Voy a proponeros un ejercicio de imaginación. Sois una de las figuras más reconocidas dentro de una saga de cine, uno de sus símbolos y estáis rodando la última entrega de la misma. Llega el momento culmen, cuando vuestro rostro se revelará a la audiencia. Pero cuando se va a rodar la toma, han contratado a otro actor. Pero este no es solo el primer desagravio que os han hecho, puesto que ya en la primera película os han doblado la voz a causa de vuestro acento u os han sustituido en las escenas de batallas de espadas laser. ¿Qué tal os sentaría? Pues de igual forma se sintió el protagonista del documental de la entrada de hoy, uno de los grandes villanos de la historia del cine pero al que se le debía una durante años. Hasta que un director de cine español le propuso rodar este famoso momento. Sobre esta premisa se hizo este film.
Dirigido en 2015 por Toni Bestard y Marcos Cabotá, el documental nos cuenta como ambos directores quisieron rendir su particular homenaje a Prowse y a la mencionada escena. Para ello se pusieron en contacto con él, le propusieron rodarla y conseguir que el actor se sacara la espinita que durante más de tres décadas ha llevado clavada. Mediante entrevistas a Prowse, Lou Ferrigno o Kenny Baker y con la participación de los productores de la saga Jeremy Bulloch y Gary Kurtz , la cinta supone el particular homenaje de ambos realizadores a la figura de Prowse y de mostrar la jugarreta a la que fue sometido por parte de Lucas. Mostrando los puntos de vista tanto del propio Prowse como de los productores de la saga galáctica por excelencia, para que de esta forma los espectadores saquen sus propias conclusiones. El documental es un ejercicio de nostalgia en toda regla, y una forma de demostrar el cariño de Marcos Cabotá hacia Prowse. Intérprete que además de haber sidoDarth Vader, intervino en dos cintas de la Hammer dando vida al monstruo de Frankenstein, participó en La naranja mecánica de Stanley Kubrick o en Casino Royale junto a David Niven o realizó anuncios de seguridad vial encarnando a Green Cross. Pero cuya carrera siempre permanecerá ligada al lord Sith.
Los espectadores puede que se sorprendan al saber que Prowse tiene prohibido aparecer en las convenciones oficiales de Star Wars. Algo que no ocurre con el resto de convenciones de cine fantástico, a las que puede acudir sin problema alguno. Tal vez la razón de tal veto se encuentre en el enfado que aún le dura a Lucas, cuando acusó a Prowse de revelar el final de la saga ya que al actor le gustaba hablar con la prensa. Algo que el documental se encarga de aclarar en su parte final. Además de las entrevistas arriba mencionadas, dos son los momentos a destacar dentro del documental: el primero de ellos son unas declaraciones de James Earl Jones, voz de Darth Vader en versión original, en las que dice que el no es Vader es solo un efecto especial de voz, como el mismo lo define. Prowse es Vader. El segundo como no podía ser de otra forma es el momento de la filmación de la escena, la cual no se llega a mostrar a los espectadores una vez rodada para no meterse en líos con Lucasfilms al no tener licencia sobre el personaje. Algo que si pudieron ver aquellos que acudieron a la sala de cine Artistic Metropol donde se proyectó. Es un documental hecho por y para fans de Star Wars, que nos permite conocer más a fondo a Prowse, a la vez que nos permite conocer como Hollywood crea a iconos y luego los olvida sin el menor remordimiento. En resumidas cuentas: Lo mejor: las entrevistas a Prowse, el montaje que no da lugar al aburrimiento y el conocer el punto de vista tanto de aquellos relacionados con el universo Star Wars, como de aquellos que han crecido con ella. Lo peor: tal vez el excesivo protagonismo por parte de Marcos Cabotá, hubiera sido interesante contar con la participación de Toni Bestard. El momento: el rodaje de la escena y el proceso al que Prowse se prestó para volver a recrear la escena. La imagen: la audiencia del cine donde se proyectó la escena en pie y aplaudiendo a un Prowse visiblemente emocionado. A continuación el tráiler:
Hoy de nuevo vuelve a aparecer en este blog un autor que llevaba tiempo sin hacerlo, y uno de los que demuestra un mayor aprecio por el pulp, género en el que se ha visto enmarcada parte de su obra hasta la fecha. En el que es hasta ahora su última obra publicada, se atreve con el género de espada y brujería con un personaje femenino al que ha sabido dotar de una gran personalidad, y que recuerda a Sonja la Roja creada por Robert Howard, creador de Conan.
Escrito por Miguel Ángel Naharro la historia nos cuenta como Hundara, tras la masacre de su pueblo a mano de los romanos prometerá vengarse de ellos. En su camino conocerá a enemigos y aliados, se enfrentará a criaturas sobrenaturales y mitológicas y contará con la espada mágica Orna, un regalo de la diosa Agrona.
No hay duda que Miguel Ángel es un autor que ama el pulp, y consigue transmitir esa pasión a los lectores en forma de historias que no conceden un momento de respiro desde que comienza la aventura, hasta que la misma llega a su fin. El autor consigue transportarnos a una época donde el acero era más importante que las palabras, a una era dominada por las creencias en deidades poderosas en las que los guerreros y los romanos depositaban su confianza a la hora de entablar batallas contra el enemigo.
A la hora de reflejar las aventuras de Hundara, el autor utiliza una narrativa bastante cinematográfica. Resulta complicado no imaginarse la aventura de Hundara trasladada a la gran pantalla, o en forma de formato televisivo ya que la novela se presta a ello. Tenemos acción a raudales, escenas de violencia, druidas y magia. Elementos necesarios que ha de tener toda aventura de espada y brujería que se precie, ingredientes que el autor sabe mezclar para ofrecernos un gran coctel, que satisface las ansias de aventuras y acción de los amantes del pulp.
El homenaje a Howard se puede apreciar en el momento en que Hundara, se enfrenta a un hombre serpiente. Uno de los enemigos más conocidos de Conan y que fueron la némesis del Cimmerio tanto en su adaptación a la gran pantalla, como en la serie de animación de los 90.
Pese a enfrentarse a los romanos y a la aparición de los pictos, esto no es una novela histórica pese a que esté ambientada en este período. Es un libro cien por cien repleto de aventuras, acción y con gotas de fantasía.
Si hay algo que caracteriza al autor es el talento que tiene a la hora de crear personajes carismáticos. Ya lo hizo en dos ocasiones con las aventuras de la garra, a la espera de conocer su tercera aventura, y ahora lo ha vuelto a conseguir con Hundara. Ambos personajes son duros, marcados por las circunstancias de su pasado pero que no dudan en arriesgar su vida para ayudar a sus seres queridos.
Hundara no es indestructible y posee grandes habilidades para el combate, lo que no quita para que en un par de ocasiones en su aventura esté a punto de morir.
Algo que me sorprendió de esta nueva propuesta son las elevadas dosis de violencia que hay a lo largo de la aventura de Hundara. En no pocas ocasiones vemos enfrentamientos entre Hundara y sus enemigos, ya sean romanos o aquellos de aspecto sobrenatural. Miguel Ángel no se corta a la hora de narrar a los lectores como la protagonista hace estragos con su espada, cortando músculos, cuellos o atravesando los cuerpos de sus rivales sin piedad ninguna.
De nuevo vuelve a haber un problema con esta novela que imita el formato de los bolsilibros, tanto por tamaño como por su extensión de 100 páginas, y vuelve a ser el de su final. Durante todo el libro se nos prepara para algo épico, emocionante, y cuando llega el enfrentamiento cara a cara finaliza de forma abrupta. Pero esto es algo característico de este tipo de literatura, que su desenlace hace que te quedes con ganas de saber más sobre las aventuras del protagonista. Una posibilidad que el autor deja en el aire, y que desde luego será más que bienvenida si se produce en un futuro.
