernos entretenido con Tom durante este tiempo.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

comic: Crow

Muy buenas a todos. Se acaba el verano, vuelta a la rutina, para haceros más llevadera la entrada al mes de Septiembre os traigo un comic repleto de humor y del que tuve la suerte de ser mecenas mediante el crowfunding correspondiente. Esta no es la primera vez que el autor y creador del mismo aparece por este blog, puesto que lo hizo de forma previa ilustrando el libro El club de los kakamonstruos ya reseñado. Conozcamos a nuestro protagonista a través de las diversas peripecias que le van ocurriendo. ¿Listos? Allá vamos.

Con guión y dibujos de Kike Alapont, el comic nos narra las aventuras de Crow, un estudiante tímido y con mucha imaginación enamorado de su compañera Sara y de las diversas peripecias que le van ocurriendo para intentar conquistar el corazón de su amada.
 
Ya en la contraportada se nos avisa que no es una obra para sosos. Y desde luego que razón no le falta, además del humor absurdo, también tiene unas gotas de picante y homenajes a la cultura popular en forma de libros, películas etcétera. Por lo que mientras uno va avanzando en la lectura del comic, se divierte encontrando los guiños que el autor ha ido diseminando a lo largo de sus páginas.

El comic consta de 4 episodios en donde nuestro protagonista pasa por diversas aventuras para avanzar en la conquista de su objeto de deseo, algunos de estos capítulos tiene momentos muy hilarantes y otros que te quedas con cara de ¿pero que narices estoy leyendo? Es por ello que hay que saber entrar en el juego que nos propone su creador desde un primer momento.

El dibujo tiene estética de manga y anime japonés, con cabezas grandes; expresiones de colera con grandes testas y afilados dientes; caritas de felicidad etcétera. Mientras lo estaba leyendo, no podía evitar acordarme de comics como Dragon Fall o series como Chicho Terremoto o Bobobo, debido al absurdo de algunas situaciones.

Pero no todo son risas en este primer volumen de las aventuras de Crow, puesto que a modo de extras le acompañan dos pequeñas aventuras. La primera de ellas protagonizada por Ernesto Cino, el dueño de un pub al que acudirá nuestro protagonista, donde se nos narra el origen de este personaje. Es una historia que desde sus primeras viñetas se aleja por completo de lo que hemos estado leyendo antes, los grises cobran gran importancia como para señalar que el tono dista mucho de ser agradable. Esta historieta podría haber formado parte de Creepy, que sonará a los más viejos del lugar, por su trama y viñetas finales.

La segunda historia nos narra una fantasía de Crow en la que por fin ha conseguido el amor de Sara. En tan solo dos páginas el autor consigue mantener a los lectores una sonrisa en todo momento en la cara, para acabar con una carcajada con las viñetas finales. Pese a lo divertido de la historieta, tiene un final amargo como si el sino de nuestro protagonista sería el de no alcanzar el sueño de tener a su amada con él.

La pega que tiene este primer tomo es que se lee muy rápido, cuando te quieres dar cuenta lo has acabado y te quedas con ganas de saber más sobre los protagonistas. Espero que el segundo volumen no tarde mucho tiempo en ver la luz, para conocer que nuevas peripecias le aguardan a Crow y sí será capaz de conseguir conquistar el corazón de su amada o si alguien será capaz de sustituirla.

El comic va saltando de un género a otro sin problema alguno, tan pronto tiene un humor absurdo como que pasa al escatólogico, luego al picante y luego nos regala momentos de terror y de acción. Es una montaña rusa en la que desde luego no da tiempo a aburrirse.

Kike demuestra que es capaz de pasar de un libro infantil a un comic destinado para adultos sin que su estilo se vea perjudicado para ello. Tan solo espero que no quede mucho para que saque su nueva obra para seguir disfrutando de su talento a la hora de dibujar.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

pelicula: Bala blindada vs El fuego de la venganza

Muy buenas a todos. De un tiempo a esta parte venía dándole vueltas a una idea para el blog, hasta que hoy por fin he decidido ponerla en práctica. La intención de la entrada de hoy, así como de futuras entregas si gusta la de hoy, es comparar la fuente original con su remake bien sea una película contra otra o un libro y su adaptación a la gran pantalla. De esta forma la encargada de dar el pistoletazo de salida hoy, es enfrentar a dos films para ver quien resulta vencedor de tan singular combate. Así pues, conozcamos a John Creasy y su búsqueda de venganza contra aquellos que han secuestrado a la niña que debía proteger. ¿Listos? Allá vamos.

