libro: Lucio Fulci Autopsia de un cineasta

Dentro del cine de terror italiano encontramos nombres como Ruggero Deodato (Holocausto Caníbal), Antonio Margheriti (Danza Macabra), Duccio Tessari (Una mariposa con alas ensangrentadas) o Emilio Miraglia (La dama roja mata siete veces) por citar algunos ejemplos. Pero sin duda alguna los realizadores más destacados son Mario Bava (Bahía de sangre), Dario Argento (Rojo oscuro) y Lucio Fulci (El más allá) los directores más importantes de este género cinematográfico. Es precisamente Fulci el protagonista de la entrada de hoy, en un ensayo en el que su obra es analizada de forma minuciosa.

Escrito por Javier Pueyo el libro supone un ensayo muy completo y pormenorizado de la filmografía del director romano. Compuesto por 17 capítulos dedicados a su obra tanto en televisión como en el cine, sus últimos filmes, entrevistas a personas que trabajaron con Fulci y la influencia que ha tenido en diversos realizadores, el autor hace un repaso de la carrera de Fulci mediante los diversos géneros en los que el realizador desarrolló su carrera. Desde sus inicios en la comedia, pasando por los spaghetti-western, el poliziesco, la acción, las aventuras, el drama y por supuesto el género por el que la mayoría de los aficionados al cine conoce a Fulci: el terror y los zombis.

En el libro encontramos un estudio de cada una de las cintas que componen la filmografía de Fulci, unos más exhaustivos que otros puesto que algunos de los títulos permanecen inéditos en nuestro país. Así el autor ofrece un breve resumen de los mismos, destacando las secuencias más importantes o los momentos por lo que se recuerdan esos filmes. Y es aquí donde encontramos el problema, al ofrecer un análisis tan detallado el final de algunas películas es desvelado. Si ya has visto los títulos del director romano no te importa, pero puede molestar y mucho a los que se acerquen a este ensayo y vean revelado el final de una película que tenían muchas ganas de ver.

A través de los diversos capítulos que conforman el presente ensayo el autor destaca dos elementos que son constantes dentro de la filmografía de Fulci. El primero de ellos es su uso de la violencia y el modo en que el cineasta la retrata. Mientras que otros realizadores de terror italiano como Dario Argento o Mario Bava eran más clásicos o artísticos a la hora de reflejar las muertes, Fulci era más salvaje cuando se trataba de mostrar las mismas. Baste recordar la secuencia de la astilla en Zombi 2, la del taladro en Miedo en la ciudad de los muertos vivientes o la botella rota en El destripador de Nueva York. Fulci se deleitaba en estos momentos, recreándose en el momento del fallecimiento de la víctima lo que le ha valido no pocas críticas de los periodistas más sesudos dedicados al cine y de sus detractores.

El segundo elemento presente es el profundo anticlericalismo del que hacía gala el realizador en no pocas ocasiones. Y que puede observarse en películas como Los cuatro del apocalipsis, Daemonia, Miedo en la ciudad de los muertos vivientes o Angustia de silencio por citar las más famosas y en donde las figuras religiosas no salían muy bien paradas. Bien sea por motivos de humillación al que son sometidos los protagonistas como en Los cuatro del apocalipsis, o por ser los responsables directos de los acontecimientos que desencadenan con su muerte como en Miedo en la ciudad de los muertos vivientes.

El autor del libro no oculta en ningún momento su admiración por Fulci, lo que en algunas ocasiones le permite ser condescendiente con algunas de sus producciones, pero ser también duro con aquellas que no alcanzan unos mínimos de calidad. El ensayo supone revelar la pasión por un cineasta que pese a quien le pese ya forma parte de la historia del cine de terror por méritos propios. Y que cuenta tanto con detractores como con defensores. Con este director no hay término medio, o le amas o le odias.

El ensayo se encuentra profusamente ilustrado con posters y diversos fotogramas en muy buena calidad de las películas que son analizadas en los capítulos correspondientes.

En las entrevistas que encontramos en el libro, algunas de las personas que trabajaron con Fulci ya sea delante o detrás de las cámaras como Bernard Saray, Michele De Angelis o Beatrice Ring nos desvelan como fue su colaboración con el realizador italiano. Es conocido el mal carácter del que hacía gala el director de El más allá, algo que queda contrastado en algunas de estas interviús y en algunos pasajes del ensayo. Mientras que unos lo afirman otros lo niegan, todo depende de como fuera su relación con él. Pero en lo que si están de acuerdo todos los entrevistados, era la profesionalidad de la que hacía gala realizador.

Un ensayo que satisfará a aquellos que quieran saber más sobre este director, que pese a haber desarrollado su carrera en diferentes géneros cinematográficos será siempre recordado por su aportación al terror y por mostrarnos unos zombis putrefactos que nada tenían que ver por los mostrados por George A. Romero en sus filmes La noche de los muertos vivientes, Zombi y El día de los muertos. Y que pese a alguna errata que otra, no debe de restar puntos a una obra muy interesante y que permite acercarse de manera amena a la figura de este director.

documental: Hitchock/Truffaut

Uno de los libros más recomendados para los aficionados al cine es "El cine según Hitchcock", resultado de una serie de conversaciones que mantuvieron durante ocho días en 1966 el realizador inglés con el director francés François Truffaut. El resultado de las mismas se plasmó en el libro antes citado, ahora cincuenta años después el realizador Kent Jones invita a algunos de los realizadores más importante del pasado y presente de la historia del cine como Martin Scorsese, David Fincher o Wes Anderson entre otros para que den su opinión acerca del mago del suspense.

El documental con una duración escasa de apenas 80 minutos y narrado por Mathieu Almaric (La Venus de las Pieles, Quantum of Solace) sabe a poco, uno se queda con saber más acerca del mago del suspense. La cinta supone una carta de amor al cine, mediante dos de sus realizadores más destacados y la admiración que despertaba, y sigue despertando el mago del suspense.

A través de diversas opiniones de Scorsese, Anderson, Fincher o Peter Bogdanovich los espectadores descubrirán como Hitchock era más que un simple realizador que hacía filmes de suspense. Era un obsesivo del trabajo, prueba de ello es la planificación que llevaba a cabo antes de embarcarse en un nuevo rodaje o la dirección de actores a quienes exprimía al máximo y de forma especial a las actrices. Baste recordar su famosa frase "Niego que alguna vez dije que los actores son ganado. Lo que dije fue que los actores deberían ser tratados como ganado".

Uno de los realizadores que se declara más admirador de Hitchcock y que más minutos tiene en el documental es Martin Scorsese. El director de Casino no puede evitar emocionarse acerca de los sentimientos que le produjeron ver algunas de las cintas del mago del suspense.

El documental está adornado por diversas secuencias de algunas de las obras más destacadas de la filmografía de Hithcock, como La ventana indiscreta, Sospecha, Vértigo o Con la muerte en los talones por citar tan solo algunas. Bastante curioso resulta ver en pantalla el storyboard de la escena de la ducha de Psicosis explicada por el propio Hitchock y extraída de las conversaciones.

Uno de los momentos a destacar dentro del documental ocurre a finales del mismo, cuando los espectadores son testigos de la sesión de fotos que llevaron a cabo ambos realizadores y del buen entendimiento que hubo entre ellos en todo momento. No en vano, a raíz de esta serie de entrevistas surgió entre ambos realizadores una relación de amistad que se mantuvo durante años hasta el fallecimiento de Hitchock.

Otro de los momentos a destacar es cuando realizadores actuales como Scorsese o Fincher se pregunta de si Hithcock hubiera podido trabajar con actores tan metódicos de la actuación como Robert DeNiro, Al Pacino o Dustin Hoffman en caso de haber coincidido en el tiempo y conociendo como se preparaban sus papeles los intérpretes mencionados. Hubiera sido bastante curioso desde luego.

Un documental imprescindible que los aficionados al cine no deberían dejar pasar. Tanto por su valor cinematográfico como por ver plasmado en imágenes uno de los mejores libros de entrevistas de la historia del cine y que nos  recuerda la razón de nuestra pasión por el séptimo arte.

Cuando uno acaba de verlo, le entran ganas de volver a ver algunas de las cintas que se comentan para volver a fijarse en los detalles que son mencionados en el mismo y que ya forman parte de la historia del cine.

A continuación el tráiler:

microteatro: Avon llama a tu puerta

Una de las frases que más escuchaban las amas de casa años ha, era "Avon llama" y en el que unas señoritas se dedicaban a vender puerta por puerta productos de cosmética. Es precisamente este famoso reclamo publicitario, que los que hemos sobrepasado la treintena hemos oído en alguna que otra ocasión, la base sobre la que se asienta la obra de microteatro que tuve oportunidad de ver ayer y que fue su último pase. Una vez más agradecer a los responsables del recinto la cesión de una entrada para poder disfrutar de la misma.

Dirigida por Darío Frías y con guión de Fátima Delgado y Víctor Sánchez Alonso, la trama nos cuenta como María (Fátima Delgado) es una opositora para ser notaria muy agobiada que recibe la visita de Moni (Brishel Santoro) vendedora de Avon que le hará tomarse la vida de otra manera.