Una novela recomendable tanto para aquellos que hemos seguido la obra de Naharro, como para los que disfruten de los libros de aventuras situados en períodos históricos.
El pasado domingo tuve la oportunidad de ver el nuevo film de Godzilla, un icono representativo del cine japones y la figura más importante dentro del género kaiju (cine de monstruos gigantes). La cinta supone una actualización del film original dirigido por Ishiro Honda en 1954, que suponía una metáfora de los ataques nucleares sufridos por el país nipón en 1945. En la cinta de 2016 es el desastre de Fukushima, lo que sirve de inspiración a sus máximos responsables a la hora de traer de vuelta a Godzilla a la gran pantalla tras la reciente versión americana dirigida por Gareth Edwards.
Dirigida por Shinji Higuchi e Hideaki Anno, la cinta nos cuenta como Tokio empieza a ser arrasado por una misteriosa criatura que deja una estela de destrucción a su paso. El gobierno buscará una solución para destruir al monstruo, antes de que haga lo propio con Japón.
Como indicaba en el párrafo que inauguraba esta reseña, además del desastre de Fukushima se pueden ver también sus consecuencias, el terremoto y el tsunami que sufrió Japón en 2011 a raíz del accidente mencionado. Algo que se aprecia en la secuencia de Godzilla emergiendo del agua, ejerciendo el monstruo de estas catástrofes naturales y provocando el derrumbe del Aqualine Bahía de Tokio.
Dentro de la película se pueden encontrar dos partes diferenciadas. La primera de ellas tiene lugar en salas de reuniones, con los expertos reunidos tratando de encontrar una solución a la amenaza del monstruo. Pese a que gran parte del metraje transcurre en estos espacios, no se hace pesado en absoluto sobre todo gracias a la agilidad de las conversaciones y a su montaje.
Es precisamente en esta parte donde se aprecia la crítica, no exenta de ironía, que los realizadores realizan a la burocracia de su país, que en ocasiones puede llegar a ser más destructiva que el propio Godzilla. En este aspecto la cinta es bastante realista, refleja el caos que supondría la aparición del monstruo en cualquier país del mundo y el lío administrativo que ello conlleva.
La segunda tiene a Godzilla como protagonista principal y la destrucción que va provocando a su paso. Las escenas en las que interviene están dosificadas, para satisfacer a aquellos que se acerquen a este blockbuster y quieran ver en acción al famoso monstruo. Y lo cierto es que estos momentos son espectaculares, con un buen uso de los efectos digitales y de las maquetas.
El diseño del monstruo es impresionante, pese a que cuando le vemos por primera vez parece inofensivo al evolucionar a la forma que todos conocemos consigue acojonar. Es un Godzilla que da miedo, tanto por su aspecto y poderes como por la cara de cabrón.
Esto es lo que debería ser una cinta de Godzilla, tras la decepción que supuso para mi su adaptación por Gareth Edwards. Una película con unos personajes cuyas acciones te importen y consiguen que prestes atención a lo que está ocurriendo en pantalla. Donde las escenas de destrucción sirven de complemento a la acción principal y no como mera excusa para hacer uso de los efectos digitales.
Una cinta que supone el reencuentro con un icono del cine y el regreso por la puerta grande de Godzilla a su país de origen.
En resumidas cuentas: Lo mejor: las escenas de acción, el diseño de Godzilla y la forma de retratar como se enfrenta el gobierno ante una amenaza que no sabe como parar. Lo peor: que su estreno se haya visto limitado y que todos aquellos que esperen un blockbuster al uso se lleven un chasco. La imagen: Godzilla avanzando mientras detrás suyo hay una pared de fuego. La secuencia: el ataque del ejercito a Godzilla y la respuesta de este. El momento: Godzilla utilizando su aliento atómico
A continuación el trailer:
Aquellos aficionados al cine recordarán la película Uno de los nuestros dirigida por Martin Scorsese, y en donde Ray Liotta daba vida al mafioso Henry Hill que acabó traicionando a sus compañeros para evitar su entrada en la cárcel por posesión de drogas. La entrada de hoy nos habla de uno de los episodios de la vida de este delincuente, en el que se dedicó a amañar partidos de la liga universitaria en la temporada 1978-1979 junto con otros hampones.
Dirigido en 2014 por Cayman Grant y Joe Lavine y narrado por Ray Liotta, el documental nos cuenta como sucedió todo mediante los testimonios de los implicados en estos amaños como el propio Henry Hill, Jim Sweeny, Ernie Cobb o Paul Mazzei. A través de sus declaraciones los espectadores podrán conocer de primera mano uno de los mayores escándalos dentro del baloncesto universitario.
Muy interesante documental que surgió como resultado de dos proyectos paralelos en los que estaban trabajando ambos directores, hasta que decidieron unirlo en uno solo. Resulta cuanto menos atractivo el comprobar el método que utilizaban los hampones a la hora de realizar las apuestas. Utilizaban el handicap, es decir, determinar por cuantos puntos va a vencer un equipo a otro y en función de ello apostar. Por ejemplo, daban como ganador al Boston Collegue con una diferencia de 13 puntos y el equipo tenía que ganar por una diferencia inferior a estos.
Una de las mejores partes de este film es, como no podía ser de otra forma, las declaraciones de Hill acerca del proceso de las apuestas, como surgieron las mismas, las amenazas a algunos jugadores, su relación con los mismos y con otros hampones entre los que destacaba la figura de Jimmy Burke, y que en la cinta de Scorsese interpretó Robert DeNiro. El resto de testimonios también resultan interesantes, pero la verdadera chicha reside en las palabras de Hill.
Henry Hill a la izquierda
Una de las consecuencias que tuvo la participación de los jugadores en los amaños fue que se llevó por delante el futuro de Cobb, que estuvo a punto de dar el salto a la NBA pero cuya carrera en el baloncesto norteamericano se vio truncada al conocerse su implicación en las apuestas y tuvo que jugar en Europa. O el ingreso en prisión de Kuhn, al ser el intermediario entre Hill y la plantilla del Boston Collegue.
El documental se ve beneficiado por una duración cercana a los 80 minutos, por lo que es ágil y directo. Cuenta con un buen ritmo que hace imposible el aburrimiento, algo que resulta harto complicado cuando se tratan de dos temas que resultan tan interesantes como la mafia y el deporte.
Un documental imprescindible ya seáis aficionados al cine de mafiosos o al baloncesto.
A modo de curiosidad destacar que la cinta alterna diversas escenas del film de Scorsese en el que se narra la vida de Hill y que Hill falleció poco después de intervenir en el documental a los 69 años,
El Sitra Ahra es un vocablo hebreo cabalístico que hace referencia al lado oscuro, al reino de la oscuridad que se encuentra gobernado por Lilith. El autor de la entrada de hoy toma esta palabra, para ofrecernos 13 relatos cargados de horror y suspense. 13 historias que penden de este árbol de la oscuridad, 13 frutos con los que los amantes de las emociones fuertes pueden saciar su hambre de terror y que se encuentran acompañadas por 18 ilustraciones. Desde aquí darle las gracias al escritor por hacerme llegar un ejemplar para poder reseñarlo.
Escrito por David Arrabal y con ilustraciones de María Pizarro, la presente antología de relatos nos ofrece unas historias cargadas de violencia y suspense, que nos mantendrán en vilo en no pocas ocasiones y en otras nos harán apartar la vista de sus páginas debido a lo que nos narra David, tal y como nos advierte en el prólogo a cargo de Juan de Dios Garduño. Los cuentos que conforman el tomo son los siguientes:
- Palabras en las piedras: en un cementerio un alma en pena hará todo lo posible por proteger a su amada muerta. Buena forma de comenzar el volumen, con una historia de horror gótico en donde el autor nos cuenta como el amor puede sobrevivir incluso a la muerte. Relato que bebe tanto de las leyendas de Becquer como algunos de los cuentos más famosos de Poe, en los que se sugería más que se mostraba.