Vs 

 

El original dirigido por Elie Chouraqui en 1987 nos contaba como John Creasy, Scott Glenn, es contratado por una adinerada familia italiana para proteger a su hija Samantha, Jade Malle, de ser secuestrada. Entre ambos poco a poco va entablándose una amistad hasta que la niña es secuestrada, desde ese momento Creasy pondrá en práctica sus habilidades para rescatar a la niña.

 

El remake fue dirigido por el fallecido Tony Scott en 2004 y seguía el mismo argumento pero cambiando la localización de Italia a México. Allí John Creasy, Denzel Washington, antiguo agente de la CIA y con problemas con la bebida es contratado por un adinerado matrimonio, Marc Anthony y Radha Mithchell, para proteger a su hija Pita, Dakota Fanning. Cuando la niña es secuestrada Creasy es herido y la operación de rescate de Pita falla, nuestro protagonista no se detendrá ante nada para traer de vuelta a la pequeña a su hogar.

 

Este es de los escasos casos dentro de la historia del cine en el que un remake es superior al original. Tanto a nivel interpretativo como de dirección y escenas de acción. El original dirigido por Chouraqui no aprovecha del todo las posibilidades que ofrece el guión, algo que si consigue Scott al desarrollar más la historia que Chouraqui al añadir una hora más de metraje, lo que consigue que lleguemos a conocer algo mejor a los personajes que aparecen en la historia y que apenas están dibujados en la cinta interpretada por Glenn. Primer punto para el remake.

 

Vamos a hablar ahora de ambas interpretaciones: el personaje de Glenn se encuentra poco perfilado en el original, se muestra huraño con la niña y poco a poco va cambiando su relación con respecto a ella. En el film de Scott, Washington es un personaje sin nada por lo que vivir, alcoholizado y al que la pequeña interpretada por Fanning consigue que se vaya abriendo mediante conversaciones y la convivencia del día a día. Por eso cuando llega el momento de vengarse tiene un motivo para hacerlo, puesto que le ha cambiado su perspectiva de ver la vida y le ha dado un motivo por el que seguir adelante. Segundo punto para Washington y Fanning, que resulta mucho más simpática que Malle y la relación entre ambos resulta mucho más fluida y tierna que la de Glenn y Malle.

 

Vs

 



En el apartado de los secundarios, en la original pese a contar con dos intérpretes tan solventes como Joe Pesci y Danny Aiello, ambos se encuentran desaprovechados, el primero como amigo del personaje de Glenn y el segundo como el enemigo a batir. Por contra, en el film de Scott Christopher Walken es el encargado de dar vida al amigo de Washington y el malo es Roberto Sosa, quién se encuentra a cargo de una organización mucho más peligrosa con montones de sicarios y contactos por toda ciudad de México, lo que hace que la amenaza sea peor. Tan solo por el monologo de despedida de Walken, así como por su relación con Washington ya hace merecedores a los secundarios de un nuevo punto. Tercer tanto para el remake.
Con los padres de la pequeña ocurre lo mismo. En el original apenas aparecen y que apenas les conozcamos, algo que por contra si ocurre en el remake donde se les llega a conocer mejor y ver como les afecta el secuestro de su pequeña.

En lo que respecta a las escenas de acción, gana Scott por goleada. En el momento de hacerse cargo de la realización de este film ya contaba en su haber con un par de cintas de acción como Top Gun; Marea Roja; El último Boy scout o Enemigo público por lo que sabía como planificar y llevar a cabo los momentos en los que Washington lleva a cabo su venganza. Algo que Chouraqui no sabe aprovechar y que solo se limita a un par de instantes. Cuarto punto para el remake.