Obra muy divertida cuyo punto fuerte es la buena química que demuestran sus dos actrices. Ambas se compentran bien gracias a sus personalidades distintas, que acaban por complementarse en el tercio final de la misma.

Después de una larga trayectoría a sus espaldas como intérprete, Darío Frías vuelve a ponerse a dirigir una obra de microteatro tras haberlo hecho en anteriores ocasiones y haber hecho lo propio en formato largo. La opción de la comedia ha sido acertada, ya que es un terreno en el que suele desenvolverse bien este actor al que hemos visto en roles episódicos en Mis adorables vecinos, Con el culo al aire o Cuéntame como pasó, o en la cinta Esto no es una cita ya reseñada aquí http://cinefagia80.blogspot.com.es/2014/12/pelicula-esto-no-es-una-cita.html, y a quien veremos en pantalla dentro de poco en Cinebasura: La película.

Esta era la segunda ocasión en la que tenía ocasión de ver a Fátima, después de haberla visto en un rol más serio en la obra No sin mi libro http://cinefagia80.blogspot.com.es/2016/01/microteatro-no-sin-mi-libro.html aquí tiene oportunidad de interpretar un rol más relajado y divertido, dando rienda suelta a su faceta más payasa y demostrando una gran vis cómica.

El personaje que interpreta en esta ocasión es el de una persona inocente, con muchos miedos e inseguridades y que necesitaba el toque de atención y espabilar, lo que consigue gracias a la visita de la vendedora de Avon.

En cuanto a su compañera de reparto esta era la primera ocasión en que tenía ocasión de verla y espero que no sea la única. Es el contrapunto perfecto a Fátima, a quién va cambiando poco a poco a medida que avanza la obra. Se puede decir que es su Pepito Grillo pero a la inversa, aquí el rol que desempeña Brishel anima a Fátima a vivir más la vida, a ser algo más alocada y a tomar decisiones por ella misma.

Brishel se mete en la piel de la típica vendedora que está de vuelta de todo, con mucha labia y que no deja escapar una venta si tiene ocasión. Su estilo de vivir la vida en nada tiene que ver con el de Fátima, el personaje que interpreta demuestra haber vivido mil cosas y exprimido la vida al máximo.

Uno de los instantes que más hilaridad causaron en la audiencia, fue cuando el personaje de Fátima da rienda suelta a la niña que lleva dentro y deja salir toda la tensión que llevaba dentro a causa de la oposición. Seguro que a los más puristas de la música no les hará gracia la defensa de cierto estilo musical que tiene gran importancia en la trama, pero que demuestra ser clave para que María se suelte y aprenda a vivir la vida.

Pese al tono abiertamente cómico de la obra, hay un transfondo bastante trágico y es el de seguir aquellas imposiciones o tradiciones existentes en una familia, tan solo para seguir con el legado que ha sido norma en la misma, ya sean médicos, arquitectos o abogados como ocurre en el caso de la protagonista de la obra. Sus padres nunca les preguntaron si de verdad querían desempeñar una profesión que han venido desempeñando de generación en generación.

Una nueva muestra del talento que demuestran los implicados que sacan adelante los proyectos de microteatro. Pese a que ya no esté la obra en cartel, en el siguiente enlace podéis echar un vistazo a las obras que se están representando y que lo harán en un futuro: http://www.elesconditeatro.com/

series: top intro series vol. 4

Hoy de nuevo volvemos a retomar un hilo en el que vamos a recordar aquellas intros de nuestras series favoritas. Tal y como ocurrió en la entrada anterior, vamos a hablar de shows de dibujos animados que marcaron la infancia de muchos, con personajes en su mayoría que ya forman parte de la cultura popular. Así pues preparar el bocadillo de nocilla y vamos a dejarnos llevar por la nostalgia.

Thundercats: emitida entre 1985 y 1989, la serie constó de 130 capítulos repartidos entre 4 temporadas. La serie se basaba en los personajes creados por Theodore Walter Wolff y fue dirigida por el japonés Katsuhito Ayama. El tema fue compuesto por Bernard Hoffer. La trama nos contaba como los Thundercats, unos felinos humanoides con habilidades especiales como fuerza o velocidad, huyen de la explosión de su planeta y buscan uno nuevo donde vivir. Al llegar al tercer planeta, llamado así por ser el tercero más próximo al sol, tendrán que hacer frente a los mutantes liderados por el temible hechicero Mumm-Ra. Acción, aventuras y diversión para una serie que de forma reciente ha sido objeto de remake y cuya intro de entrada es de las más dinámicas dentro de los dibujos animados de los ochenta como podréis ver a continuación:

Bravestarr:  emitida entre 1987 a 1988, contó con una única temporada de 65 episodios.Perteneciente a Filmnation, mismo estudio de animación que He-Man, la serie fue creada por Donald Kusher y Peter Locke. La trama nos contaba como en el Siglo XXIII en el planeta conocido como Nuevo Texas, el marshall Bravestarr ayudado por su caballo Treinta-Treinta tratará de impedir que la pandilla carroña liderada por el malvado Tex-Hex se haga con el kerium, un mineral de gran valor. Esta es la primera serie en la que un nativo americano era el protagonista, y sus poderes venían al invocar los espíritus del oso, águila, lobo y puma que le proporcionaban fuerza, ver a grandes distancias, oír cosas que otros no oían y super velocidad respectivamente. Al igual que en el show de He-Man, al final de cada capítulo había una lección moral.  Una serie bastante divertida y que ha pasado un poco más desapercibida que otras de la época, lo que es una pena puesto que era muy entretenida. A continuación la intro:

He-Man y los Masters del Universo: basada en la línea de juguetes creada por Mattel, tuvo dos temporadas emitidas entre 1983 a 1985 y constó de 130 capítulos. El tema de cabecera fue obra de Shuki Levy y Haim Saban. La serie nos contaba como en el planeta Eternia, el príncipe Adam se transformaba en He-Man y con la ayuda de sus aliados impedía los malvados planes de su némesis Skeletor. Serie recordada por muchos que estamos en la treintena y con cuyos juguetes hemos jugado en alguna que otra ocasión. Fue adaptada al cine en 1987 con Dolph Lundgren y Frank Langella, dando vida a He-Man y Skeletor respectivamente. Al igual que ocurría con Bravestarr, al final de cada episodio había una lección moral. A continuación la intro:

Gárgolas: creada por Greg Weisman y Frank Pur, contó con  temporadas emitidas entre 1994 a 1997 y constaba de 78 capítulos. Fue emitida por Disney y se caracterizaba por un tono oscuro que no solían tener las series emitidas por la factoría del ratón Mickey. La trama de la serie nos contaba como las gárgolas lideradas por Goliath protegían el castillo escocés de Wyvern hasta que fueron hechizados y solo podían romper el hechizo cuando el castillo fuera elevado sobre las nubes. Cuando el billonario Xanadu traslada el castillo a Nueva York, nuestros protagonistas despiertan y protegerán a la ciudad de la amenaza de Xanadu, Demonia y el gran mago. Una serie donde la magia, la mitología y la acción eran las bases sobre las que asentaba y contaba un diseño de personajes bastante molón. A modo de curiosidad parte del reparto de las series de Star Trek como Voyager, Espacio profundo nueve y La nueva generación prestó sus voces a algunos de los personajes. A continuación la intro:

libro: Delirios de persecución

Hoy vuelve a aparecer por este blog una autora que apareció unas entradas atrás. En esta ocasión vengo a hablaros de la obra que supuso su debut en el mundo literario, una hábil mezcla de thriller y drama que engancha desde sus primeras páginas, donde pasado y presente se dan la mano y mantiene la atención de los lectores en sus casi 300 páginas.

Escrito por Alicia Huerta el libro nos narra la historia de Marcos, quién tras perder a su mujer Claudia y su hijo de manera trágica se tomará una excedencia de su trabajo para viajar a Santander para recuperarse. Lejos está de imaginar la aventura que está a punto de vivir, cuando se vea involucrado sin pretenderlo en una trama de tráfico de obras de arte y en donde su mujer, a quién recuerda de manera constante, tiene mucho que ver.

Pasado y presente se dan la mano en una narración ágil y con constantes saltos en el tiempo, en donde poco a poco vamos conociendo más acerca del pasado de Marcos y de como la enfermedad mental que padecía su mujer, manía persecutoria, afectaba su relación.

Es precisamente la culpabilidad el cimiento en el que asienta el libro. ¿Los acontecimientos hubieran discurrido de otra forma de haber hecho caso Marcos a lo que le decía su mujer? ¿Todo lo que contaba lo ignoraba conociendo la enfermedad que padecía, creyendo que eran fruto de su imaginación? Eso es lo que Marcos no deja de preguntarse a medida que va conociendo más las circunstancias que rodearon la misteriosa muerte de su esposa y la rememora en sus recuerdos.

Mediante un personaje ficticio Alicia nos muestra una triste realidad. La de aquellas personas que ven condicionada su vida y relaciones por tener a alguien de su entorno afectada de manía persecutoria. La paciencia que demuestran día a día es digna de elogiar, pero llegan momentos en los que no pueden más y se derrumban viéndose impotentes ante el avance de la enfermedad y la manera en la que afecta a sus seres queridos.