- El anhelo de Juan: ambientado en la España del Siglo XIX, una niña es secuestrada, vejada, violada y posteriormente asesinada por Juan en Ávila. Una de las mejores historias del tomo y a la vez la más desagradable, por la forma en la que el autor nos describe la muerte de la pequeña. David no escatima en detalles a la hora de contarnos la muerte de la pequeña, lo que hace que en alguna que otra ocasión apartemos la vista de la lectura. La historia se basa en uno de nuestros asesinos en serie más famosos, y cuya identidad se revela en los instantes finales del relato.
- Los lobos guardan mi secreto: un hombre atrapado en un paraje nevado, intenta encontrar a una niña mientras se ve acosado por lobos. Relato interesante en el que el autor nos cuenta una situación claustrofóbica, pese a estar situada en un espacio abierto. El protagonista está aprisionado en un lugar en donde no hay escapatoria posible, y en donde la salida parece estar escondida.
- Mil sirenas: otro de los relatos que más me gustaron del libro. Tras haber atracado una joyería, un ladrón intentará dar esquinazo a la policía en una persecución por las calles de la ciudad. Historia que nos mantiene enganchados desde su comienzo, con grandes dosis de adrenalina y bastante visual. En esta ocasión David utiliza un lenguaje muy cinematográfico, que nos mete de lleno en la acción.
- Bajo los arcos de ébano: situada en un cementerio, el autor nos cuenta la historia de un hombre destinado a repetir su destino una y otra vez. Un relato que baja un poco con respecto al nivel mostrado en los anteriores, pese a tu carácter gótico, algo que suele ser normal en toda antología que se precie. En el que unas historias son mejores que otras.
- Ora Pro Nobis Samael: en el infierno un ángel caído nos narra la tortura a la que se ve sometido. Relato que rinde un nada disimulado homenaje a La divina comedia de Dante. Con pocas páginas el autor consigue crear en los lectores momentos de agobio, al describir de forma detallada el sufrimiento por el que está pasando el condenado.
- Sitra Ahra: otro de los mejores relatos que forman parte de este tomo. Una madre y su hija serán asaltadas por un ladrón en su casa. Lo que en un principio parecía un allanamiento, pronto derivará en algo más terrorífico. Historia que se basa en el vocablo antes mencionado, y en el que Lilith será un personaje clave en el devenir de los acontecimientos.
- En un sueño de fuego: en los campos Elíseos Hipnos y Tanatos deciden el destino del hombre, ante la ausencia de almas puras en su territorio. Otro de los relatos que más me gustaron, y que nos acerca a la mitología griega bajo un nuevo punto de vista, y que supone una radiografía acerca del alma humana. Esta historia se encuentra enlazada, en lo que al tema religioso se refiere, con la que viene a continuación.
- Rezad por vosotros: unas almas condenadas son testigos silentes del banquete, que algunos pecados capitales y figuras que asolan a la humanidad desde el principio de los tiempos se dan con una figura en apariencia inmortal. Historia en la que el autor juega con las creencias religiosas de los lectores, y en donde hace que se tambaleen al mostrarnos que todo aquello que creíamos inmortal puede fallecer también.
- La balada del ahorcado: un atracador despierta herido en mitad del desierto tras haber sido traicionado por sus compinches tras haber dado un golpe. Desde ese momento el objetivo de nuestro protagonistas será la venganza. Relato que bebe del hard-boiled, pero pasado bajo el tamiz del autor y cuyo giro final se empieza a intuir desde que comienza el mismo. A pesar de ello no molesta mucho, ya que David consigue mantener la atención de los lectores en todo momento.
- Niños de la guerra: un grupo de soldados intentará asaltar una ciudad bajo un tiempo muy desfavorable. Al llegar a la misma, uno de ellos será testigo de la verdad que rodea al lugar. Lo que en un principio parecía un relato bélico da un giro sobrenatural en los instantes finales. Con este relato el autor nos plantea del absurdo de las guerras, y lo que ocurre con las almas de aquellos soldados que han muerto de forma temprana cumpliendo con su deber.
- Boby: un matrimonio regala a su hija pequeña como regalo de Navidad un cachorro al que llama Boby. Años después la mujer se queda embarazada, desde ese momento el perro tendrá una relación sobreprotectora con el bebé. Otro de mis relatos favoritos, con un terror que se va mostrando poco a poco y en el que el amor vuelve a ser una de las bases sobre la que se asienta una historia que transcurre a lo largo de 15 años.
- Zegurata: un guardia de seguridad muerto narra a los lectores su día a día, cuya rutina no se diferencia demasiado a cuando estaba vivo. El relato más ligero y cargado de humor negro del volumen, deudor de Shaun of the dead y Dawn of the dead en los que se basa a la hora de construir una historia en la que hasta una vez muerto, el ser humano sigue algunas de las costumbres que tenía cuando estaba vivo.
Antología buena pero que no resulta apta para estómagos sensibles. Si las historias rayan en un gran nivel en su mayoría, las ilustraciones son simplemente impresionantes y sirven para resaltar el valor de las palabras que han acompañado a los lectores durante la lectura del volumen. Realizadas en blanco y negro, tienen un gran impacto visual como en la ilustración final de Boby, Rezad por vosotros u Ora pro Nobis Samael.
Hoy de nuevo vuelve a aparecer por este blog una autora, que de un tiempo a esta parte parece haberse especializado en obras de temática infantil y juvenil. La entrada de hoy está dedicada a este público, un libro en el que sus jóvenes protagonistas vivirán una aventura inolvidable ambientada en uno de los momentos clave dentro del siglo XX, como fue la llegada del hombre a la luna. Una vez más dar las gracias a la autora, por su atención a la hora de hacerme llegar un ejemplar de cortesía.
Escrito por Pepa Mayo Osorio y con ilustraciones de Roc Alemany, el libro nos cuenta como Ada y Nico son dos niños de 11 años son trasladados a 1969. Allí tendrán que impedir que el comando Moonwalker, niños como ellos, saboteen la misión del Apolo 11 con la intención que los rusos sean los primeros en pisar la luna antes que los americanos. Pero nuestros protagonistas no estarán solos en su aventura, ya que contarán con la ayuda de la comandante Alice y con las esferas del tiempo.
El libro es ideal para los más pequeños de la casa y es una bonita forma de introducirles en la ciencia ficción, y en las novelas de espionaje con el tema de la Guerra Fría de fondo. Géneros en los que se centra esta novela. Nuestros pequeños protagonistas tendrán que ir resolviendo los misterios que van surgiendo a su paso. Todo ello para conseguir que el curso de la historia, tal y como la conocemos, no cambie.
Pepa vuelve a conseguir emocionar a todos aquellos lectores que se acerquen a su obra. Consigue crear unos personajes a los que enseguida se les coge cariño. Las personalidades de los protagonistas no podían ser más distintas: mientras que Ada es atlética, no para quieta un momento y es atrevida, Nico es el típico empollón, más tranquilo y de carácter más tímido que su compañera. Lo que hace que formen un gran equipo a la hora de enfrentarse a la aventura que están a punto de vivir, y en la que sus habilidades les serán de gran ayuda.
Pese a que el libro esté orientado a un público infantil, los adultos también pueden disfrutar del mismo y conseguir que el niño que hay en su interior salga a la superficie, mientras se sumergen en la propuesta de la autora y se dejan llevar por las peripecias de los protagonistas.
Mientras uno avanza en la lectura, las aventuras y los momentos de tensión no paran de ocurrir. Para conseguir que el lector se relaje, el humor hace acto de presencia en no pocas ocasiones lo que hace que una sonrisa se refleje en el rostro de los lectores.