Tal y como se puede ver, en los aspectos más importantes el film de Scott queda como claro ganador debido al buen hacer tras las cámaras y el saber imprimir ritmo a un montaje que se extiende a las dos horas y media. He de decir que cuando vi en cine El fuego de la venganza no me acabó de convencer, pero tras darle un nuevo visionado me acabó de convencer del todo. Y es que hay veces que una película no te pilla en un buen día y no la sabes apreciar del todo, algo que pudo ocurrirme cuando la vi en cine.

Si queréis ver la original adelante solo dura una hora y media. Pero para poder apreciar mejor la misma película os recomiendo sin duda alguna el remake, puesto que se encuentra mejor realizado e interpretado y con mejores momentos de acción que el film de Chouraqui.

A continuación el tráiler de la ganadora:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

pelicula: Tony Arzenta

Muy buenas a todos. Hoy os traigo un thriller italiano de los setenta poco conocido y que merece la pena ser descubierto. Protagonizado por una de las grandes estrellas europeas de la época y con una realización correcta de su responsable, es un film que sin duda alguna hará las delicias de los que son amantes de este género que rodado en Europa ha deparado a los fans del mismo más de una alegría. Vayamos a un viaje que nos llevará alguna de las principales ciudades europeas para acompañar a nuestro protagonista en su aventura. ¿Listos? Allá vamos.

Dirigida en 1973 por Duccio Tessari, realizador recordado por el film Una mariposa con alas ensangrentadas, la trama nos cuenta como Tony Arzenta, Alain Delon, un sicario que trabaja para una familia criminal en Milán y que se extiende por Paris, Hamburgo y Copenhague decide dejar su trabajo tras su último encargo. Sus jefes, temerosos de que pueda traicionarles deciden matarlo poniendo una bomba en su coche, que mata por error a la mujer e hijo de Arzenta. Desde ese momento Tony iniciará su venganza.

Apreciable thriller de acción bien dirigido por su realizador, que gusta de usar los primeros planos para realzar las reacciones de los personajes y de los generales en las escenas de persecución, violentas y que eran típicas de aquella época.

Algo que puede sorprender al espectador es que pese a retratar un mundo de criminales, es que el jefe de Arzenta interpretado por Richard Conte, Don Barzini en El Padrino, es el único que tiene algo de moralidad al recalcar que hay que dejar a los inocentes fuera de la venganza contra Arzenta al contrario de sus compañeros a quienes no les importa acabar con ellos con tal de conseguir acabar con nuestro protagonista.

Es una historia de venganza, en la que nuestro protagonista demuestra estar cansado de la misma hacia el final de la cinta, cansado de un mundo del que quiere salir y viendo que el camino que ha iniciado no le traerá de vuelta a sus seres queridos. Es alguien que quiere vivir en paz, pero a quién las circunstancias le han hecho volver a tomar un camino que quería abandonar.

Delon durante los 70 interpretó bastantes thrillers entre los que merecen destacarse Historia de un policía, Circulo rojo; Crónica negra, Borsalino y su secuela Borsalino y cia o El clan de los sicilianos por lo que el género no era en absoluto desconocido para él. Trabajó con algunos de los mejores directores del mismo como Jean Pierre Melville; Jacques Deray o Henri Verneuil. En estos films el intérprete francés despliega su buen hacer bien sea interpretando al héroe o al villano, estando muy bien en ambos roles, lo que vuelve a repetir en la entrada de hoy.

Es un thriller seco y violento, las escenas en las que Arzenta despliega su venganza son cortas pero eficaces, bien sea en las calles o en un tren, una de las mejores secuencias de la cinta, nuestro protagonista despliega su pericia para alcanzar su objetivo. Hoy día resultaría complicado ver un momento tan duro como el interrogatorio a Sandra, Carla Gravina, una aliada de Arzenta a quien torturan a base de golpes sin que te acusen de violencia machista.

El film con una duración de poco más de noventa minutos no concede un momento de respiro. No da tiempo a aburrirse puesto que la acción es constante y nuestro protagonista no para de viajar a las ciudades ya mencionadas para llevar a cabo su venganza. No cuenta con un gran arsenal, apenas con una pistola y una navaja, pero a cambio cuenta con su pericia y experiencia con la que conseguir el objetivo que se ha propuesto.