Los tres protagonistas principales, Marcos, María y Claudia están muy bien construidos y presentan no pocas capas, que nos van siendo reveladas a medida que avanzan la investigación sobre el paradero del codiciado tesoro y las circunstancias que rodearon la muerte de Claudia. Tanto Marcos como María, a quién conoce en Santander, son dos personas marcadas por un pasado del que no pueden huir y del que intentan escapar sin conseguirlo.

Además de la culpabilidad temas como el amor, la codicia o la duda están presentes a lo largo de las páginas. Todos ellos conforman un perfecto coctel en el que estos sentimientos acompañan a los lectores a medida que avanzan en la lectura.

El final de la obra, que por supuesto no voy a desvelar, casa con el tono predominante que tiene el libro. Es bastante amargo, en el que sin embargo podemos ver un leve rayo de esperanza para el personaje de Marcos, cuya evolución a lo largo de la trama es más que evidente. El Marcos que vemos al final de la novela no se parece en nada al que conocimos cuando empezó todo.

A medida que avanzaba en su lectura me pareció ver como la autora rendía homenaje, no sé si de forma evidente o no, a una obra clave de la literatura negra como es El halcón maltés de Dashiel Hammet. En donde un grupo de personas andaban tras la pista de un objeto de gran valor, y no se detendrían ante nada para conseguirlo. Pese a que tanto El halcón maltés como Delirios de persecución no podrían ser más distintas en su conclusión.

Un buen libro que nos mantiene enganchados y en donde las relaciones entre los personajes importan más que el misterio que planea a lo largo de sus páginas.

pelicula: La llegada

Durante los últimos 20 años están surgiendo una serie de realizadores llamados a recoger el testigo de los directores clásicos. Los primeros ejemplos que se me vienen a la mente son David Fincher, Christopher Nolan y Denis Villeneuve. Es precisamente la última propuesta del canadiense la que se va a analizar hoy en este blog, una cinta de ciencia ficción cuyo espíritu se acerca bastante a Interstellar, y en algunas ocasiones a El árbol de la vida de Terrence Malick, en el que es hasta ahora el último film estrenado del director de la trilogía del caballero oscuro.

Dirigida por Denis Villeneuve con guión de Eric Heisserer y basado en el cuento corto "Historia de tu vida" de Ted Chiang, la trama nos cuenta como la llegada de 12 naves a nuestro planeta hace que los militares estadounidenses a las ordenes del coronel Weber (Forest Whitaker), se pongan en contacto con la experta lingüista Louise Banks (Amy Adams) para determinar las intenciones de los visitantes. En su aventura contará con la ayuda del físico Ian Donnelly (Jeremy Renner).

Ya durante los primeros avances de la cinta se veía que estábamos ante algo distinto. Los trailers nos mostraban lo necesario. Cuanto menos sepas de La llegada mejor, hay que llegar lo más ignorante posible a la proyección.

Con apenas dos años de diferencia se han estrenado en nuestras pantallas dos de las mejores cintas de la ciencia ficción de los últimos años. La cinta que hoy se analiza y la ya citada Interstellar. Ambos films tratan la ciencia ficción desde un aspecto más terrenal y metafísico, pero sin dejar de lado el aspecto fantástico de la historia pese a que este sea lo de menos. Las dos cintas buscan crear emociones y sensaciones en el espectador, haciéndoles pensar a la vez que disfrutan de una propuesta que se sale de lo habitual hoy día.

Varios son los aspectos a destacar dentro de la película. El primero de ellos como no podía ser de otra forma es la realización de Villenueve, que con cada nueva propuesta no para de dar alegrías a los que le venimos siguiendo desde Incendies la cinta que le dio a conocer al gran público. Es un cineasta que aporta su particular punto de vista en cada nuevo proyecto en el que se involucra y que no deja indiferentes a los espectadores. Si con esta cinta ha conseguido tan buenos resultados contando con un presupuesto modesto, no quiero ni imaginar lo que puede hacer con uno más amplio como el que contará en la secuela de Blade Runner y en la que contará con Ryan Gosling y Harrison Ford en su reparto.

Los dos siguientes aspectos son como no podía ser de otra forma el trabajo de los actores. En primer lugar destacar la interpretación de Amy Ryan. Con esta nueva cinta demuestra ser una de las interpretes con más talento de su generación, capaz de saltar de grandes superproducciones como El hombre de acero a otras cintas más modestas como La duda, The fighter o The master en los que mostrar su talento como actriz. Por estos tres papeles estuvo nominada a los Oscar, sin que todavía haya ganado la tan ansiada estatuilla. Aquí Adams interpreta a una mujer decidida y que busca encontrar un entendimiento con los extraterrestres que han llegado a nuestro planeta. En no pocas ocasiones en La llegada Adams consigue transmitir más con una mirada o con gestos que con líneas de diálogo.

Su compañero de reparto Renner no le anda a la zaga. Aquí demuestra que es capaz de ofrecer buenas interpretaciones y de ser un buen actor dramático si le dan los roles adecuados, como ya se encargó de demostrar en En tierra hostil, papel por que fue fue nominado a mejor actor, The Town, volviendo a estar nominado esta vez en la categoría de actor secundario, o La gran estafa americana en la que coincidiría por primera vez con Adams. Al igual que su compañera de reparto, alterna las grandes producciones como Los vengadores o Misión imposible: nación secreta con producciones más modestas como Matar al mensajero. En La llegada sirve de contrapunto perfecto al personaje de Adams, aportando un sentido del humor bastante irónico. Su personaje demuestra ser esencial en un momento determinado, y que por supuesto no voy a desvelar para no reventaros la película.

El cuarto aspecto es el uso de los efectos especiales, de los cuales no se abusa a lo largo del metraje. Así hay que destacar tanto el aspecto que lucen los extraterrestres, de aspecto sencillo pero a la vez impresionante, como por la forma que tienen de comunicarse con la lingüista a la que da vida Adams. Aquí los efectos sirven para complementar a la historia y no al revés.

A lo largo del metraje a los espectadores se les va dando piezas que han de ir ensamblando, las cuales terminan de encajar una vez acabada la cinta y hacen que todo lo que hemos estado viendo cobre sentido. Es una película a la que hay que permanecer atento y no perderse detalle de lo que está ocurriendo en pantalla.

Una gran cinta de ciencia ficción que nos demuestra que hay vida más allá de Star Trek o Star Wars y que está llamada a convertirse en uno de los clásicos de este género. Al que ya pertenecen filmes como 2001, Blade Runner o Interstellar.

A continuación el trailer:

 

libro: Rob Zombie, las siniestras armonías de la sordidez

En el cine de terror actual hay un director que tiene su propio estilo, a la hora de hacer pasar un mal rato a los espectadores mientras los entretiene. Me estoy refiriendo a Rob Zombie, el que fuera líder de la banda heavy White Zombie y actualmente en solitario, es un cineasta claramente influeciado tanto por las obras más clásicas del cine de terror de la Universal (Drácula, Frankenstein) como de las películas más modernas y que son piezas clave dentro del género (La matanza de Texas, La noche de Halloween). La entrada de hoy es el primer ensayo que se publica acerca de su figura. Desde aquí dar las gracias a la editorial por hacerme llegar un ejemplar de cortesía para reseñar.

Escrito por Daniel Rodríguez Sánchez y publicado por Tyrannosaurus books, el presente volumen se dedica a analizar los títulos que componen, hasta la publicación de la obra en 2014, la filmografía de Zombie. Un estudio bastante completo, repleto de anécdotas y curiosidades diversas que harán las delicias tanto de los aficionados al cine de terror en general, como para aquellos que quieran saber más acerca de la figura del realizador.

El libro con una extensión de casi 350 páginas consta de una introducción a cargo de la propia editorial, y de Miguel Díaz director de la web Ultramundo.Y de un prólogo a cargo de Javier G. Romero que sirve de antesala ante lo que vamos a leer a continuación. De este modo el autor pasa a ofrecernos una breve biografía de Zombie, tanto personal como profesional en su faceta musical, en el que poco a poco se nos va desvelando como aquel chico cuyos padres eran feriantes ambulantes empezó a aficionarse al heavy, al terror y a los dibujos dejando en él un poso que serviría de influencia en sus trabajos posteriores.

Después de saber algo más sobre su faceta personal, el autor pasa a desgranarnos en cada uno de los capítulos posteriores cada una de las cintas que componen su filmografía hasta la fecha. La casa de los 1000 cadáveres, Los renegados del diablo, Halloween: el origen, Halloween II, The haunted world of El Superbeasto (cinta de animación) y The lords of Salem son analizadas con detalle. De esta forma, Daniel nos presenta una pequeña sinopsis del film para a continuación desgranar el mismo desde su punto de vista personal.

A lo largo de sus páginas el lector nota la admiración que el autor siente por Zombie. En no pocas ocasiones Daniel demuestra su fascinación por el realizador perteneciente a lo que se bautizó como Splat pack, y al que pertenecen los nuevos directores dentro del género del terror llamados a recoger el testigo de Wes Craven, John Carpenter o Tobe Hopper. Así, dentro del Splat pack encontramos a James Wan (Saw), Alexandre Aja (Alta tensión) o Eli Roth (Hostel). Directores que buscan un acercamiento a un terror más visceral y explícito, una de las características del cine del terror de los 70 y del que fueron figuras claves Craven y compañía.