Si los protagonistas están bien construidos, sus antagonistas no les andan a la zaga. Uno les pilla manía en cuanto aparecen, son los típicos niños odiables que hemos conocido alguna vez: el chulito, la creída y la sabelotodo. Por lo que uno quiere que pierdan desde el primer momento. Aquí la autora rompe una lanza en favor de aquellos niños que, en alguna u otra ocasión, han sido víctimas de las burlas o el acoso de estos personajes. Aquí los abusones reciben su merecido y los abusados consiguen vencerlos sin necesidad de recurrir a la violencia.
Las ilustraciones que acompañan al libro son una verdadera pasada y podemos encontrar dos por capítulo. Una en blanco y negro y otra a todo color que ayudarán a los más pequeños a formarse una imagen más clara tanto de los protagonistas, como de algunas de las situaciones que son descritas por la autora.
Hay que destacar la labor de documentación que la autora ha llevado a cabo, para describirnos de manera fidedigna las instalaciones de la NASA. Con ello consigue que los lectores, al menos en mi caso, tengan envidia de los protagonistas. Conocer el lugar donde tuvo lugar uno de los momentos clave en la historia de la humanidad, conocer a sus protagonistas e intervenir de forma indirecta en la misma, hace que uno quiera acompañar a Ada y Nico en esta aventura.
Este es el inicio de una saga con los mismos protagonistas, viajando a través del tiempo y emulando a los miembros de El ministerio del tiempo o Marty Mcfly.
Dentro de la literatura de los libros de bolsillo destacan nombres como los de Lem Ryan, Corin Tellado, Marcial Lafuente Estefanía, José Mallorquí o Curtis Garland. Es precisamente este último el protagonista de la entrada de hoy, ya que el libro se publicó de forma póstuma tras su fallecimiento en 2013. Gracias a su hija Mercedes y a la editorial Dlorean podemos disfrutar de su última creación, un thriller en el que un padre y su hijo buscarán una explicación a unos crímenes que aterrorizan la ciudad de Los Ángeles.
El libro transcurre en Los Ángeles y en dos épocas. La primera tiene lugar en el año 2000, cuando un capitán de policía resuelve gracias a la ayuda de su hijo una serie de crímenes donde las víctimas, actrices famosas, son violadas y estranguladas. Diez años después los mismos asesinatos tienen lugar, por lo que el policía ahora retirado y su hijo, ahora periodista, tendrán que buscar una explicación a los mismos ya que el asesino se encuentra encarcelado.
El libro se inicia con una cita de Sherlock Holmes "Donde lo probable termina, lo improbable, por imposible que parezca es la verdad". Y es precisamente sobre esta frase, la base sobre la que se asienta este bolsilibro. Es una investigación donde lo que parece imposible ocurre y una vez resuelto el caso, era mucho más simple de lo que parecía en un principio. A pesar de que las pistas apunten en principio a un asesino de carácter sobrenatural.
Esta pequeña novela se lee en un suspiro, su extensión apenas supera las 100 páginas por lo que se devora enseguida. Ideal para pasar un rato muy entretenido. Mientras avanzaba en su lectura, no paraba de pensar que podía ser la presentación de dos personajes para una serie de libros, y que este servía de introducción para una futura saga con ambos protagonistas. Salvando las distancias es como si fuera el piloto de una serie de televisión.
Una vez más hay que destacar la narrativa ágil, característica en este tipo de género literario. Cuando uno quiere darse cuenta, ya ha avanzado mucho en su lectura. El autor nos ofrece una breve descripción de los personajes y de los lugares donde la acción tiene lugar. Utilizando para ello un lenguaje muy directo, una de las marcas de fabrica de los bolsilibros y que no da lugar al aburrimiento.
Recalcar también la portada a cargo de Néstor Allende, que homenajea a las cubiertas de los bolsilibros y que llamaban la atención a los futuros compradores. Ofreciendo una imágen impactante, que servía de adelanto a lo que los lectores se podían encontrar en el interior.
La gran pega que se le puede achacar a este libro, es el poco peso que tienen en la trama los personajes femeninos. Se limitan a ser simples figuras decorativas, bien sea para ser víctimas del asesino o para ser la acompañante del héroe de turno. Si esta novela se hubiera publicado hace 40 años, el lenguaje que las describe o sus acciones no hubiera chocado tanto. Pero estamos hablando de la década del 2000, en donde cualquier forma de lenguaje sexista está mal mirado.Por la forma en describe y actúan las mujeres, parece que la historia estuviese ubicada en otra época y el autor la hubiera trasladado a nuestros días.
Y de nuevo hay que destacar la conclusión precipitada de los acontecimientos. Todo acaba de forma brusca, pese a que cierra toda la historia no estaría de más el haber tenido más páginas para que los lectores hubieran podido disfrutar más del libro.
Pese a que uno puede intuir a mitad de novela la identidad del asesino, no importa en absoluto. Una vez vista la resolución no ha de extrañarnos, mas si hemos leído literatura de suspense o visto películas de este género. Es como si se tratara de un capítulo de series como Castle, Hércules Poirot o Se ha escrito un crimen. En donde las pistas falsas, falsos culpables e interrogatorios llevan a la resolución final del caso.
Una muestra más del talento del autor y que le llevó a publicar la friolera de más de 2000 títulos. Lo que puede dar una idea de la imaginación de la que hacía gala, lo que le permitía pasar del terror al suspense, pasando por el oeste o la ciencia ficción sin ningún problema.
El pasado viernes se estrenó en nuestras pantallas la nueva cinta de Damien Chazelle, realizador de Whiplash y que arrasó en la última ceremonia de los Globos de Oro. Quedaba por comprobar si era merecedora de tales premios, puesto que la expectación que tenía antes de conocer los galardones era alta. Una vez vista he de decir que cumple las expectativas.
Dirigida y guionizada por Damien Chazelle en 2016, la cinta nos cuenta como Mia (Emma Stone) es una aspirante a actriz que llega a Los Ángeles para labrarse un futuro como intérprete mientras se presenta a castings. De manera fortuita cruzará sus caminos con Sebastian (Ryan Gosling), un pianista amante del jazz que se gana la vida tocando en bares de mala muerte. Ambos lucharán por alcanzar el éxito en sus facetas profesionales.
Al poco de comenzar el film el director ya nos ha atrapado. Crear un número musical en un lugar tan poco dado a ello como es un atasco hay que aplaudirlo. En pocos instantes el realizador ha conseguido transportarnos a los musicales de antaño. Chazelle homenajea a cintas clave en este género como Sombrero de copa o Cantando bajo la lluvia, cargadas de humor, amor y buenos sentimientos. Y lo consigue adaptando la magia que desprendían estos films trasladandola a nuestros días.
Uno de los primeros aspectos a destacar dentro de la película es la labor llevada a cabo por sus actores. Emma Stone consigue enamorar a la audiencia con su interpretación, desprendiendo carisma y encanto a raudales. Con esta cinta Stone se consagra como actriz, en uno de esos roles que marcan una carrera.En cuanto a Gosling lleva a cabo una interpretación más relajada de la que nos tiene acostumbrados. Demostrando que es uno de los actores con más talento de su generación y con una gran química con su partenaire femenina, con la que vuelve a coincidir tras haberlo hecho en Crazy, Stupid Love y Gangster Squad.
En segundo lugar son los números musicales, que recuerdan a las coreografías que hacían Fred Astaire o Gene Kelly por citar un ejemplo, y las canciones que acompañan a los mismos están cargadas de buenos sentimientos. Algunas de estas coreografías son para quitarse el sombrero, además de la ya citada del atasco mencionar el número de baile en las colinas de los Ángeles o el que tiene lugar en el observatorio Griffith.
Por último pero no por ello menos importante es la labor llevada a cabo por Chazelle. Con su nuevo trabajo el realizador demuestra que es uno de los directores a tener en cuenta en el futuro, tanto por el ritmo que sabe imprimir a sus trabajos como por la dirección de actores.