Si os gusta el thriller europeo de los 70 y no conocíais esta cinta os la recomiendo, seguro que no os vais a arrepentir en absoluto de descubrirla.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

pelicula: El dragón del lago de fuego

Muy buenas a todos. Hoy os traigo una cinta que en el momento de su estreno fue un batacazo en taquilla, y no por que fuera mala, sino que coincidió en taquilla con la primera parte de Indiana Jones y con Conan el Bárbaro. Debido a esto la gente dio de lado a esta producción de los estudios Disney en coproducción junto con la Paramount, que con el tiempo ha ido adquiriendo la categoría de película de culto. Viajemos al siglo VI para conocer las peripecias de nuestro protagonista para acabar con un terrible dragón. ¿Listos? Allá vamos.

Dirigida y escrita por Matthew Robbins en 1981, el argumento nos cuenta como el reino de Urland se encuentra asediado por el terrible dragón Vermithrax, a quién el rey ha prometido una doncella al año para mantener a salvo a su pueblo. Cuando Valerian, Caitlin Clarke, hija del herrero Simon, Emrys James, es disfrazada por su padre de muchacho para evitar el sacrificio decide buscar la ayuda del mago Ulrich, Ralph Richardson, para derrotar al dragón. El mago es asesinado por lo que su aprendiz Galen, Peter Macnicol, cogerá el testigo de su maestro y vivirá una gran aventura.

Hacía mucho tiempo que no veía esta cinta, creo recordar que más de 20 años, por lo que el recuerdo que tenía de ella si bien era borroso me acordaba de ciertos detalles. Hace poco he podido revisarla y he decir que la he disfrutado igual que cuando era pequeño. Pese a contar con más de treinta años desde el momento de su realización, es un film que no ha envejecido en absoluto y mantiene intacto el encanto del momento de su estreno.

Uno de los aciertos de la cinta reside en la elección del héroe. Dista mucho de ser el típico guerrero de fantasía heroica con montones de músculos por todas partes. Aquí es alguien bajito, sin apenas musculatura y torpe, es decir, el polo opuesto a lo que se espera que sea el salvador de un reino en peligro. De esta forma no resulta complicado verse identificado con el protagonista, puesto que podía ser cualquiera de nosotros. El encargado de dar vida a este particular héroe fue Peter MacNicol, al que los espectadores de televisión seguro recuerdan como Bizcochito en la serie Ally MacBeal.

Otro de los aciertos reside en la decisión de no mostrar al dragón del título hasta bien entrado el metraje del film. Mientras tanto los espectadores prestan más atención a las peripecias de los personajes. Una vez que se nos muestra el dragón, se ve que la espera ha merecido la pena. Es uno de los mejores dragones que se ha visto en una película. Los culpables son los técnicos de efectos especiales de la ILM, que mediante la técnica go-motion dieron vida a este monstruo mitológico. Esta técnica fue usada el año anterior en El imperio contraataca para dar vida a los AT AT y los taun taun y sería usada de nuevo en El retorno del Jedi.

La película es pura fantasía, tenemos los elementos que son característicos en este género: un mago; una criatura a la que matar; un héroe; una princesa; un reino en peligro.... Uno no puede evitar dejarse llevar por las aventuras de los protagonistas, pese a que ya hemos visto lo que nos está contando en otras ocasiones, hay que disfrutar de la propuesta de sus implicados y ver en imagen real aquellas historias que habíamos leído de forma anterior.

Los personajes nos ofrecen unas actuaciones correctas, siendo uno de los que más molan el encarnado por Clarke quien aporta mucho carisma a su personaje y en ocasiones llega a eclipsar a MacNicol. Y hablando de actores, si uno presta atención podrá ver en un rol secundario como sacerdote a Ian Macdermid, más conocido por los aficionados al universo Star Wars como el emperador Palpatine.

Los efectos visuales ya mencionados hace unas líneas atrás, hoy nos provocan una sonrisa nostálgica pese a que los mismos han quedado obsoletos si los comparamos con los que se crean hoy día. Y pese a ello, siguen manteniendo su encanto si tenemos en cuenta los medios con los que fueron hechos.