El trabajo de documentación que ha llevado el autor ha sido exhaustivo, puesto que en no pocas ocasiones a lo largo del volumen nos encontramos con extractos de entrevistas a Zombie. Y también horas de visionado en lo que a las cintas se refiere, puesto que dentro del análisis Daniel nos habla de los diferentes montajes o ediciones conocidas de las películas arriba mencionadas y de las diferencias que existen entre ellos.

Los capítulos cuentan con diversas fotografías de la película, tanto del poster de la misma como de diversos fotogramas o de instantáneas tomadas en el set de rodaje.

En el tramo final del libro Daniel nos habla de un proyecto que por ahora está en pausa, y que espero que algún día se haga realidad. Me refiero al falso trailer Werewolf women of the SS y que acompaño al proyecto Grindhouse de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez. La influencia del cine de exploitation con Ilsa, la loba de las SS a la cabeza es más que evidente. Un gran trailer que podéis ver a continuación:

En las páginas finales Daniel nos cuenta los trabajos que Zombie llevó a cabo tanto en el mundo del comic, como en la televisión en donde dirigió al igual que Tarantino, un capítulo para CSI en su franquicia de Los Ángeles, en un dato que desconocía y que me sorprendió saber.

La única pega que se le puede poner al libro, es que hay un par de erratas sin importancia y que no deberían de desmerecer el tremendo trabajo que Daniel ha llevado a cabo. No hay que juzgar toda la obra por un par de fallos, que se le pasaron al autor a la hora de llevar a cabo el trabajo que se ha metido entre pecho y espalda.

La editorial Tyrannosaurus está sacando libros bastante interesantes para los aficionados al cine, por lo que esperemos nos siga dando alegrías sacando propuestas tan amenas y entretenidas como la que hoy se ha analizado aquí.

pelicula: Una pandilla de lunáticos

Los años 80 y parte de los 90 fueron una buena época para Michael Keaton. Saltaba de la comedia al drama, pasando al thriller o al género de acción sin problema alguno. Fue antes de convertirse en el hombre murciélago, cuando interpretó una cinta poco conocida que merece reivindicarse y de la que voy a hablaros en la entrada de hoy. Y en donde el intérprete de Bitelchús vuelve a dar muestra de su vis cómica, ya desarrollada en anteriores trabajos como Turno de noche o Johnny Peligroso.

Dirigida por Howard Zieff en 1989 y con guión de Jon Connolly y David Loucka, la cinta nos cuenta como Billy (Michael Keaton), Henry (Christopher Lloyd), Jack (Peter Boyle) y Albert (Stephen Furst) son cuatro pacientes de un psiquiátrico a los que su médico el doctor Weitzman (Dennis Boutsiakaris) decide sacar para ver un partido de béisbol creyendo que les beneficiará de cara a su recuperación. Pero al llegar a la ciudad el doctor sufre un accidente, por lo que ahora los cuatro pacientes andarán por Nueva York a su aire.

Todavía me acuerdo cuando vi esta película. Fue en el cine de verano con mi familia y me lo pasé genial. Y algunas de las situaciones nos arrancaron no pocas carcajadas, sobre todo al buen hacer de sus actores y a sus roles, cada uno de ellos con una personalidad definida. Keaton está genial como el líder de este peculiar grupo, al que le gusta mucho mentir y tiene problemas para controlar su agresividad. Lloyd vuelve a encarnar por segunda vez en su carrera a un loco, tras haber desempañado el mismo papel en Alguien voló sobre el nido del cuco y que supuso su debut en el cine, pero en esta ocasión es alguien que se cree doctor y con un gran afán por tener todo en orden y que salgan las cosas como estaban planeadas.
El tercero es discordia es el personaje de Boyle, que se cree Jesucristo reencarnado con las situaciones cómicas que ello conlleva sobre todo en un breve, pero memorable gag en el hospital y por último Furst encarna al más inocente de los tres y que tan solo sabe comunicarse mediante términos de béisbol.

Además de los actores mencionados, cabe destacar en el reparto dos intérpretes tan solventes como Lorraine Bracco, recordada sobre todo por intervenir en Uno de los nuestros y ser la psiquiatra de Tony Soprano en Los Soprano, y James Remar, eterno secundario y a quién los aficionados al cine más veteranos recordamos por ser Ajax en de The Warriors y más tarde por ser el padre de Dexter en la serie homónima. Bracco encarna al interés amoroso de Keaton, mientras que Remar encarna al villano que provoca el accidente del doctor.

Lo mejor de la cinta sin duda alguna es la complicidad que demuestran los cuatro actores principales, cada uno dispone de su momento de lucimiento. En esta película Keaton ya empezaba a dar muestras que tenía madera de estrella, lo que acabó de confirmarse poco después al convertirse en Batman. En cuanto a Lloyd y Boyle aportan su veteranía a un film cómico, género que no les era en absoluto desconocido al igual que Furst, en cuya carrera se encuentran dos títulos esenciales de la comedia americana de finales de los 70 y principios de los 80 como fueron Desmadre a la americana y Los albóndigas en remojo.

Después de este film su realizador dirigió las dos partes de Mi chica, retirándose del cine debido a la enfermedad de Parkinson.

Una película bastante simpática que funciona más por algunas situaciones, que por la acumulación de gags. La pega que se puede poner es que su duración es cercana a las dos horas, lo que puede acabar jugando en su contra. Tal vez diez minutos menos le hubieran favorecido.

Si no la habéis visto os la recomiendo. Es una pena que no sea más conocida salvo por aquellos que la vimos en cine y es una manera de ir calentando motores antes del estreno del la última película de Keaton en la que interpreta al creador de Mcdonalds.

A continuación el trailer:

película: Ángeles sin cielo

De vez en cuando suelen estrenarse cintas que pasan desapercibidas, pese a contar en su reparto con caras conocidas para el público o contar una historia simple pero a la vez interesante. Este es el caso de la entrada de hoy, que nos muestra la cara más amarga de los Estados Unidos, tierra de oportunidades y donde cualquiera puede conseguir el tan ansiado sueño americano. Salvo para los protagonistas del film, que debido a su condición social solo pueden aspirar a tener su propio sueño.

Dirigida en 1993 por Tim Hunter y con guión de Lyle Kessler, la trama nos cuenta como Matthew (Matt Dillon) un joven esquizofrénico va a parar a un refugio para indigentes, después de ser derruido el edificio donde vivía. Allí coincide con Jerry (Danny Glover), un veterano de Vietnam que le salvará de ser robado por Leroy (Ving Rhames). Desde ese momento se establecerá entre ambos una relación de amistad.

Todavía me acuerdo cuando descubrí esta película. Fue en Canal + hace muchos años, la pille de casualidad y debido a que sus dos actores me resultan simpáticos le di una oportunidad. No sabía nada de ella y me encantó. Es una de esas historias que te mantienen con un nudo en la garganta, es una cinta dramática sin llegar a ser lacrimógena. Su objetivo no es el de hacer llorar, sino el de conseguir emocionar a los espectadores. Y desde luego lo consigue.

Dillon da muestra aquí una vez más su talento interpretativo, como ya hiciera en Crash, Drugstore Cowboy, La trampa del caimán o Solteros. Glover demuestra que es algo más que el personaje de Arma Letal, interpretando a uno de los personajes más amables dentro de su larga trayectoria profesional que incluye títulos como Bopha, Grand Canyon o Rebobine por favor. Por su interpretación en esta cinta, Dillon se alzó con el premio al mejor actor en el Festival de cine de Estocolmo.

Dentro del apartado de secundarios encontramos caras conocidas como Aida Turturro (Deep Blue Sea), Nina Siemaszko (Ilusiones de un mentiroso) o los ya fallecidos Joe Seneca (Cruce de caminos) y Rick Aviles (Ghost), quienes comparten algunos minutos en pantalla con estos actores. Por lo que todo el peso interpretativo cae sobre Dillon y Glover, que superan esta prueba con nota.

La carrera posterior de su realizador se ha desarrollado en su mayoría en la televisión, habiendo dirigido capítulos para series como Hannibal, Mad Men, Carnivale o Revenge. 

Sorprende ver en una cinta claramente independiente, que la partitura de la misma haya sido compuesta por James Newton Howard (Los juegos del hambre, Batman Begins junto a Hans Zimmer) más acostumbrado a grandes producciones que a un film más pequeño.

La película nos habla de la amistad de dos hombres que lo han perdido todo, que no tienen nada salvo a si mismos y sus relaciones de amistad se limitan a aquellas personas que se ven en su misma situación. Pese a que apenas tienen ingresos, cuando los obtienen los ahorran con vistas a montar juntos un futuro negocio o a compartirlo con sus amigos indigentes. El director nos ofrece un retrato crudo, pero a la vez esperanzador de dos personas que no se resignan a su destino y buscan escapar del mismo en busca de un futuro mejor.