La película supone una carta de amor con varios frentes. El primero de ellos es el jazz, algo que es una constante en la que es hasta ahora la corta filmografía de Chazelle. Ya estaba en su debut como director en Guy and Madeline on a park bench, y era pieza esencial en Whiplash film que le descubrió al público. Por ello el personaje de Sebastian intenta inculcar su pasión por este estilo musical a Mia.
El segundo de ellos es, como no podía ser de otra forma, a la ciudad de Los Ángeles. La cual aparece bellamente fotografiada, tanto de día como de noche. Sacando un gran partido a sus paseos, teatros o localizaciones más destacadas como el ya mencionado observatorio Griffith.
El tercero es que es un film hecho para los soñadores, en donde no importa las dificultades que se interpongan en tu camino. Si pones todo tu empeño, esfuerzo e ilusión acabarás consiguiendo el objetivo que te has propuesto. Es una cinta con un mensaje buenrollista, lo que se conoce como una feel good movie y que consigue que salgas con una sonrisa en el rostro al haber disfrutado de una propuesta cinematográfica que nos traslada al Hollywood más clásico.
Una cinta que contará con no pocas nominaciones en la futura gala de los Oscars y que supondrá el espaldarazo definitivo para todos sus implicados.
En resumidas cuentas:
Lo mejor: Emma Stone, la química entre los protagonistas, la dirección de Chazelle.
Lo peor: nada destacable.
La secuencia: son varias, pero por destacar una el baile de Mia y Sebastian con la ciudad de Los Ángeles al fondo.
La imagen: Mia y Sebastian flotando en el observatorio Griffith.
El momento: el casting final de Mia.
La frase: Mia: ¿Y si no les gusta?
Sebastian: Que les den.
Hoy de nuevo vuelve a aparecer por este blog, la tercera entrega que mezcla de forma acertada dos géneros en apariencia tan distintos como son el western y el terror. Una vez más los lectores que se acerquen a este volumen, podrán disfrutar de las aventuras de nuevos personajes y sorprenderse con la aparición de aquellos que protagonizaron los anteriores libros. Así pues ha llegado el momento de volver a calzarnos las espuelas, armarnos con los elementos necesarios para luchar con seres sobrenaturales y dejarse llevar por las aventuras de estos cazadores de monstruos en el viejo oeste.
De nuevo publicado por Dlorean, el presente volumen vuelve a ser un homenaje a los bolsilibros que gozaron de gran popularidad años ha. Lo que hacen los autores es tomar los géneros antes nombrados, y adaptarlos a nuestros días aderezándolos con guiños y referencias tanto a personajes de comics, como de series de televisión o el cine. De esta forma los escritores lanzan una especie de reto a los lectores, intentando que traten de adivinar los homenajes que han ido lanzando.
Los tres relatos que forman parte del siguiente volumen son los siguientes:
- Infierno de plata de Ana Morán: Cuando la cazadora sobrenatural Grace O¨Hara llega a Silver Mouth, lejos está de imaginar el horror al que está a punto de enfrentarse en forma de hombres gato. Muy entretenido relato y el primero de los volúmenes publicados hasta la fecha, si la memoria no me falla, protagonizado por una mujer. El personaje creado por Ana no tiene nada que envidiar a sus compañeros masculinos de profesión. Sabe ser ruda, beber como un cosaco y presentar cara al peligro sin perder los nervios. Además en su aventura no estará sola, puesto que contará con la ayuda de la bella camarera Irina. Historia que va ganando velocidad a medida que se aproxima el final, él cual sucede de forma precipitada como suele ser norma habitual en este tipo de relatos. Pese a ello, no defraudará a todos aquellos que quieran conocer a una figura inspirada en Buffy o en las cazadoras que aparecen de vez en cuando en la serie Sobrenatural.
- Garras en Los Ángeles de Luis Guillermo Del Corral: El padre Cabañas, el alguacil Kane y el pistolero de dos sombras conocido como Bob, unirán fuerzas para erradicar la amenaza de un hombre lobo para la ciudad de Los Ángeles. Historia bastante interesante y que nos ofrece un nuevo punto de vista, ante un tema tan trillado dentro del género de terror como es el mito del hombre lobo. De esta forma el autor nos narra la maldición del licántropo, recurriendo a la mitología escandinava y a uno de sus personajes más famosos como es Fenril, cuya piel es el desencadenante de los acontecimientos. Relato cargado con más adrenalina y dosis de sangre que el anterior, nos sirve para presentar a los personajes de el padre Cabañas y Bob que seguro volverán a aparecer en un futuro si se siguen produciendo los volúmenes.
- Salvajes de Joaquín SanJuan: El cazador inmortal Cuervo, el chamán indio Tatanka y la bruja japonesa Yumi unirán sus fuerzas, para detener a Dzoavit el demonio de la oscuridad. Relato que tira más hacía la aventura que la acción o el terror, pese a que ambos elementos aparecen a lo largo del relato. El autor consigue meternos en situación en seguida al ofrecernos un principio que nos atrapa desde las primeras páginas. El final de la historia resulta bastante emocionante, ya que se desarrolla tanto en el plano astral como en el físico, y en donde los protagonistas tendrán que emplearse a fondo para detener la amenaza que supone Dzoavit. En este relato aparece cierto investigador inglés de lo paranormal y el antepasado de ciertos hermanos cazadores de una serie de televisión. Un buen relato que supone un buen broche final a este volumen.
Tres relatos independientes entre si y que se encuentran conectados con los volúmenes anteriores, gracias a personajes que han aparecido de forma previa. Cada una de las historias es literatura de evasión cien por cien, cargadas de diversión, personajes con carisma y con un lenguaje muy cinematográfico. Lo que hace que su lectura pase en un suspiro y uno se quede con ganas de conocer más aventuras de los protagonistas, que le han acompañado a lo largo de sus páginas.
La pega que se le puede sacar a este tipo de literatura, es que la conclusión es muy precipitada. Más de la mitad de la historia se va en presentarnos tanto a los protagonistas, como a la amenaza a la que han de enfrentarse. El final ocurre muy rápido y en pocas páginas, algo que suele ser norma no escrita dentro de los bolsilibros o los libros de a duro. Y es una pena, puesto que si tuvieran varias páginas más el resultado final hubiera sido más satisfactorio. Pese a ello son historias que se disfrutan de principio a fin.
Si habéis leído y disfrutado de las anteriores entregas de Weird West, no lo dudéis y haceros con el que es hasta la fecha el último volumen publicado, a la espera que se publique el cuarto y en donde algunos viejos conocidos que ya aparecieron en los dos primeros volúmenes, volverán a hacerlo para volver a disfrutar de sus aventuras.
El libro cuenta con unas ilustraciones en los dos primeros relatos a cargo de Pako Domínguez,mientras que el último se encuentra ilustrado por Lydia Huigbalats Jaén en el primer capítulo del relato, Toni Guerola del segundo, Laura Burgos del tercero y Alberto Aguado del último.
El pasado viernes se estrenó en nuestras pantallas Contratiempo, el nuevo trabajo tras las cámaras de Oriol Paulo que debutó hace cuatro años en la gran pantalla con el thriller El Cuerpo. Para su regreso al cine, el director ha vuelto a escoger este género y vuelve a trabajar con José Coronado tras haberlo hecho de forma previa en la cinta antes mencionada.
Con guión y dirección de Oriol Paulo la trama nos cuenta como el joven empresario Adrián Doria (Mario Casas) despierta encerrado en la habitación de un hotel junto al cadáver de su amante Laura (Bárbara Lennie). Para evitar la cárcel recibirá la visita de Virginia Goodman (Ana Wagener), la mejor preparadora de testigos del país. En una noche y mediante flashbacks ambos trabajarán para que Adrián no ingresar en prisión.