Una cinta que recomiendo ver para aquellos que no lo hayáis hecho ya, es un viaje nostálgico a los años 80 que fueron una autentica mina de oro en lo que a producciones familiares se refiere, como ya he mencionado en más de una ocasión en el blog. Si ya la visteis, es un buen momento para volver a hacerlo y viajar de nuevo a nuestra infancia para volver a ser niños una vez más.

A continuación el tráiler:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

pelicula: Merentau

Muy buenas a todos. Hoy os traigo una cinta de acción poco conocida de hace siete años, lo que es una verdadera pena puesto que sus responsables, unos años después nos trajeron una de las mejores películas del género como es The Raid. Aquí todos ellos demuestran su buen hacer, tanto detrás como delante de las cámaras para traernos un film de acción a la antigua usanza y donde el trabajo de los especialistas hay de destacarse. Viajemos a Yakarta para conocer más sobre esta película. ¿Listos? Allá vamos.

Escrita y dirigida por Gareth Evans en 2009, la cinta nos cuenta la historia de Yuda, Iko Uwais, un joven campesino practicante de Silat, ha de dejar su pueblo y trasladarse a Yakarta donde ha de seguir la tradición de los Merentau, para labrarse un futuro en la capital. Al poco de llegar su encuentro fortuito con Adit, Yusuf Aulia, un ladronzuelo y su hermana Astri, Sisca Jessica, a la que salva de ser golpeada por el chulo Johni, Alex Abbad, le llevará a proteger a ambos hermanos y evitar que la chica caiga en la red de proxenetas para la que trabaja Johni y que está liderada por el sádico Ratger, Mads Koodal, y su mano derecha Luc, Laurent Buson.

Como se puede ver por el argumento no hay nada nuevo bajo el sol. Esta historia  no es la primera vez que se ve en pantalla, pero es de nuevo la forma en que lo cuentas la que hace que pueda resultar más o menos interesante para los espectadores. Evans sabe que su historia no es novedosa, por lo que pone toda la carne en el asador en las abundantes escenas de acción que hay a lo largo de la película.

Estas set pieces son una maravilla, sobre todo gracias a la labor de los actores y del equipo de especialistas encargado de coreografiar las escenas de lucha. Estas son violentas y rehúyen de la utilización de cables o ayudas, lo que vemos es el resultado de horas de trabajo y de tenerlo todo cronometrado al minuto para que nada falle a la hora de golpear.

Los que somos aficionados al cine de acción y artes marciales, no podemos si no frotarnos las manos y alegrarnos cuando producciones como esta caen en nuestras manos. Es puro entretenimiento y nos  quedamos con la boca abierta viendo las diversas luchas que van apareciendo. Bien sea en un espacio reducido como un ascensor, que tiene lugar poco antes de la batalla final, en un puente o en un muelle de carga por citar algunos ejemplos el protagonista demuestra su buen hacer en Silat.

Es una pena que cintas como esta no lleguen a estrenarse en nuestras pantallas. Son una muestra que con un presupuesto reducido se pueden hacer verdaderas maravillas dentro de la acción. Y en cambio tonterías como la enésima entrega de Superhero movie y similares tengan muchas copias es algo que no logro entender.

Evans ha demostrado con las dos partes de The Raid, más una tercera en camino, y Merentau que es uno de los realizadores del momento en el cine de acción. Es director a la antigua usanza de este género, que no usa efectos digitales y toda la acción es cien por cien real, física y violenta. Uno casi puede sentir las hostias que se llevan todos los que participan en las peleas.

Aquí uno tiene que dejarse llevar por lo que está viendo, sin cuestionarse sin las actuaciones de los actores son más o menos correctas, sí el guión tiene más o menos agujeros o si podría haber más humor. Esta es de esas ocasiones en las que hay que desconectar el cerebro y disfrutar de lo que está viendo, es cine de artes marciales género que no destaca precisamente por la calidad de sus actuaciones o libretos.

Os la recomiendo sobre todo si disfrutasteis con las entregas de The Raid y no habéis visto esta, es pura evasión que no concede un momento de respiro y no da tiempo a que te aburras. Si la visteis ya, siempre es buen momento para volver a hacerlo y matar el gusanillo hasta que nos llegue el nuevo trabajo de su director.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.