Lo que juega en contra de la producción es el aspecto de telefilm que hay en todo momento, lo que no quiere decir que sea malo en absoluto. Es solo que en todo momento, uno tiene la sensación de ver la típica película de los fines de semana por la tarde en Antena 3. Lo que es una verdadera pena, si la cinta hubiera contado con más medios el resultado final hubiera sido sin duda alguna mucho más satisfactorio.

Una cinta desconocida pero que sin duda merece una oportunidad. Si os gustan las películas con buenas interpretaciones y con historias que llegan al corazón, darle una oportunidad. Seguro que no os vais a arrepentir.

A continuación el trailer:

espectáculo:WWE live in Madrid 2016

Un año más la empresa de entretenimiento WWE aterrizó en nuestro país, para hacer las delicias de grandes y pequeños que son seguidores del pressing catch. En esta ocasión y a diferencia de los años anteriores, los encargados del espectáculo fueron los luchadores (roster)  pertenecientes a la marca Smackdown cuando antes venían también de Raw. Durante casi tres horas las personas que abarrotaron el Barclays Center de Madrid, pudieron disfrutar con las acrobacias y golpes de estos artistas del ring.

Antes del comienzo del espectáculo los comentaristas oficiales de WWE en España por el canal de la TDT Neox, Fernando Costilla y Héctor del Mar dieron la bienvenida a los asistentes como ocurrió en el año anterior. Una vez hecha la presentación, los combates comenzaron a sucederse en el siguiente orden y en donde tanto los luchadores buenos (faces) como malos (heels) supieron meterse al público en el bolsillo. El orden de los enfrentamientos fue el siguiente:

- Rhyno, Heath Slater (campeones por parejas en Smackdown), The Hype Bros y Breezango vencieron a The Vaudevillians, The Usos y The ascencion en el combate que inauguraba la velada. Buena forma de comenzar, con alternativas para ambos bandos. Al final, cada uno de los luchadores especiales aplicó su finisher (golpe final) para intentar decantar el combate hacía su bando siendo el vencedor el bando face al aplicar Rhyno a uno de los Uso su finisher, y ganar por cuenta de 3.

- Curt Hawkins contra Apollo Crews: segundo combate de la noche y una de las primeras grandes ovaciones del público a Crews. Bonito combate en el que Crews dio muestras de su agilidad en no pocas ocasiones. Al final fue el luchador face Crews, el que se llevó la victoria al aplicar su finisher ante Hawkins, que poco pudo hacer ante el poderío físico de su contrincante.

- Baron Corbin contra Jack Swagger: a medida que avanzaba el combate, el luchador heel Corbin fue apoyado por no poca parte del público. Al final Corbin se llevó la victoria al aplicar su finisher sobre Swagger. Esta era la primera vez que veía a Corbin, no así a Swagger al que había visto en otros otros eventos en vivo y a quien sigue sin acompañarle la suerte antes sus adversarios en los espectáculos de la WWE en nuestro país.

- Natalya y Carmella contra Nikki Bella y Naomi: buen combate por parte de las divas, con alternativas para ambos bandos, siendo los primeros compases del combate para las heels Natalya y Carmella. En los instantes finales, al dar el relevo Naomi a Bella el enfrentamiento ganó en intensidad en sus instantes finales cuando Bella aplicó su finisher ante Carmella para que el bando face se llevara la victoria. Bella fue otra de las grandes ovaciones en esta primera parte del show.

- The Miz acompañado de Maryse contra Dolph Ziggler: primer combate de la noche en el que uno de los títulos, en este caso el intercontinental del que es poseedor Ziggler, se puso en juego. Ambos luchadores obtuvieron buena reacción por parte del público, Miz supo ponerse en su papel de heel haciendo que la gente reaccionara en su contra. Enfrentamiento muy parejo, con alternativas para ambos y uno de los mejores de la velada. Al final del combate, Maryse roció con spray la cara de Ziggler lo que provocó que el manager de Smackdown Daniel Bryan, llevándose una de las grandes ovaciones de la noche, saliera para echar a Maryse. Lo que aprovechó Ziggler para aplicar su finisher y llevarse la victoria y celebrando con Bryan la victoria.

Este combate fue el último de la primera parte y era el momento de recuperar fuerzas para lo que era la parte fuerte del espectáculo.

- Alexa Bliss contra Becky Lynch: segundo combate de divas donde de nuevo el título perteneciente a la división de mujeres, y del que es campeona Lynch se ponía en juego. Alternativas para cada una de las luchadoras, hasta que al final Lynch se llevó la victoria por cuenta de tres al aplicar su finisher ante Bliss, que supo ejercer como una gran heel al insultar y encararse contra el público.

- The Wyatt family ( Bray Wyatt y Luker Harper) y Randy Orton contra American Alpha y Kane: uno de los mejores combates, junto con el de Ziggler y el que ponía punto y final al evento, y que mayor reacción causó por parte de todo el público. Tanto unos como otros se llevaron las grandes ovaciones de la noche, la mayoría del combate estuvo dominado por los heels de la famlia y Orton hasta que llegó el momento del relevo a Kane que destruyó a los oponentes y llevándose la victoria al bando face al aplicar su finisher ante Harper.

- Dean Ambrose contra AJ Styles: el plato fuerte del evento, la razón por la que muchos asistimos al recinto. Dos de los mejores luchadores de la actualidad frente a frente en donde el título de campeón de los pesos pesados, del que es propietario Styles, se ponía en juego. Antes de que el combate diera comienzo, entro en escena el jobber (luchador que sirve para ser derrotado por otro y que de esta forma suba su popularidad) de moda James Ellsworth con el consiguiente cabreo de Styles, tras haber sido derrotado por Ellsworth en dos ocasiones y el descojono por parte de Ambrose. El mejor combate de la velada, con ambos luchadores muy entregados y dándolo todo para que el público disfrutase. Al final el título siguió en posesión de Styles al derrotar a Ambrose.

El espectáculo mereció mucho la pena, y hubo mucha complicidad tanto por parte de los luchadores como del público, que se lo pasó en grande al ver en acción a sus héroes en directo. Lo que sorprende de este tipo de veladas es que te encuentras con gente de todas las edades, lo que da muestras que del tirón que siguen teniendo estos luchadores en nuestro país.

Poco ha de importar al público que los resultados, salvo sorpresa mayúscula, se sepan de antemano. Lo que de verdad importa es el espectáculo que dan los luchadores, como se encaran con la audiencia al ejercer de malos y como interactúan con ella al ser buenos. El animar a unos o a otros, aplaudir sus acciones y movimientos, sin importarte que a tu lado tengas a un hombre de mediana edad, una chica o un niño, aquí todos han venido a lo mismo, a disfrutar. Algo que por supuesto se consigue año tras año, con cada una de las visitas de estos profesionales del espectáculo en nuestro país.

Este año pude quitarme la espina de ver a Ambrose en directo, por primera vez después de que el año pasado tuviera que ausentarse e irse a Reino Unido al lesionarse un luchador. Pero también a Styles, Orton o Kane con lo que cada vez me quedan menos luchadores por ver en directo sin contar a los que por motivos de salud o edad, no he podido ver.

película: Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás

Por segunda vez en su larga carrera, y por concretarse una tercera si se confirma la secuela de Top Gun, Tom Cruise vuelve a encarnar al mismo personaje en la segunda parte de Jack Reacher, después de haber hecho lo propio con Ethan Hunt en la saga Misión: Imposible. En esta ocasión es Edward Zwick el realizador encargado de trasladar a la gran pantalla, las aventuras del personaje creado por el escritor Lee Child. Lo que supone la segunda colaboración entre Zwick y Cruise tras haber coincidido en El último samurai. Al no haber leído ninguna de las obras de Child, voy a juzgar la cinta en sí y no por la adaptación del libro en el que se basa.

La trama de la cinta nos cuenta como Jack Reacher (Tom Cruise), después de haber resuelto un caso se dirige a su antigua base para encontrarse con la comandante Susan Turner (Cobie Smulders) con la que ha empezado una relación de amistad. Pero al llegar a su destino, descubrirá que la miltar ha sido encarcelada de manera injusta. Reacher investigará el caso y a medida que avanza en sus pesquisas, verá que nada es lo que parece, a la vez que un secreto de su pasado cambiará su vida tal y como la conocía.

Hace cuatro años se estrenaba Jack Reacher, en donde coincidieron por primera vez Cruise y su director Christopher McQuarrie antes de volver a hacerlo en Misión imposible: Nación secreta. Si bien no fue el éxito rompedor que se esperaba, al menos si que recaudó el dinero suficiente para asegurar tanto a Cruise como a la Paramount, distribuidora del film, una nueva franquicia.

En esta segunda parte se nos presenta a un personaje mucho más humano que en su predecesora. Aquí Reacher ha dejado de ser un solitario.Tiene a alguien que le ayuda en su investigación, llega a sentir algo por el personaje encarnado por Smulders. En este aspecto Reacher recuerda a la evolución que ha tenido el personaje de Hunt en la saga antes citada. Pero mientras que a Hunt le tomó tres cintas el ir evolucionando, a Reacher tan solo le ha tomado dos.