Desde que vi su trailer, me llamó la atención su trama. El saber como se ha producido el asesinato, en una habitación en apariencia sin salida hizo que me fijara en esta película. Y la conclusión que se puede extraer, una vez vista la misma es que es un buen thriller al que hay que sacarle un gran pero. Y este reside en su guión, que está bien construido una cosa no quita a la otra. Cierto es que en la cintas de suspense suele haber una sorpresa o giro en el que los acontecimientos que hemos visto, dan un vuelco al conocer un dato que derrumba todo lo que se ha mostrado hasta ahora. Pero en la nueva propuesta de Oriol Paulo se producen unos cuantos, sobre todo hacía el final de la cinta. Lo que hace que se reste credibilidad al conjunto que hemos visto hasta ahora.
El realizador nos va dando pistas sueltas a lo largo del metraje, piezas de un puzle que poco a poco van encajando. Y justo cuando creíamos que se ha resuelto el misterio, el giro hace que todo se desmorone y tengamos que empezar de nuevo a ensamblar todo. Y el realizador abusa al meter dos giros de forma casi consecutiva. Si los hubiera espaciado o reducido, el resultado final hubiera sido más satisfactorio sin duda alguna.
Además de los actores antes mencionados, también intervienen el ya citado José Coronado en un rol determinante para el devenir de los acontecimientos, Paco Tous en un breve papel pero que resulta fundamental en el final de la cinta y Frances Orella como el abogado del personaje de Casas.
Dos son los elementos a destacar. En primer lugar la dirección y la factura técnica del film. En ambos casos notable, el realizador sabe dotar de gran suspense al relato y saca partido del diseño de producción. Tanto de la habitación donde tiene lugar el crimen, como del lugar donde se cometió el crimen. Amen de otras localizaciones que se nos van mostrando mediante flashbacks. El director sabe manejar las teclas de suspense y mantener la atención de la audiencia. No en vano esta producción recuerda a Alfred Hitchcock y en menor medida a Brian dePalma.
En segundo lugar destacan el trabajo llevado a cabo por Wagener y Lennie. En el caso de la primera ofrece una gran actuación, haciendo que gran parte de los méritos de este film sean culpa suya. Ofrece una interpretación bastante sobria, presionando y aflojando a Casas según lo requiere la ocasión para averiguar la verdad de la muerte del personaje de Lennie. En cuanto a Lennie se nos presenta como una mujer fatal, que llevará por la calle de la amargura al protagonista de la cinta y a la que tan solo conocemos mediante los flashbacks de la historia.
Caso aparte son Coronado y Casas, el primero vuelve a demostrar que está en un gran estado de forma interpretativo y que el thriller es el género en donde más cómodo se encuentra. Baste recordar su rol en El hombre de las mil caras, en donde era de lo mejor de la cinta junto a Eduard Fernández. Y por increíble que parezca, Casas vuelve a realizar aquí una interpretación bastante convincente. Si se le rodea de actores veteranos, es capaz de salir indemne del enfrentamiento interpretativo y de ofrecer otro registro al que nos tiene acostumbrados. Prueba de ello es que sus mejores papeles están dentro del thriller, en Grupo 7 coincidió con Antonio de la Torre, en Toro con Luis Tosar y José Sacristán y en Contratiempo con Coronado y Wagener.
Un buen thriller que demuestra la buena salud de este género en nuestro país. Basta con mirar las nominaciones a los Goya de este año para darse cuenta de ello. De las cinco nominadas a mejor película, 3 son thrillers que han arrasado tanto en público y crítica como en taquilla.
Si os gustan los thrillers con tensión, sorpresa final y que ofrecen unas buenas actuaciones, esta sin duda es una buena opción para comenzar el año cinematográfico.
Por cierto cuanto menos se sepa de esta cinta mejor.
En resumidas cuentas: Lo mejor: Ana Wagener y Bárbara Lennie. Lo peor: el querer rizar el rizo con las sorpresas. La secuencia: el flashback en el que se nos narra el misterio de la muerte de Laura.
Uno de mis géneros favoritos del cine es el thriller, y dentro de las categorías dentro del mismo el de los robos es uno por el que siento especial predilección. Títulos como Rififi, Circulo Rojo o Heat se encuentran en mi top de este tipo de subcategoria. La cinta de la que vengo a hablaros hoy está dentro de esta clase. Si bien no es uno de los filmes más destacados en mostrar un atraco, al menos si que tiene un par de instantes para destacar y hace pasar un rato entretenido.
Dirigida en 1993 por Russell Mulcahy y con guión de William Osborne y William Davies el argumento nos cuenta como tras haber pasado 6 años en prisión tras un golpe fallido a causa de un chivatazo, Helen McCoy (Kim Basinger) quiere rehacer su vida junto a su hijo. Pero Jack Schmidt (Terence Stamp) culpable del encarcelamiento de Helen en prisión no se lo pondrá fácil al chantajearla con un último golpe. Para salir airosa de la situación nuestra protagonista contará con la ayuda de J.T. Barker (Val Kilmer), un experto conductor en huidas de atracos.
Film entretenido sin más que tuve la oportunidad de ver hace años por Canal+. Me resultó interesante su temática, además de poder ver a una Basinger en el apogeo de su belleza. Me dejó un poso tanto en mi memoria, como en mi corazón cinéfilo y desde que la vi por su pase no volví a visionarla. Años después, unos 20 más o menos, he vuelto a hacerlo. Y la verdad es que me ha dejado algo frío, se puede ver pero supongo que la nostalgia aquí juega un papel importante y hace que la vea con cariño a pesar de sus carencias cinematográficas.
En primer lugar la labor llevada a cabo por Mulcahy es plana. Lejos quedaron aquellos tiempos en los que estaba considerado un realizador a tener en cuenta tras títulos como Razorback, Los inmortales o Ricochet que hizo tan solo un par de años antes de Extremadamente peligrosa. Después poco más hay que destacar, salvo La sombra o Resurrección, con Christopher Lambert. Luego de su colaboración con Lambert en el título ya mencionado, la carrera de Mulcahy se ha desarrollado en su mayoría en televisión, salvo un par de incursiones en la gran pantalla para dirigir las olvidables Resident Evil: Extinction y El Rey Escorpión 2: El nacimiento de un guerrero.
En segundo lugar la química entre Basinger y Kilmer es inexistente. Cierto es que con los roles que tienen asignados poco más pueden hacer, pero es que apenas se esfuerzan por mostrar algo de chispa. Es como si actuaran desganados, haciendo que los espectadores no consigan empatizar del todo con la situación por la que atraviesa el personaje de Basinger. La actriz sabe que este es un film hecho para su lucimiento, y no termina de aprovechar del todo la oportunidad que se le brindó.
Menos mal que Terence Stamp es de lo poco que se salva de la cinta. Pese a que en algunas ocasiones sobreactua algo, parece ser el único consciente del tipo de producción en el que está. Nos ofrece un villano de opereta, al que únicamente le falta la chistera y el amplio bigote para resaltar lo malo que es.
Cuando llega el momento del atraco uno espera más espectáculo, un mayor brío a la hora de rodarlo, de sentir la tensión y nervios que conlleva y que ocurre si tienen un fallo. Aquí no hay nada de eso, el realizador se limita a rascar en la superficie. Lo que tenía que haber sido el momento principal de la cinta, lo que esperaba todo el público se queda en agua de borrajas.
Es una cinta que se puede resumir en un quiero y no puedo. Hay buenas intenciones, pero es una cinta muy fallida. Tiene buenos elementos y que no terminan de explotar del todo. Cuenta con unos actores que han demostrado que son capaces de ofrecer actuaciones muy solventes y con un director que ha demostrado que sabe situar la cámara. Pero aquí todo eso no vale, se encuentran perdidos y lo que tenía que haber sido un buen film de atracos se queda en algo que no es ni chicha ni limona.
Al menos se deja ver, resulta más o menos entretenida. Según se ve se olvida.
En resumidas cuentas: Lo mejor: Terence Stamp. Lo peor: La nula química entre química Kilmer y Basinger, la nula labor tras las cámaras de Mulcahy, un guión al que se le podía haber sacado más partido. La secuencia: por destacar alguna, el ya citado momento del golpe.
Hoy de nuevo vuelven a ser analizados tres cortometrajes, de un realizador que ha venido protagonizando las últimas entradas. Si en Behind había ecos al terror nipón y en Y la muerte lo seguía al spaghetti western, los cortos que conforman la llamada trilogía del terror suponen un homenaje a los iconos del terror más clásicos, y a dos de las productoras que los utilizaron en sus cintas como fueron la Universal y la Hammer. Pero además del horror el nexo común entre las tres historias es el amor, bien sea entre los seres humanos o entre estos seres sobrenaturales que también son capaces de amar. Incluso en dos de las historias con más pasión que los simples mortales. Al ser tres cortos, voy a resumir mucho y sin contar demasiado para no arruinar las sorpresas que el director nos tiene reservadas.
La trilogía del terror se encuentra conformada por los siguientes títulos:
Sed de luz.
Dirigido en 2010 por Ángel Gómez Hernández y con un guión escrito por el propio realizador y por Ángel Gómez Rivero el argumento nos cuenta como Wladimir (Peter Van Randen) sube ensangrentado a la azotea de su edificio, mientras un flashback nos explica lo que ha ocurrido para que haya acabado así.
Poco más puedo decir de una historia cuyo final se intuye en los instantes finales del corto, en donde todo queda aclarado. Es un cortometraje que se podría calificar como mudo, pues apenas se oyen un par de palabras a lo largo del mismo. Es una historia que se sustenta más en las imágenes y acciones del protagonista, que por lo que tiene que decir.
Poco más de cinco minutos le bastan al director para contarnos una historia trágica, no exenta de violencia y que hace un buen uso de los efectos de maquillaje y digitales, estos últimos a cargo de Carlos Morata, ambos bien integrados en el final del corto.
De la llamada trilogía del terror fue el corto que más me gustó, no solo por la duración, sino por la historia y la interpretación llevada a cabo por el protagonista. Quién años después coincidiría con el director en el ya mencionado corto Y la muerte lo seguía.
A continuación el trailer:
La última víctima.
En el año 2011 Ángel Gómez Hernández dirigió este corto, volviendo a escribir de nuevo el guión junto a Ángel Gómez Rivero. La trama del corto nos cuenta como Ricardo (José María Galeano) se despierta tras un accidente y ve que algo extraño ocurre. Al llegar a su casa y ver que su mujer Claudia (Macarena Gómez) ha desaparecido, se dispondrá a buscarla.
Ya desde que comienza el corto el espectador se pregunta que ha ocurrido y que misterio rodea al pueblo donde transcurre la acción, que poco a poco empieza a estar plagado de cadáveres. ¿Tienen algo que ver los misteriosos cazadores que aparecen al principio? ¿Quién es el responsable de las muertes que se va encontrando?
En este cortometraje ya se empieza a intuir lo que el realizador podía ofrecer en el futuro, manejando los momentos de tensión con otros más pausados. Además de empezar su colaboración con lo que acabarían siendo dos de sus intérpretes más utilizados como Macarena Gómez y José María Galiano. Ambos nos ofrecen unas actuaciones bastante intensas, sobre todo en el caso de Galiano volviendo a dar vida a un personaje marcado por la tragedia. Macarena aprovecha sus breves instantes en pantalla para dar vida a una mujer a la que los acontecimientos la superan, por lo que tendrá que sacar fuerzas de donde no hay.
Apenas 15 minutos le bastan al realizador para ofrecernos una historia de amor teñida de sangre y tragedia, en una historia con un final algo precipitado y que te deja con ganas de más.
Un corto bastante interesante y un escalón por debajo de Sed de luz, al menos en mi opinión, pero que deja con un buen sabor de boca una vez se acaba el visionado.
A continuación el trailer:
Pertenecemos a la muerte.
Y en 2012 se puso fin a la llamada "Trilogía del terror" encargándose Ángel de las labores de guión y dirección. La historia nos cuenta como la vida de Elsa (Elisa Mouliaá) sufre un vuelco al recibir la visita de Víctor (Javier Botet), que alterará su vida en común junto con su actual pareja Álvaro (José María Galeano).
Y de nuevo hasta aquí puedo decir, poder desvelar más sería reventar la sorpresa que se nos desvela a los pocos instantes de comenzar el corto, y que he preferido obviar pese a que la misma se descubra al poco de empezar el metraje del corto.
Esta es sin duda la historia más trágica de las tres que componen la Trilogía del terror, la que nos indica que los monstruos son capaces de amar. De sentir sentimientos como la envidia y la ira, de buscar a alguien con el que compartir la soledad que arrastran desde hace tiempo. Pese a que el protagonista de la historia es un personaje clave en la historia del horror, su personaje se puede traspasar a todas aquellas personas que no encuentran a nadie con quien compartir sus días.
Los dos actores principales Javier y Elisa ofrecen una gran actuación. Javier vuelve a ofrecernos una gran caracterización de un personaje, a este paso va camino de convertirse en nuestro Lon Chaney particular. En cuanto a Elisa nos regala una actuación con un personaje que quiere vivir su existencia en paz, pero que no puede tras la visita de Víctor. En este aspecto me pareció apreciar como el director, realiza una crítica a todas aquellas personas que no soportan como sus antiguas parejas han sido capaces de rehacer sus vidas tras haber roto la relación.
De nuevo 15 minutos le bastan al realizador para narrar una historia trágica, con unos personajes marcados por su destino y que no pueden alcanzar la paz por mucho que lo intenten. Se encuentran ligados a una maldición de la que no se pueden desprender aunque lo pretendan.
Con este trabajo el realizador nos ofrecía hasta ese momento su trabajo más maduro, hasta la llegada de obras posteriores. Nos presenta un ritmo pausado, que va en aumento a medida que el final de la historia se aproxima y en la que resulta muy complicado no sentir pena por ambos personajes, unidos y separados a la vez por su condición.
Otro corto que me gustó bastante y en el que sobresalen los dos actores principales, puntal sobre el que se sostiene el corto.
A continuación el trailer:
Como se puede ver tres historias con un gran componente trágico y que a la vez suponen una revisión de los iconos del horror más conocidos, trasladando sus aventuras a nuestros días en lo que supone un homenaje a un cine con el que el director creció y a los que rinde su particular homenaje en forma de cortometrajes con una impecable factura técnica y artística.
Tres cortos que nos permiten conocer la evolución, de uno de los realizadores a tener en cuenta en el futuro dentro del género fantástico y terror patrio.
Si la entrada anterior estaba dedicada al spanish horror, la de hoy se centra en una de las figuras clave dentro del mismo y que se nombraba de pasada. Me estoy refiriendo a Jacinto Molina, más conocido por su nombre artístico Paul Naschy y que hizo mucho por el fantástico y el terror en nuestro país. Muy apreciado fuera de nuestras fronteras, no tanto aquí, la presente cinta pretende dar a conocer a este actor, guionista y director a aquellos que quieran acercarse y conocer más acerca de su personalidad.
Dirigida y guionizada en 2010 por Ángel Agudo, el documental narrado por Mick Garris cuenta con diversos testimonios tanto de intérpretes y realizadores nacionales que trabajaron con Naschy como María José Cantudo, Jack Taylor o Javier Aguirre o extranjeros como Caroline Munro, como diversas declaraciones de la familia de Jacinto Molina y de directores y actores patrios y extranjeros que no trabajaron con él pero que se declaran fans de su carrera como Nacho Cerda, Jorge Grau, John Landis, Joe Dante o Javier Botet.
Interesante cinta con una duración que no llega a la hora y veinte con lo que uno se queda con ganas de saber más. El documental nos cuenta los inicios, el ascenso, caída y posterior resurrección de Naschy, en títulos como La herencia Valdemar o el corto animado O Apostolo, realizado desde el respeto y admiración hacia su figura. Baste recordar que poco antes del estreno el intérprete falleció, por lo que su estreno sirvió para reivindicar una figura bastante denostada en nuestro país y ensalzada en el extranjero.
El documental se beneficia tanto por la multitud de secuencias de los largometrajes en los que intervino Naschy, esta vez si con los correspondientes títulos, como por las imágenes de archivo tanto de sus rodajes como de instantáneas personales cedidas por su familia. Las cuales sirven para conocer la faceta más familiar del que fuera Waldemar Daninsky en La noche de Walpurgis, uno de sus títulos más conocidos tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.
Uno de los aspectos que desconocía mientras veía el film fue la etapa japonesa de Naschy, país en donde filmó El carnaval de las bestias, primer caso de coproducción entre nuestro país y el imperio del Sol Naciente, y La bestia y la espada mágica. Además de intervenir en estas cintas, el interprete actuó en diversos documentales para la televisión japonesa con el objetivo de que los nipones tuvieran un mayor conocimiento de nuestra cultura. Fruto de estos trabajos para Japón, Molina iniciaría una gran amistad con Masurao Takeda que falleció en extrañas circunstancias.
Mientras veía el documental echaba en falta declaraciones de Naschy, bien sea en formato de audio o visual. Sin duda el film se hubiera visto enriquecido por ello, el conocer de primera mano las múltiples anécdotas que tuvo el artista a lo largo de su carrera. Algo que si ocurrió en su autobiografía Memorias de un hombre lobo y en el libro Paul Naschy. La máscara de Jacinto Molina surgido a raíz de unas entrevistas entre Ángel Agudo y Ángel Gómez que venían a complementar a Memorias de un hombre lobo.
Algo que me sorprendió fue que no se nombrara en ningún momento la intervención de Naschy en Buenas noches señor monstruo. Si bien el título fue hecho para mayor gloria del grupo infantil Regaliz, no hay que olvidar que esta cinta le dio a conocer a buena parte de generación cinéfila de los años 80. Al menos desde mi punto de vista.
Los momentos más conmovedores del documental tienen lugar en los instantes finales, con la entrega de los diversos premios y condecoraciones, entre los que se incluye la medalla a las Bellas Artes, con los que se reconoció la labor llevada a cabo por Molina a lo largo de su carrera. Mientras veía estos instantes, no pude sino emocionarme al ver las muestras de cariño que los fans procesaban a Naschy o como el intérprete se conmovió al subir a un escenario al recoger uno de los galardones arriba mencionado.
A modo de curiosidad mencionar que el título del documental nace a raíz de una anécdota real que le ocurrió a Naschy. Siendo un figurante vio como en un rodaje en nuestro país Boris Karloff, interprete de Frankenstein, se echó a llorar una vez acabada la jornada creyendo que se habían olvidado recogerle.
En resumidas cuentas: Lo mejor: la aproximación a la figura de Naschy. Lo peor: que no se incluyan entrevistas a personas que formaron parte de la carrera de Naschy como Julia Saly, con quién colaboró en diversos títulos de su carrera como Latidos de pánico o El retorno del hombre lobo y que fue coproductora en su etapa japonesa. La falta de entrevistas de archivo a Naschy. La imagen: Naschy emocionado recogiendo un galardón.
De vez en cuando mirando por Internet, uno se encuentra con alguna que otra sorpresa agradable de forma fortuita. Es lo que ocurre con la entrada de hoy, buscando información para una reseña me topé con este documental de forma casual. Me llamó la atención el tema que trataba por lo que me decidí a verlo. Y la verdad es que me resultó bastante ameno y entretenido, pero escaso en algunos aspectos como explicaré a continuación.
Dirigida y con guión de Victor Matellano en 2013, y basada en el título homónimo escrito por el realizador del documental, la cinta supone un viaje a través del cine de terror español que se hizo en nuestro país desde finales de los años 60 hasta los 80. Mediante entrevistas a algunos nombres propios de este género como Lone Fleming, Jack Taylor, Antonio Mayans, Jorge Grau o José R. Larranz y con las apariciones especiales de Paco Plaza, Caroline Munro o Joe Dante, se nos irán desvelando anécdotas y recuerdos acerca de lo que supuso tanto su participación en estos filmes, como del impacto que tuvieron tanto dentro como fuera de nuestras fronteras.
Documental dividido en varios bloques que van desde las coproducciones que se hicieron con otros países, hasta la violencia y sexo que aparecían en estos filmes o nombrar, como no podía ser de otra forma, la figura de Paul Naschy. Nombre clave dentro de nuestro fantástico junto a realizadores clave como Jess Franco (Drácula contra Frankenstein), Narciso Ibañez Serrador (La residencia), Juan Piquer Simon (Slugs, muerte viscosa) o Amando de Ossorio (La noche del terror ciego).
Con una duración de poco más de una hora es un documental que sabe a poco. Tal vez con veinte minutos más de metraje el film se hubiera visto beneficiado. Se le podía haber sacado mucho más partido, haber incluido más anécdotas y que se hablaran de aspectos que no se tratan como por ejemplo el ingenio que demostraron para esquivar la censura, la experiencia que fue trabajar con estrellas como Peter Cushing o Christopher Lee o porqué algunas de las cintas aquí nombradas tienen consideración de culto en países como Francia, Alemania, Estados Unidos o Japón.
Lo que pretende la cinta es dar a conocer aquellas cintas que en su tiempo fueron catalogadas como "cine de consumo". Y que gracias a Internet poco a poco han sido descubiertas por las nuevas generaciones de cinéfilos. Pese a que algunas de ellas ya eran conocidas por los aficionados al spanish horror, sobre todo gracias a sus pases por televisión en los programas temáticos Noche de Lobos o Mis terrores favoritos, o por la edición en DVD de algunos títulos de Paul Naschy o Jess Franco.
Uno de los principales fallos de la cinta es el no poner el nombre de las cintas que se van intercalando con las entrevistas. Pese a que las mismas aparecen al final del documental, no hubiera estado de más el haber incluido los nombres para aclarar a los espectadores a que film pertenece el fragmento seleccionado. Algo que si hacía Going to Pieces, que trataba el slasher americano y que ya fue analizado en este blog http://cinefagia80.blogspot.com.es/2014/10/pelicula-going-to-pieces.html
Otro gran fallo es el no haber entrevistado a algunos nombres ya citados como Ibañez Serrador o Franco. A Naschy se le oye, pero en una entrevista lo que resulta una verdadera pena. Contar con su punto de vista y su opinión, sin duda alguna hubiera enriquecido el documental. De haberse incluido entrevistas de archivo de Franco, Simon o Naschy el resultado final hubiera sido más satisfactorio.
Es un documental hecho con mucho cariño y es algo que se nota. Pero que a los que sean seguidores de este tipo del género spanish horror les sabrá a poco, y a los que se quieran iniciar en su visionado les faltarán datos. Es un film fallido, lo que dista mucho de ser malo. Cómo he indicado unas líneas más arriba, se limita a rascar en la superficie y no profundiza más dentro del horror español. Entretiene pero podía haber sido mucho mejor si se hubieran pulido los fallos ya mencionados.
Un film a medio gas y que deja con un sabor agridulce en la boca a las personas que son fans de los documentales cinematográficos. Pese a ello, merece la pena darle una oportunidad.
En resumidas cuentas: Lo mejor: algunas de las entrevistas,los clips y los recuerdos de los responsables que aparecen. Lo peor: la falta de profundidad de este tipo de género, el no incluir los nombres de los fragmentos cuando aparecen en pantalla, la ausencia de entrevistas a los nuevos nombres dentro del terror español como Alex de la Iglesia, Nacho Vigalondo o Jaume Balaguero. Sin duda tienen mucho que aportar y que decir.