Una de las principales pegas que se le puede poner al film es la némesis principal del protagonista, encarnado por Patrick Heusinger (Cisne negro) y que nunca llega a ser una amenaza real para Reacher. Le falta carisma, resulta soso, no resulta creíble en algún momento. Lo mismo que le pasaba al malo de la primera, encarnado con Jai Courtney (Terminator Salvation) que es lo más opuesto al carisma que uno puede ver hoy día en la gran pantalla. Algo que por contra si tenían otros villanos recientes de cintas de espías como Vincent Cassell en Jason Bourne o Christoph Waltz en Spectre.

Al tratarse de un thriller de acción, el mismo no concede un segundo de respiro al espectador. Desde que comienza el film, nuestro protagonista no para de moverse e indagar. Utilizando tanto sus habilidades intelectuales de investigador para resolver el caso, como las físicas en no pocas ocasiones para salir airoso de las situaciones de peligro en las que se ve envuelto. Sin dejar de lado alguna que otra triquiñuela que no se aprende en las academias militares.

La cinta contiene algunas secuencias de acción bastante chulas, destacando por encima de todas la que tiene lugar en la cárcel militar. Zwick mantiene aquí un buen dominio del montaje, algo que será una constante a lo largo del largometraje, alternando tiempos más tranquilos con otros más movidos.

La película es bastante correcta y cumple con el objetivo con el que fue hecha, que es el de entretener a los espectadores. Uno no ha de cuestionarse algunas cuestiones de guión, o el hecho de que Reacher parezca un superhéroe al salir casi indemne de algunas situaciones. Tiene que dejarse llevar por la propuesta tanto por parte de Zwick como de Cruise y disfrutar de un film entretenido.

Con este film Cruise vuelve a confirmarse como héroe de acción. A pesar de su edad tiene una gran condición física, lo que le lleva a desempeñar gran parte de las escenas peligrosas en la mayoría de sus películas lo que demuestra su implicación tanto física como interpretativa a la hora de sacar adelante los proyectos en los que se involucra.

Si os gustó el primer Reacher, sin duda pasaréis un buen rato con su secuela.

A continuación el trailer:

documental: I´m your man

Hoy los aficionados a la música nos hemos levantado con la triste noticia del fallecimiento de Leonard Cohen. El famoso cantautor canadiense creador de temas como Suzanne, So long Marianne o The future, nos dejaba con 82 años y con el que fuera su testamento musical You want it darker en el que se despedía de sus seguidores. 10 años antes el artista repasó su vida y carrera en un documental, y en un concierto homenaje a cargo de figuras tan destacadas como Nick Cave, Anthony and the Johnsons, Rufus Wainwright o U2, quienes ponen punto y final a la cinta junto a Cohen interpretando Tower of song.

Dirigida por Lian Lunson, el documental intercala entrevistas a Cohen donde el canadiense nos desgrana su vida a través de recuerdos, junto con las actuaciones musicales de los artistas arriba mencionados a la vez que expresan sus opiniones acerca de lo que significa Cohen para ellos.

Más que interesante film para los que somos seguidores de los documentales acerca de grandes figuras de la música. Baste recordar los ejemplos recientes de cintas como Amy, la chica detrás del nombre; Janis, little girl blue; When you´re strange sobre los Doors; Lemmy sobre el líder de Motorhead o Searching for sugar man  acerca de la misteriosa figura de Sixto Rodríguez y que ganó el Oscar al mejor documental en 2013, lo que demuestra el tirón que tienen este tipo de películas dentro de los amantes de la música y que nos permiten saber más sobre ellos.

Pude descubrir a Cohen gracias a la película Asesinos natos, en donde aparecían Waiting for the miracle al principio de la cinta y The future al final de la misma. Quedé intrigado por la profunda voz de este cantante, no fue hasta años después cuando supe su nombre gracias a un buen amigo que también era seguidor de su música, y empecé a oír más temas suyos. Fue en ese momento cuando me convertí en un gran fan de su trabajo. Además tuve la gran suerte de verle en directo en sus últimas actuaciones en nuestro país, en donde a pesar de su avanzada edad se marcó tres horas de concierto para alegría de sus seguidores.

Con una duración de 104 minutos, el film se beneficia de un montaje ágil y que hace que la cinta pase en un suspiro. Incluso en las partes más sosegadas de la cinta, aquellas en las que Cohen nos desvela sus recuerdos, tanto los más agradables como los amargos, entre los que se incluyen la muerte de sus padres o la traición por parte del que fuera su representante al robarle, uno no puede sino admirarse ante el aura que desprende el canadiense.

Siempre he mantenido que Cohen no es un cantante para todo el mundo. El canadiense más que cantar, recita las canciones como si fueran un poema. A ello ayuda la profunda voz de la que hacía gala en cada una de sus creaciones. Por eso siempre he dicho en forma de broma, que para oírle hay que vestir de negro, como solía hacerlo él, estar a oscuras con un paquete de cigarrillos y una botella de whisky para que nos guíe a través del desencanto y el desamor, dos de los grandes temas a lo largo de su discografía, mientras nos dejamos seducir por su voz.

Los artistas aportan su particular estilo a la hora de interpretar algunos de los temas más famosos del canadiense. Algunos con mayor fortuna que otros, pero cuando hasta el propio Cohen admite que la visión que ha aportado Rufus Wainwright sobre su canción Chelsea Hotel #2, dedicada a Janis Joplin y a la noche que Cohen pasó con la cantante, es que algo has hecho bien. A continuación pondré ambos temas para que podáis comparar y decidir:

Un documental imprescindible tanto para los amantes de la figura del cantautor canadiense, como para aquellos que quieran saber más sobre la figura del mismo. Si acaso la única pega que se le puede poner es que Cohen no nos desvele más aspectos sobre su vida, pero era muy reservado en lo que respecta a su privacidad. Los más puristas de los documentales musicales podrán decir que se abusan de las actuaciones musicales. En mi opinión todo queda compensado y deja con muy sabor de boca.

A continuación el trailer:

A modo de despedida, quiero compartir con vosotros otra de las grandes versiones del documental y una de mis favoritas, espero que os guste:

libro: El club de los etéreos

Todos los que hemos crecido leyendo comics de superhéroes soñamos con tener poderes. La habilidad de volar, lanzar rayos láser, leer mentes, ser superfuerte, son algunos ejemplos. Ahora imaginad que pagando un alto precio económico los podéis obtener, mola no. Pues no tanto, sobre todo si la bruja que os los concede no sabe cual será el resultado de los mismos, ya que se podéis pasar de ser superinteligentes a ser la persona más gafe del mundo. Esto es lo que les pasa a los protagonistas del libro de hoy, que podido leer gracias a que la autora me hizo llegar un ejemplar de cortesía. Desde aquí le doy las gracias.

Escrito por Aniel Dominic la obra está compuesta por 8 relatos relacionados entre sí, en los que sus protagonistas son mencionados en alguna ocasión y que tienen como nexo de unión tanto a la bruja Éter, como a la sustancia conocida como Gubba. Como es norma en este blog, paso a hacer un breve resumen de cada una de estas historias:

- Éter: en este capítulo la autora nos narra el nacimiento de la bruja Éter y de la sustancia Gubba, y como decide utilizar sus poderes a cambio de un beneficio económico. Este relato da el pistoletazo de salida al resto del libro, con un sentido del humor en el que la influencia de Terry Pratchett es más evidente.

- La broma del chirrido picante: un atracador con el poder de crear copias de si mismo, se dirige a un banco para dar un golpe. Lo que ignora es como terminará el mismo. De nuevo, el humor absurdo y las situaciones disparatadas mantienen con una sonrisa permanente a los lectores desde que comienza la historia hasta su conclusión.

- Un hueso duro de roer: un Yorkshire Terrier es el asesino más eficaz del mundo, y su nuevo objetivo resultará ser un gato megalómano infectado con la sustancia Gubba. De lejos, mi relato favorito, con el que mejor me lo pasé y la mezcla perfecta de humor y acción. Broncas, el perro asesino, es el mejor personaje del libro con diferencia, un auténtico tipo duro perruno.

- El club de los inanes: personajes con poderes tan diferentes como ser el hombre más gafe del mundo, un hombre que es odiado nada más verlo o una mujer con mala sombra son algunos de los integrantes de un club que obtuvieron sus poderes al hacer un trato con Éter. Historia muy divertida, una ida de olla bastante simpática que es el reverso con mala baba a la Patrulla X.

- Ms. No:  Anette es una pintora negra gigante y superfuerte, que por casualidad conoce a Talula a la vez que intentará detener la amenaza de tres enemigos habituales que, hartos de ser derrotados, deciden contratar a cierto asesino perruno. En esta ocasión la autora mezcla el humor con el drama, debido a la habilidad de Talula que por supuesto no voy a desvelar.

- Hajime: Kichiro es un joven con minusvalía que obtuvo su gran inteligencia, gracias al trato que hizo con Éter su abuelo Renzo antiguo boxeador. Cuando una amenaza de Corea del Norte amenaza con destruir Japón, llegará el momento de poner a prueba su intelecto. Drama, acción y mechas (robots gigantes) se dan de la mano para ofrecernos un coctel, donde los elementos casan muy bien sin que ninguno de ellos llegue a destacar por encima de los otros.

- El regalo: una mujer que recibió el don de regañar a los fantasmas, lo utilizará para ejercer de peculiar cazafantasmas. Guiños al cine tanto de terror como de comedia en un relato al que se le podía haber sacado más jugo, lástima que la autora solo rascara en la superficie ya que tenía muchas posibilidades.

- Blanditos poco escandalosos: Jay es un joven superdotado, que pasará a trabajar para cierto felino que quiere conquistar el mundo. Pero nuestro particular héroe intentará impedirlo cuando sufre un accidente, y recibe la ayuda de un personaje que ya apareció anteriormente.

Aquí vuelve a cumplirse la norma no escrita en las antologías de relatos, en los que unos son mejores que los otros. El que menos me gustó, El regalo no es que sea horrible, dista mucho de serlo, pero le falta algo para terminar de ser tan redondo como los anteriores. Un personaje más simpático, el no haber metido tantas referencias al cine, o tal vez otra conclusión hubieran sido sin duda alguna cambios que hubieran favorecido el resultado final.

La influencia de Terry Pratchett, Monty Python, el cine de terror y de los 80, la cultura popular y el surrealismo son más que evidentes en este libro. Todos estos elementos, en apariencia tan diferentes entre sí, son mezclados por la autora para ofrecernos una novela de carácter divertido, pese a que en los relatos de Hajime y Ms.No, el drama haga acto de aparición y consigue ponerte un nudo en la garganta.

Esta es una obra con la que los seguidores del humor absurdo, la cultura popular y la acción se lo pasarán en grande. Aquellos que no estén acostumbrados a leer este tipo de relatos con estos elementos, o que no les hagan ninguna gracia, sin duda alguna echarán sapos y culebras del libro.

pelicula: Sully

Era solo cuestión de tiempo que dos de las grandes figuras del Hollywood de los últimos 30 años acabaran por trabajar juntos. Tanto Eastwood en su faceta de director y actor como Hanks, han regalado a los espectadores algunas de las mejores películas de estas tres décadas. Million Dollar Baby, Sin perdón o Mystic river en el caso del primero y Forrest Gump, Salvar al soldado Ryan o Camino a la perdición en el segundo. Ahora ambos unen sus fuerzas para traernos la historia del piloto que, en enero de 2009, salvó la vida de las 155 personas entre tripulación y pasajeros al amerizar el avión en el río Hudson.

Dirigida por Clint Eastwood y con guión de Todd Komarnicki basado en libro de Chesley Sullenberg, la trama nos cuenta como el capitán Chesley "Sully" Sullenberg (Tom Hanks) se convierte en un héroe al conseguir amerizar la nave que tripula en el río Hudson debido a una avería provocada por una bandada de pájaros junto con la ayuda de su copiloto Jeff Skyes (Aaron Eckhart).

Con esta cinta Eastwood vuelve a demostrar que es uno de los mejores realizadores de la actualidad. Y afronta, por quinta vez en su carrera. el biopic como ya hiciera en Bird, Jersey Boys, J. Edgar y El francotirador.Y que es capaz de moverse como pez en el agua en cualquier género, ya sean thrillers, dramas, bélicas, westerns o acción.

Y nadie como Hanks a la hora de dar vida al americano medio, aquellas personas anónimas que nos  encontrarnos por la calle y capaces de realizar grandes hazañas. Aquí se confirma que el protagonista de Náufrago es el heredero natural de James Stewart, que tan bien supo encarnar a este tipo de personajes en cintas como Caballero sin espada o Qué bello es vivir, por citar dos de las cintas más características dentro de su filmografía.

Esta es sin duda una de las cintas más optimistas dentro de la carrera de Eastwood, cuya filmografía de un tiempo a esta parte, se ha caracterizado por películas con una carga más dramática que Sully. Y nos muestra la lucha de un hombre, contra los superiores que cuestionan la decisión que tomó.

Tres son los momentos que más me gustaron dentro de toda la película. El primero de ellos es, como no podía ser de otra forma, la secuencia del accidente del avión, su amerizaje y el salvamento de todas las personas llevado a cabo por los ferrys que había en la cercanía y por los helicópteros de rescate.

El segundo tiene lugar en el final de la cinta, durante la vista que tiene lugar para cuestionar la decisión de Sully. Y hasta aquí puedo decir para no reventar lo que pasa.

El último es un breve instante, cuando Sully está siendo examinado por un doctor y un compañero de la aerolínea le confirma que no ha habido ningún muerto. Hanks no dice ninguna palabra, pero con la mirada expresa lo que siente.

En esta cinta no hay un villano como tal. Los que se encargan de realizar la investigación no son presentados así, pese a que Eastwood podría haberlo hecho. Se limitan a hacer su trabajo, y juzgar si la forma de actuar del personaje de Hanks fue la apropiada o no.

Esta es la película más corta dentro de la carrera de Eastwood como director, puesto que su duración apenas sobrepasa los noventa minutos. Va directa al grano, nos muestra las relaciones de Sully tanto con Skiles como con su esposa Lorraine (Laura Linney), a la vez que nos presenta como Sully no alardea en ningún momento de lo que hizo, afirmando que es su trabajo. Por ello, la elección de Hanks para dar vida al piloto no ha podido ser más acertada.

Un buen título dentro de la filmografía de Eastwood, en donde hay que destacar la labor de Hanks que este año nos ha ofrecido dos grandes actuaciones de hombres corrientes, tanto en Esperando al rey como en Sully, interpreta a personajes que ven cambiada su vida gracias a un suceso en los que tienen una implicación directa.

A continuación el trailer:

libro: Here is Johnny. Las pesadillas de Stephen King. Vol. 1

Si hay un autor que durante los últimos 40 años ha dominado la literatura de terror, este es sin duda alguna Stephen King. El escritor oriundo de Maine ha sido el padre de no pocas creaciones, que han causado pesadillas y escalofríos a todo aquel que se ha acercado a su obra en alguna que otra ocasión, bien sea leyendolas o viendo alguna adaptación de las mismas. La presente entrada es el primer volumen de dos, que abarca sus comienzos desde 1974 hasta el año 1989.

Escrito por Tony Jiménez, el presente volumen supone un análisis bastante exhaustivo de la obra de King y que quedará completado en un segundo tomo. Aquí el autor del ensayo abarca desde Carrie hasta La mitad oscura, pasando por las novelas creadas por Richard Bachman (Carretera maldita, El fugitivo, Rabia, Maleficio y La larga marcha), el álter ego del maestro del terror.

El libro cuenta con una pequeña introducción seguida de una breve biografía de King, puesto que la autobigrafía del autor de Maine se encuentra editada con el nombre de Mientras escribo. Lo que Jiménez hace aquí es sintetizar la vida del maestro del terror en pocos capítulos y se centra más en su primera etapa, en la que nos regaló algunas de sus mejores creaciones. Todo ello sin dejar de mencionar las adicciones al alcohol y drogas del escritor de Maine.

Con una extensión de casi 400 páginas, que se pasan en un suspiro, Jiménez nos ofrece su punto de vista y opinión tanto de las novelas como de las adaptaciones que se han hecho de las mismas. Todo ello con un lenguaje coloquial y que nos atrapa desde las primeras páginas. King es una de las pasiones del autor de Cinco tumbas sin lápida, algo que no oculta en ningún momento, por lo que en alguna que otra ocasión su fan interior queda por encima del ensayista. Lo que le permite ser magnánimo con filmes menores dentro de las adaptaciones a la gran pantalla, como ocurre en el caso de Maximun Overdrive (La rebelión de las máquinas) adaptación del cuento Camiones incluído dentro de la antología de relato El umbral de la noche, que supuso el debut como King de realizador y que se saldó con un fracaso en taquilla. Aunque aquí yo coincido con Jiménez, puesto que también me lo paso pipa cada vez que la veo. E incluso comparto su opinión cuando considera que con el tiempo se ha convertido en un film de culto dentro de la serie B.

Cada uno de los capítulos ordenados de forma cronológica y de publicación, se encuentra acompañado con la fotografía de la portada correspondiente de la novela analizada, algunas de ellas de Plaza y Janes lo que supone un ejercicio de nostalgia. Fue con esta editorial con la que muchos descubrimos al autor estadounidense. Además, aquellas obras que han sido adaptadas se encuentran acompañadas por las caratulas y fotografías de las cintas, así como de las anécdotas que rodearon tanto a unas como a las otras.

El libro supone tanto un acercamiento a aquellos lectores que quieran acercarse por primera vez al autor de Maine, como para aquellos que quieran saber más sobre la creación de sus obras y de las relaciones y guiños que existen entre unas y otras, tanto las nombradas en este tomo como por las que están por venir en el siguiente. De esta forma Randall Flagg es nombrado en un par de ocasiones, llegándose a pensar que es el villano central de gran parte de la obra de King o el padre Callahan de El misterio de Salem´s Lot que más tarde aparecerá en La torre oscura son nombrados en alguna que otra ocasión.

Una de las pequeñas pegas que se puede poner al volumen es que nos desvela el final o la sorpresa de las obras, tanto literarias como cinematográficas. Algo que a los lectores habituales de King, así son denominados los seguidores del maestro del terror, no les importará pero que molestará a aquellos que todavía no las habían leído, y las tenían en lista de libros pendientes por leer.

Un ensayo muy entretenido y completo en el que el autor contagia a los lectores su pasión por King. Si el objetivo de Jiménez era conseguir atrapar más lectores y convencerles de que leyeran al escritor de Maine, este libro sin duda lo consigue. Además que dan ganas cuando uno deja de leerlo de ponerse a releer algunas de las novelas del autor estadounidense que uno tiene por casa, o hacerse con aquellas que le faltan. Es sin duda alguna el complemento perfecto a la autobiografía del maestro del terror.

libro: Babujal

Renovarse o morir. Suele ser una de las máximas de todos aquellos que se dedican a la literatura. Con cada nuevo trabajo no quieren quedarse estancados en el género que les dio la fama, para demostrar a sus seguidores que son capaces de seguir imaginando y creando nuevas historias. Algunos casos que se me vienen a la memoria, los encontramos en El hijo del Mississippi de Juan De Dios Garduño, La chica que oía canciones de Kurt Cobain de Miguel Aguerralde o No existen los monstruos de Víctor Blázquez por poner algunos ejemplos. Ahora Babujal de Darío Vilas viene a sumarse a estos libros, en los que deja aparcado el terror, pese a que el mismo se puede intuir con breves pinceladas a lo largo de la trama, para ofrecernos un drama que transcurre a lo largo de 40 años y en tres épocas distintas.

La trama del libro nos cuenta como Ana, que ahora vive en el París de los años 70, recibe en una misma noche dos llamadas que harán que su vida cambie. En la primera le comunican que será abuela, mientras que la segunda es para transmitirle la muerte de su padre. Al llegar al caserón donde transcurrió su infancia, se encontrará con un pasado que ha querido olvidar pero al que no tendrá más remedio que enfrentarse.

Según las definiciones, ambas de origen cubano, que se pueden encontrar en el diccionario el Babujal es "espíritu maligno que, según creencia vulgar, va por los campos y se introduce en el cuerpo de las personas" o "persona que tiene un pacto con el diablo".

Los espíritus que aparecen aquí no necesitan ser invocados mediante conjuros. No tienen un aspecto terrorífico o presentan una forma etérea. Pero en algunas ocasiones los peores espíritus residen en el interior de las personas, y son capaces de cometer las peores atrocidades.

Pero que no os engañe la definición de arriba, puesto que el terror que aquí nos ofrece Darío aparece en contadas ocasiones. Lo que el autor nos describe es la historia de Ana, de las relaciones que tuvo con su familia y de forma muy especial con Hada la sirvienta de la casa. De como buscaba en ella y en Tomasa, la cocinera, el cariño, la confianza y el compartir secretos que no tenía con su madre Teresa. Ana ha de enfrentarse a esta ausencia de su pasado, que le sigue persiguiendo tanto en sus recuerdos como en el presente, a la hora de poder seguir adelante son su vida.

La historia de Ana transcurre en tres épocas distintas, dos de ellas en el pasado y otra en el presente en el que está ambientada la novela. En la primera se nos narra la historia del padre de nuestra protagonista durante la Guerra Civil. De como sobrevivió junto con su hermano herido tras la batalla en Belchite. Esta es una de las mejores partes del libro y cuya parte final es, sin lugar a dudas, la parte más terrorífica del libro y que nos sacude con mayor fuerza.

En la segunda ambientada en los años 50, el autor nos describe la adolescencia de nuestra protagonista, y del acontecimiento macabro que tuvo lugar en la comunión de sus hermanas gemelas. Aquí el autor nos habla de los primeros amores, de como las apariencias lo eran todo en un momento donde las diferencias entre pobres y ricos eran notables. Del racismo que había en aquella época y el rol que tenía la mujer en la sociedad.

En la historia del presente nos encontramos con una Ana, que verá como el viaje que le ha llevado de vuelta al hogar de su infancia le cambiará. De como los recuerdos le hacen replantearse su vida actual. El periplo que emprende Ana es más espiritual que físico. El trayecto que ha iniciado le puede servir para no volver a cometer los errores que tuvo su madre.

El miedo y el terror que aquí aparecen son más psicológicos que físicos. La violencia tan solo aparece en momentos puntuales, siendo dos de las veces en las que hacen acto de presencia bastante viscerales, sobre todo el que tiene lugar en la Guerra Civil.

Con esta obra Darío consigue su obra más madura hasta la fecha. Pese a que la novela tiene constantes saltos del pasado al presente, estos no molestan ya que son necesarios para el devenir de los acontecimientos. A lo largo de la historia el autor nos va dando las piezas de un puzle, que tan solo cobran sentido una vez que hemos llegado al final. Cuando encajan y podemos ver el todo.

Con este nuevo trabajo Darío llegará sin duda a un público más amplio y demuestra que es una de las mejores voces dentro de los jóvenes autores de la literatura española.

pelicula: Doctor Extraño (2016)

Después de mucho tiempo de espera y rumores, la llegada del hechicero supremo de Marvel se ha hecho realidad. Era un proyecto largamente acariciado, en los años 90 estuvo a punto de ser realizado por el fallecido Wes Craven, en 2001 parecía que David S. Goyer, especialista en adaptar comics a la gran pantalla, sería el encargado de hacerlo realidad y en 2008 Guillermo del Toro entró en escena, de nuevo sin que llegara a concretarse. Hasta que en el año 2014, con el cine de superhéroes ya consolidado como un factor seguro de cara a la taquilla, era el momento que Extraño se diera a conocer.

Dirigida por Scott Derrickson y escrita en colaboración con C. Robert Carhill y Jon Spaihts, la trama nos cuenta como la vida del engreído pero brillante neurocirujano Stephen Strange (Benedict Cumberbatch) cambia al tener un accidente de tráfico que le afecta a sus manos. Desesperado por encontrar una cura, viajará hasta el Himalaya donde conocerá a El Anciano (Tilda Swinton), que le iniciará en las artes místicas, y a Karl Mordo (Chiwetel Ejofor) que se convertirá en su compañero de aventuras para detener la amenaza de Kaecilius (Mads Mikkelsen) antiguo alumno del Anciano que acabó traicionándolo.

La Fase 3 de Marvel ha comenzado con muy buen pie. A las ya estrenadas Capitán América: Civil War y Doctor Extraño, se han de sumar Guardianes de la Galaxia 2, Thor: Ragnarok, Spider-man: Homecoming, Los Vengadores: La guerra del infinito, Pantera Negra, Ant Man y La Avispa y Capitana Marvel. Todas ellas a estrenarse entre 2017 y 2019.

Uno de los puntos fuertes de la cinta es su aspecto visual, destacando sobre todo la manipulación de la realidad, que se pudo ver en los adelantos de la película y que recordaban a Origen, así como los diversos viajes a otras dimensiones. He visto la película en digital y estos efectos son impresionantes, pero si os decidís a verla en 3 dimensiones buscaos un cine que tenga un buen sistema. En caso contrario vais a salir mareados.

Otro de los aspectos a destacar es la elección del reparto, destacando por encima de todos Cumberbatch. Su elección para encarnar al hechicero por excelencia de la casa de las ideas, no podía haber resultado más acertada. Sabe aportar su carisma y dotes interpretativas ya vistas tanto en Sherlock como en Descifrando enigma, a un personaje que en sus inicios recuerda a Robert Downey Jr. en Iron Man. En lo que respecta a Mikkelsen vuelve a interpretar un villano amenazador, tanto en presencia física como en el uso de sus poderes. Lástima que su presencia en pantalla no haya sido más aprovechada, en lo que es uno de los puntos a restar.

A los actores ya citados, encontramos a Rachel McAdams como el interés amoroso de Strange Christine Palmer, Benedict Wong en el papel de Wong que acabará convirtiéndose en el ayudante del personaje de Cumberbatch, Scott Adkins es uno de los rivales a derrotar por Strange, Michael Stuhlbarg en el rol del doctor Nicodemus West rival de Strange y Benjamin Bratt intepreta a Jonathan Panborg, en un breve pero esencial papel como la persona que le indicará a Strange donde puede estar la cura para su enfermedad.

La cinta es la mezcla perfecta de acción, fantasía, humor y aventuras y que continua el camino marcado por Guardianes de la galaxia, en el que estos elementos componían una acertada unión. Pero este no es el único nexo de unión entre ambas producciones, puesto las dos películas sirvieron para la presentación al gran público de unos personajes que no eran conocidos, salvo por aquellos aficionados al mundo del comic.

Con este film Derrickson cuya carrera hasta la fecha ha sido más o menos discreta (Líbranos del mal, el remake de Ultimatum a la Tierra o El exorcismo de Emily Rose) se dará a conocer y según el resultado de la cinta, pasará a encargarse de proyectos con un presupuesto mayor. Algo que a tenor de lo visto, podrá conseguir sin problemas puesto que la película tiene los ingredientes necesarios para arrasar en taquilla.

Como no podía ser de otra forma tratándose de Marvel, nos encontramos con dos escenas postcréditos. Ambas ligadas al futuro tanto del personaje de Strange, como por una de las cintas que está por venir en un divertido cameo de uno de Los Vengadores.

A continuación el trailer: