pelicula: Los tres dragones

El mejor cine de acción y evasión se hizo en los ochenta. Eso es alguien que poca gente pone en duda, si bien gran parte de las producciones que nos llegaban a los videoclubs eran de nacionalidad estadounidense en su mayoría, también existían las del cine de Hong Kong con Jackie Chan a la cabeza. Fue precisamente Chan el que abanderó, bien sea en solitario, o junto con sus inseparables Sammo Hung y Yuen Biao el cine de artes marciales. Hoy de nuevo volvemos a comentar una de sus producciones en el que estos tres grandes artistas marciales volvieron a colaborar, haciendo gala de su habilidad para las peleas y de su comicidad.

Dirigida por Sammo Hung en 1988 la trama nos cuenta como Jackie (Jackie Chan) es un abogado encargado de defender a una compañía acusada de envenenar las aguas una piscifactoría. Mientras nuestro protagonista intentara comprarla con la ayuda de su amigo Luke (Sammo Hung) que se enamora de la propietaria. Contará también con la ayuda de su otro amigo Timothy (Yuen Biao) para espiar a la dueña de la piscifactoría. Pero cuando el letrado averigua que en la fabrica se fabrican drogas se pondrá del lado de la dueña de la empresa afectada.

Una vez más estos tres artistas marciales unen sus fuerzas para ofrecer a los espectadores sus habilidades a la hora de luchar y el porque están considerados de los mejores peleadores en este género cinematográfico. No solo demuestran grandes habilidades físicas, sino también una buena química en pantalla y eso es algo esencial a la hora de llevar a cabo un film de acción.

La película es muy divertida y pasa en suspiro. Dura poco más de hora y media por lo que no se anda por las ramas con tramas secundarias o con personajes que no aportan nada. Es lo que debería ser el cine de acción actual, cuyo metraje se va cerca de las dos horas y media. En ocasiones favorece a la trama, pero en otras puede llegar a hastiar a los espectadores. Uno de los ejemplos más claros es el de la cuarta parte de Transformers, lenta, aburrida, mal dirigida, peor interpretada. Muchas veces menos es más, en su sencillez radica su belleza.

Una vez más el plato fuerte de la cinta son las variadas escenas de pelea que se van sucediendo entre los esbirros del villano y nuestros héroes, hasta llegar a la lucha final entre Chan y el enemigo final, que de nuevo vuelve a ser encarnado por Benny Urquídez repitiendo la confrontación que tuvieron en Los supercamorristas. En esta ocasión el enfrentamiento vuelve a ser muy bueno, pero el listón lo tenían muy alto para poder superarlo y no lo consiguen, pese a ello es una gozada verles en acción.





Todo buen aficionado al cine de artes marciales no debería dejar pasar la oportunidad de ver en acción a estos icónos del cine de acción asiatico en una cinta no muy conocida por el gran público.

A continuación el trailer:

pelicula: Captain Fantastic

En toda temporada cinematográfica suele colarse el estreno de un film independiente hecho para contentar a aquellos paladares cinematográficos, que buscan algo distinto a ver en la gran pantalla y que se aleje de las propuestas más comerciales de los grandes estudios. Este es el caso Captain Fantastic, que supone el segundo trabajo tras las cámaras de Matt Ross, actor visto en producciones como 12 monos; El aviador; Cara a cara o Buenas noches y buena suerte, tras su debut hace cuatro años en 28 Hotel Rooms.

Con guión también del propio Ross, la cinta nos cuenta como Ben (Viggo Mortensen) es un padre que ha criado a sus 6 hijos Bodevan (George Mackay); Vespyr (Annalise Basso); Kielyr ( Samantha Isler); Rellian (Nicholas Hamilton); Zaja (Shree Crooks) y Nai (Charlie Shotwell) alejados de la sociedad. Ben somete a sus retoños a una ferrea disciplina mental y física. Pero cuando la madre de los niños muere, el padre irá con sus vastagos al funeral en un viaje que cambiará el modo de ver el mundo para los pequeños y para el propio Ben.

La cinta es un drama con breves dosis de comedia, las necesarias para aliviar las situaciones por las que van pasando nuestros protagonistas. Sobre todo debido al choque que supone para ellos el ver una civilización que desconocían hasta el fallecimiento de su madre. Esto supone un enfrentamiento entre los ideales que les ha intentando transmitir Ben, contra lo que se encuentran en una sociedad de carácter consumista y que está alejada de la forma de comportarse de Ben y los suyos.

Con esta cinta Mortensen demuestra que es un gran actor de caracter, capaz de sostener sobre sus hombros el peso de una producción arriesgada y que no tiene miedo a arriesgarse a meterse en un cine más minoritario y alejado de los grandes estudios. Pero si el que fuera Aragorn en la trilogía de El señor de los anillos está muy bien, los intérpretes encargados de dar vida a sus hijos no le van a la zaga. Todos ellos están muy bien, cada uno con su momento de lucimiento particular y dando muestras de lo que pueden llegar a ser si escogen con cuidado sus futuros proyectos cinematográficos.

En el apartado de secundarios, encontramos a Frank Langella como Jack el suegro Ben; Steve Zahn como Dave el cuñado de Ben y a Missy Pyle y Erin Moriarty como Claire y Helen, madre e hija que cruzan sus caminos con nuestros protagonistas.

Tres son los momentos qué mas me gustaron en esta película, dos de ellos musicales y el otro donde los diálogos cobran gran importancia:

El primer momento musical tiene lugar en el sitio en el que viven Ben y los suyos, cuando se ponen a improvisar con los instrumentos musicales que tienen. Una secuencia muy simple pero muy bonito.

El segundo momento tiene lugar hacía el final de la cinta, cuando se ponen a cantar una bonita versión del Swee child o´mine de los Guns and Roses. Instante muy bello y que hace que a uno se le ponga un nudo en la garganta, por lo que significa esa canción para la figura de su madre muerta.

El último momento tiene lugar en la casa de la hermana de Ben, durante la cena y al día siguiente. Aquí se muestra a los espectadores el choque entre la forma de vivir de unos con los otros. Ben enseña a sus hijos a sobrevivir en la naturaleza mediante una férrea disciplina física, pero sin dejar de lado la mental como se puede ver cuando interroga a sus sobrinos mayores sobre la carta de derechos de los Estados Unidos, su respuesta y la contestación a la misma pregunta por parte de su hija pequeña.

Mientras el metraje avanza uno no puede dejar de preguntarse si la forma de educar de Ben es la correcta o no, o si al decirles como han de comportarse o pensar puede ser el típico de líder de una secta. Eso es algo que queda a la opinión de los espectadores.

Daos prisa en verla que puede estar poco en pantalla, puesto que se ha estrenado de tapadillo y es una de las sorpresas en el último trimestre cinematográfico del año. Seguro que os sorprende.

A continuación el trailer:

pelicula: El hombre de la mil caras

De un tiempo a esta parte el thriller español está atravesando una época dorada.Celda 211; El cuerpo; No habrá paz para los malvados; Grupo 7 o La isla mínima son una buena muestra de ello. Es precisamente el director de estas últimas películas el que protagoniza la entrada de hoy, lo que demuestra de nuevo su buen hacer tras las cámaras en desenvolverse en este género cinematográfico De nuevo Rodríguez enmarca la acción de su película en hechos reales, para contar a los espectadores la rocambolesca historia de Francisco Paesa que acabó desembocando en la detención del que fuera director de la Guarcia Civil en los años 90 Luis Roldán.

Con guión y dirección de Alberto Rodríguez la trama nos cuenta como Francisco Paesa (Eduard Fenández) tras verse obligado a salir de España por el escándalo de los GAL y volver arruinado ve la oportunidad de vengarse del gobierno ayudando a Luis Roldán (Carlos Santos) a robar 1.500 millones de pesetas del erario público. Para llevar a cabo su misión Paesa contará con la ayuda de su amigo piloto Jesús Camoes (José Coronado).

Sin duda alguna este será un film destinado a arrasar en la próxima edición de los Goya. Rodríguez nos trae un thriller que está en constante movimiento, de Madrid a París visitando además Ginebra o Singapur entre otros países, siguiendo los pasos de este estafador que logró engañar a todo un país y que acabó con la dimisión del entonces ministro de interior y justicia Juan Alberto Belloch (Luis Callejo). Y todo ello valiéndose de su cerebro y astucia para lograr salirse con la suya.

Fernández está sublime en este papel de timador y caradura en uno de los mejores roles que ha tenido este intérprete catalán. Se come a sus compañeros de reparto que poco pueden hacer ante el buen hacer desplegado en este film. El resto de actores están bien, haciendo lo que pueden ante el despliegue llevado a cabo por Fernández. Así destacan en roles secundarios Coronado y Santos, ambos sobrios y contenidos y a los que seguramente les caerá alguna nominación en la próxima gala de los Goya.

Además de los intérpretes ya mencionados, encontramos en el casting a Marta Etura como la esposa de Roldán; Emilio Gutierrez Caba; Pedro Casablanc o Alba Galocha que acompañan a Fernández y cía en diversos roles. Una vez más Etura da muestras de su talento al aguantar los cara a cara que tiene ante Fernández y Santos, compartiendo con ellos no pocas escenas demostrando que su rol es importante en el devenir de los acontecimientos.

La cinta nos muestra un mundo donde la corrupción está a la orden del día, por desgracia se ve que los tiempos han cambiado desde la época de Roldán. Todos los que aparecen, salvo una excepción, se mueven por su propio interés y para sacar el máximo beneficio posible. Rodríguez nos ofrece a unos personajes que son trileros y timadores de altos vuelos, unos pícaros del siglo XX.

En la película hay un par de giros, que por supuesto no voy a desvelar para no estropear la sorpresa, que se pueden acusar de tramposos, para que los espectadores que se hayan podido perder en el devenir de los acontecimientos puedan encajar todas las piezas. A mi no me molestaron, ya que suponen un guiño a películas de atracos perfectos en los que una vez que el golpe se ha llevado a cabo se muestra a la audiencia detalles que se han omitido.

Un film que hará las delicias de los amantes al thriller y que sin duda se colocará entre los más taquilleros en nuestro país, ya que tiene los ingredientes necesarios para triunfar.

A continuación el trailer:

concierto: Loquillo en Las Ventas

Ayer por fin tuve la oportunidad de ver al artista barcelonés después de tiempo sin poder hacerlo. Desde que se pusieron a la venta las entradas para su concierto, iba contando los días y tenía la fecha del 24 de Septiembre marcada en rojo en el calendario. Hasta que llegó el día señalado y fui con una mezcla de ilusión y nervios por ser la primera vez que veía a este rockero en directo. Y la espera desde luego mereció la pena, en un recinto abarrotado en el que se dieron cita varias generaciones de personas, dispuestas a disfrutar con el repertorio de una de las figuras básicas dentro de la historia del rock patrio.

Con una puntualidad británica, Loquillo comenzó su concierto a las diez de la noche y el tema escogido para abrir fuego a una noche de rock and roll, y que da nombre a su actual gira fue Salud y rock and roll, primer corte de su último trabajo "Viento del este". Desde ese momento, se fueron alternando canciones de su nuevo disco con los temas más clásicos dentro de su dilatada carrera. Así, en la primera parte del concierto la audiencia pudo disfrutar de "Territorios libres; El mundo que conocimos; Cruzando el paraíso; El hombre de negro; La mataré; El rompeolas o Ritmo de garaje", que marcó un descanso de 15 minutos en los que tanto el cantante como la audiencia tuvo tiempo para recargar fuerzas.

La segunda parte del concierto siguió la tónica de su predecesora, con la alternancia de sus clásicos junto con las canciones de su último trabajo. "En el final de los días; En las calles de Madrid; Esto no es Hawaii; Feo, fuerte y formal, Rock and roll star; Chanel, cocaína y Dom Perignon y el tema que puso punto y final al evento Cadillac solitario", en el que la audiencia se dejó la poca voz que le quedaba para entonar las estrofas de uno de los himnos de la historia de nuestro rock, pero el esfuerzo merecía la pena sin duda alguna.

Loquillo puso en práctica una vez más aquel dicho de "los viejos rockeros nunca mueren". Vestido de pies a cabeza de negro, el cantante catalán desplegó su buen hacer, sintonía con el público y las tablas que dan una carrera de más treinta de años. Desde los primeros compases del concierto supo meterse al público en el bolsillo.

Antes de que se iniciara el concierto, la banda y el cantante subieron al escenario al ritmo del tema principal de El desafío de las águilas, banda sonora compuesta por Ron Goodwin, dando a entender que ante sí tenían la difícil misión de tomar uno de los escenarios más complicados para todo músico que toque en el coso taurino. Pero Loquillo y sus muchachos tuvieron un éxito pleno. De igual forma, a la hora de iniciar la segunda parte del concierto, los compases de Hawai 5.0 de Morton Stevens, daban a entender que esta mitad iba a ser más movida que su predecesora.

Si acaso uno de los peros que se puede poner al concierto, fue que no cantará grandes temas de su repertorio como Brillar y brillar; Luche contra la ley o Cuando fuimos los mejores. Algo normal si se tiene en cuenta que no se va a poner a cantar todo lo que ha ido haciendo a lo largo de su carrera, pero sin duda hubiera sido una más que agradable sorpresa el verle entonar estas grandes canciones ante un público entregado.

El concierto con una duración cercana a las tres horas incluyendo descanso, fue grabado para su posterior edición en CD y DVD para que todos aquellos que no pudieron hacerse con una entrada para disfrutar del mismo, puedan hacerlo desde la comodidad de su salón sin temor a las aglomeraciones que se producen en este tipo de espectáculos. Pero es un precio que se paga de forma gustosa para disfrutar de la experiencia de ver en directo a una de las figuras claves de nuestro rock.

A continuación os dejo con dos de los temas de su último trabajo y que corresponden a los dos primeros cortes del disco:

pelicula: Los siete magnificos (2016)

Cuando en 1954 Akira Kurosawa estrenó Los siete samuráis, lejos estaba el gran director japonés de imaginar que su film acabaría derivando en diversos remakes. Ya fueran en el género del oeste, saga de los siete magníficos; ciencia ficción (Los siete magníficos del espacio); animación (Bichos, una gran aventura) o una serie de televisión. Hoy en el blog se comentará el re-remake de la película original y que tuve oportunidad de ver ayer. No haré el enfrentamiento entre esta nueva versión o las clásicas, ya que el resultado sería sangrante para el film de Fuqua. Así pues pasamos a analizar esta producción y sin spoilers.

Dirigida por Antoine Fuqua, la trama nos cuenta como el pueblo de Rose Creek está dominado por el bandido Bartholomew Bogue (Peter Sarsgaard) lo que hace que decidan contratar ayuda en forma de siete pistoleros. De esta forma contarán con la protección y ayuda del cazarrecompensas Sam Chisolm (Denzel Washington);  el jugador Josh Faraday (Chris Pratt); el francotirador Goodnight Robicheaux (Ethan Hawke); el explorador Jack Horne  (Vincent D´Onofrio); el forajido Vasquez (Manuel García Rulfo); el indio Red Harvest (Martin Sensmeier) y el asesino Billy Rocks (Byung-Hung Lee). Ellos son los siete magníficos.

Fuqua es un buen director de cine de acción, baste recordar sus incursiones en el género con ejemplos como Objetivo: la casa blanca; Training Day o El protector, las dos últimas con Washington por lo que sabe como hacer momentos llenos de tensión y adrenalina. Aquí la dirección que lleva a cabo es correcta sin más, no es para tirar cohetes pero tampoco da vergüenza ajena. Sabe el producto que tiene entre manos por lo que no se ha complicado la cabeza a la hora de llevarlo a cabo. Las escenas de acción están bien coreografiadas y el enfrentamiento final entre nuestros héroes y los villanos no conceden un minuto de respiro al espectador.

El reparto se limita a cumplir sin más. Si acaso tuviera que rescatar alguna interpretación por carismática serían las de Washington, un actor al que siempre y salvo raras excepciones es un gusto ver en pantalla, y Pratt volviendo a hacer de pillo y caradura pero esta vez en el Oeste. El resto de intérpretes pues son correctos, saben que no tienen nada que hacer frente a los que son las grandes estrellas de la producción, pese a que en un par de momentos Hawke demuestra que a su papel se le podía haber sacado mucho más jugo.

En los secundarios encontramos a Haley Bennett (Tú la letra y yo la música; El protector ) como Emma Cullen, encargada de ir a buscar a los pistoleros para que limpien el pueblo, y Matt Bomer (Ladrón de guante blanco) en el rol de Matthew Cullen.

Uno de los principales problemas de la cinta reside en su villano. Sarsgaard en ningún momento llega a representar una gran amenaza, algo que si conseguía Eli Wallach en el film de Sturges. Es un malo muy plano, en ningún momento consigue resultar creíble y cuando un antagonista no puede representar un gran peligro al que enfrentarse hace que las películas bajen enteros.

Otro de los problemas reside en la química entre los principales protagonistas. No llegan a resultar tan molones como los originales. Estamos hablando de que en la original ya solo con Brynner; McQueen; Bronson y Coburn ya tenías carisma para dar y tomar. Aquí no ocurre, no se nota la misma fluidez e interacción que si existía en Los siete magníficos originales pese a que detrás de las cámaras no se llevaran tan bien.

Y el principal enemigo al que han de enfrentarse estos vaqueros no son la banda de bandidos que tienen atemorizado al pueblo, es la fuente original en la que se basa. Los siete samuráis definió el cine de acción, Los siete magníficos es un más que digno remake cuya banda sonora ha pasado a la historia del cine. Por ello la cinta de Fuqua tenía el listón muy alto.

No digo que sea un film horrible ya que dista mucho de serlo. Es entretenido, sus poco más de dos horas de metraje se pasan volando pero en cuanto uno sale ya casi la ha olvidado. Es solo un capítulo más en la reciente moda en Hollywood de ir haciendo remakes o reboots de sus filmes clásicos para adaptarlos a las nuevas generaciones, siendo el ejemplo más reciente Ben-Hur que a su vez ha sufrido más de una adaptación siendo la más famosa de todas la de Charlton Heston.

A continuación el tráiler:

pelicula: El vuelo de los dragones

De un tiempo a esta parte el género de la fantasía está viviendo un gran auge, gran parte de ello es debido al Canción de hielo y fuego de George RR Martin, en cuya obra aparecen aunque sea de forma secundaria los dragones. Estos seres mitológicos han protagonizado unos cuantos films, en su mayoría interpretando al antagonista del héroe. Raros son los ejemplos en los que no representan una amenaza, tal y como ocurre en la entrada de hoy en el que su rol dista mucho de ser el de villano. Así pues, vamos a conocer más sobre estos monstruos que protagonizan una de las grandes joyas de la animación de los años ochenta.

Dirigida en 1982 por Jules Bass y Arthur Rankin Jr y basada en el libro homónimo escrito por Peter Dickinson, la película nos contaba como el mundo de la magia está perdiendo su poder en detrimento por el mundo de la ciencia. De esta forma, tres hermanos magos deciden hacer algo al respecto pero el cuarto, viendo una oportunidad para hacerse con el control de este mundo decide no ayudarles. Para evitarlo, uno de los hermanos decide buscar un héroe en la figura de un joven soñador llamado Peter, gran estudioso de los dragones para impedir que el malvado mago se haga con el poder. Nuestro protagonista no estará solo, en su aventura le ayudarán un caballero, un joven dragón y un lobo parlante. A lo largo de su aventura vivirán mil y un peligros para evitar que el villano triunfe en su misión.

La cinta es una autentica maravilla en lo que a animación y argumento se refiere. La película adapta además de la obra ya citada, otro libro titulado "The Dragon and the George". He de decir que no he leído ninguna de ambas publicaciones, pero a tenor de las palabras de Dickinson el film bebe más de The dragon... que de su libro. Aún así, varios son los momentos a recordar cuando uno revisiona esta producción:

- El primer vuelo de los dragones, en los que se ve como estos seres mitológicos inundan la pantalla al ritmo de la partitura de Don McLean.

- El instante en el que Peter es transportado al mundo mágico por Carolinus, en mitad de una partida rol siendo reducido por el mago.

- El enfrentamiento de los héroes contra los peligros a los que han de hacer frente, entre los que se encuentran un ogro; el dragón del malvado mago Omadon o el monstruo de un lago de azufre.

- Y por supuesto el duelo final entre nuestro héroe y el villano, un combate en el que se enfrentan la magia contra la ciencia.

Dentro de los actores que participaron en el doblaje de esta producción, encontramos entre otros a John Ritter (Apartamento para 3) como Peter; Don Messick (voz de Scooby Doo entre otros trabajos) Lo Tae Zo uno de los magos; Victor Buono (King Tut en la serie de Batman de Adam West o ¿Qué fue de Baby Jane?) como el lobo Arak y James Earl Jones (voz de Darth Vader o Mufasa) como el villano Omadon.

No importa que uno viese esta cinta por primera vez siendo niño, se sigue disfrutando igual aunque hayan pasado los años. Es de esos casos en los que un film no ha envejecido en absoluto, sigue teniendo el encanto que poseía en el momento en que fue estrenada.

Uno de los momentos más terroríficos de la película, es cuando el personaje de Omadon dice que influirá en que los hombres se vuelvan los unos contra los otros; utilizando la tecnología en su contra, momento en el que se nos muestra como los bosques son destruidos por maquinas excavadoras; el ser humano arrojando bombas nucleares o haciendo a los hombres codiciosos. Algo contra lo que sus hermanos quieren luchar, puesto que siguen manteniendo la fe en la buena voluntad de las personas.

La película nos habla de valores como la amistad, de que hay que mantener intacta la fantasía que uno tenía cuando era niño y de que no hay que rendirse ante las adversidades que se nos presenten.

Hoy día esta cinta apenas es conocida por las nuevas generaciones de espectadores, lo que es una pena. Por lo que si tenéis primos o hijos pequeños esta es una buena forma de iniciarles en el mundo de la fantasía y las películas de animación.

documental: Los gatos del callejón

El próximo Sábado 24 en Las Ventas Loquillo actuará en un concierto para alegría de los que somos fans. Para ir abriendo boca, nada mejor que comentar un documental que tiene por nombre" Los gatos del callejón", título homónimo del disco debut del cantante catalán cuyo treinta aniversario se cumplió hace 3 años, en un vinilo que cambió la historia del rock español.

Dirigido por Benet Roman, el documental nos cuenta mediante entrevistas al propio Loquillo, así como a Alaska; Lorenzo Rodríguez que fuera director de la sala Rockola en los 80; Jesús N. Gómez mítico productor de discos español; Servando Carballar fundador del sello discográfico independiente Dro y también de la banda Aviador Dro; Julio Ruiz presentador en Radio 3; Pito que fuera manager de la banda; Santi Balmes cantante de Love of Lesbian o Sábino Mendez entre otros lo que significó el lanzamiento del disco, y de los tiempos que había en el momento en el que el vinilo vio la luz.

Con una duración de poco más de hora y media, el documental supone descubrir algo más sobre la figura de Loquillo y de la evolución que ha tenido en estas tres décadas. Baste recordar que además de rockero, el cantante catalán ha sido entre otras cosas crooner, escritor y actor ocasional lo que da muestras de su versatilidad en el ámbito cultural.

Además de las entrevistas, el documental nos ofrece videoclips, actuaciones en directo de Loquillo en el mítico programa "La edad de oro" o "Musical expres"  junto a cantantes míticos de la movida madrileña como Alaska, Poch de Derribos Arias o Iñaki Fernández de Glutamato Ye-Ye que interpretan algunos de los temas clásicos de este disco del rock and roll patrio como Ritmo de garaje o Quiero un camión.

El film nos cuenta como se gestó el disco y de las diversas peripecias que ocurrieron en su presentación, a la vez que mediante entrevistas los implicados ya mencionados mencionan lo que fue la movida no solo madrileña, sino también barcelonesa para la música española. Loquillo, en un momento de la entrevista hace unas declaraciones no exentas de polémica en las que afirma que grupos como Los Secretos, Mecano o Nacha Pop, no fueron realmente parte de la movida. Y es que, si por algo se ha caracterizado Loquillo es que no se casa con nadie a la hora de exponer sus opiniones, lo que ha acarreado algún que otro problema al expresar lo que piensa.

El documental supone un ejercicio de nostalgia sobe una época que no volverá a producirse. Todos los implicados estuvieron en el momento justo a la hora de sacar a la luz sus ideas, en aquellos momentos los contratos se hacían con un apretón de manos o con una firma en una servilleta. Algo que lamentan en un par de ocasiones, ya que los contratos les cortaban la libertad con la que habían gozado hasta el momento de estampar su nombre en el mismo.

Un testimonio imprescindible para entender más la figura de una de las piezas claves de nuestro rock, muy ameno y que pasa en un suspiro. Es un buen modo de ir abriendo boca para lo que nos espera el próximo Sábado en un concierto que promete pasar a la historia.

A continuación el trailer:

libro: Estudio en esmeralda

Cuando Arthur Conan Doyle creó al personaje de Sherlock Holmes, lejos estaba el escritor escocés de imaginar que una de sus creaciones sirviera de inspiración para películas; series de imagen real o de dibujos; juegos de ordenador o de mesa o de influencia para multitud de escritores y autores que, basándose en las aventuras del famoso detective inglés le utilizaron como protagonista de sus creaciones literarias. Así, hemos podido ver a Holmes enfrentarse contra vampiros; zombis; monstruos imaginados por Lovecraft e incluso en una ocasión compartir peripecias con el hombre murciélago, pero en un futuro lejano apenas se han dado casos. Es precisamente en un tiempo lejano donde tiene lugar la entrada de hoy en esta particular aventura del habitante del 221 B de Baker Street.

Escrito por Alberto López Aroca, la acción tiene lugar en el planeta Doilettte donde sus siete mil millones de habitantes han fallecido en extrañas circunstancias. Para investigar que ha causado su muerte, un grupo de doctores entre los que se encuentra Yun H. Walruss, antiguo cirujano del ejercito, acude al lugar. Pero también lo hará un detective privado que fuma en pipa y viste un gaban, su nombre: Sholomun Hume.

Tal y como se puede apreciar por la trama, el autor toma como base la primera aventura de Holmes y Watson para trasladarlos a un futuro donde el investigador pondrá a prueba sus habilidades. Pero cuando parece que todo va a ir por los mismos derroteros que la obra original de Doyle, Alberto nos sorprende en sus páginas finales con un giro de tuerca sorprendente que no se ve venir.

A lo largo del libro, Alberto rinde homenaje a las creaciones de Doyle con apariciones en sus páginas haciendo que los lectores intenten adivinar los nombres. Algunos de ellos son más que evidentes, otros no tanto y que si solo se conoce poco más de la obra del escritor escocés costará comprender. Pero el escritor manchego también menciona a dos autores rusos, los hermanos Strugatski una de cuyas obras sirvió de base a Andrei Tarkovsky para su film Solaris.

La novela tiene una extensión de poco más de 130 páginas, por lo que si sois lectores rápidos su lectura apenas te dura un par de horas. Y es que la obra resulta muy entretenida, cuando uno se quiere dar cuenta casi ha llegado a su fin. El libro cuenta con dos partes, en la primera se nos narra la llegada de los protagonistas al planeta, en la segunda se nos cuenta un suceso que tendrá mucha importancia en el devenir de los acontecimientos, así como en la conclusión del caso. Como se demostrará más tarde, los sucesos del pasado siguen teniendo su eco en el presente.

Alberto es un gran estudioso de la figura de Holmes, a quién ha rendido homenaje en otras novelas como Sherlock Holmes y los zombis de Camford o en relatos como El caso de la pequeña cliente.  Aquí nos ofrece un pastiche holmesiano sin duda interesante. Nos ofrece un nuevo punto de vista sobre el famoso investigador, cambiando su aspecto por otro más acorde a la aventura que esta viviendo. El aspecto físico puede cambiar, pero lo que permanece intacto son sus habilidades deductivas a la hora de resolver el caso al que se enfrenta.

El libro se editó por primera vez en el fanzine Fabulas extrañas en 1997 y fue reeditado de nuevo en 2003 en A por cadáveres. Hoy se ha reeditado por la editorial Ilarión, que fue el ejemplar que me hizo llegar el autor para poder reseñarlo, con una portada bastante impactante,

Un bonito a la vez que sincero homenaje a Holmes que no deberíais dejar pasar si os gustan las aventuras en las que el investigador inglés es protagonista.

libro: Brea

El verano está tocando a su fin. Época en la que la gente decide ir a la playa o a la montaña, ir al pueblo de la familia o quedarse en la ciudad y poder disfrutar de las actividades que hay en la misma. Pero luego, también están los casos de personas que deciden aprovechar el estío y dedicar su tiempo libre para que disfruten los demás. Son los ejemplos de los animadores socioculturales y de los monitores de campamento, estos últimos son los protagonistas de la última obra de un autor que ya ha aparecido por aquí en otras ocasiones y que con motivo de la publicación de su última novela, paso a comentar mi opinión sobre la misma. Antes de continuar, agradecer a Alberto el detalle de hacerme llegar un ejemplar de cortesía para poder hacer la reseña de hoy.

Escrita por Alberto González, la trama nos cuenta como tras la desaparición de Amanda el año anterior en un campamento, Jonás el nuevo coordinador del campamento decide realizar una salida nocturna con sus monitores antes que realizarla con los niños para no dejar nada al azar. Estos son Allan, lector empedernido; Hugo, un chico pesimista; Medea, bisexual de familia acomodada; Leyre,una rockera tatuada; Helena, monitora en prácticas y por último Víctor que al final no puede acudir. La salida pronto comenzará a ser un desastre y sufrirán no pocos percances.

Si por algo se ha caracterizado hasta ahora la obra de Alberto, son los cambios de género entre sus trabajos hasta ahora publicados. Algo que se puede apreciar en El amargo despertar, un drama postapocalíptico,  No serás nadie, ciencia ficción distópica, y ahora  con Brea. El autor no quiere ser encasillado en un tipo de literatura en concreto, le gusta experimentar, ofrecernos su punto de vista y jugar con la misma. En definitiva, ofrecer algo diferente a los lectores.

Cada uno de los protagonistas cuenta con su propio capítulo, en el que nos narran en primera persona como han llegado hasta ahí, para luego pasar a la tercera persona en el que el autor nos narra sus peripecias. Los personajes al ser adolescentes se encuentran perdidos, tanto en la vida como en la excursión que han salido a hacer para luego saber donde dirigirse con los menores que tendrán a su cargo. De esta forma se puede entender que el viaje que realizan es metafórico, y supone un viaje a la madurez. Una vez que la experiencia de la salida por la montaña toca a su fin, ninguno de ellos será igual como cuando comenzó.

Alberto nos ofrece un drama con toques de aventura y de terror, en donde nada es lo que parece. En las montañas leonesas, lugar donde tiene lugar la acción el autor juega con los miedos e inseguridades de los protagonistas. Parece como si estos cobraran vida, cambiándolo todo lo que conlleva que las fricciones en el grupo no tarden en aparecer rompiendo la armonía que existía en un principio entre los monitores.

La novela nos cuenta el punto de vista de cada uno de los monitores, por lo que cada uno de ellos ofrece a los lectores su opinión sobre lo que están viviendo. Ninguno es igual al anterior, son relatos que se complementan y que una vez juntos nos ofrecen el total de una aventura, cuyas piezas encajan
al final del todo.

Una de los puntos fuertes de este autor son los personajes que forman parte de sus obras. Algo que aquí vuelve a confirmarse, Alberto hace especial hincapié en esto. Es un escritor más de personas que de situaciones.

Una novela que supone un homenaje a la figura del padre del autor y al pueblo donde pasó su infancia, lugar donde transcurre el libro.

La conclusión del libro, que por supuesto no voy a desvelar, seguro que puede traer no pocas polémicas. A unos les podrá sorprender, a otros enfadar y parecerles una tomadura de pelo, otros lo podrán adivinar desde que comienza su lectura, etcétera. Lo que sin duda es que una vez que se ha acabado su lectura no dejará indiferentes a los lectores.

pelicula: Friamente sin motivos personales vs The Mechanic

En un par de semanas se estrena en nuestras pantallas The Mechanic Resurrection, secuela del film protagonizado por Jason Statham, remake del mismo título protagonizado por Charles Bronson en la década de los 70. Por ello vamos a comparar ambos títulos, para ver cual resulta ganador de este particular enfrentamiento entre dos asesinos a sueldo. De nuevo voy a desvelar importantes detalles de la trama de ambas cintas, por lo que si no las habéis visto cualquiera de los dos films lo hacéis bajo vuestra cuenta y riesgo.

Vs

 

 

En el original de 1972 dirigido por Michael Winner, Arthur Bishop (Charles Bronson) es un asesino a sueldo que, tras el encargo de matar al que fuera su mentor y amigo Harry Mckenna (Kennan Wynn) se hace cargo del hijo de este Steve (Jan Michael Vincent) para instruirlo en su profesión.

 

En el remake de 2011dirigido por Simon West, Arthur Bishop (Jason Statham) es un asesino a sueldo que, tras el encargo de matar al que fuera su mentor y amigo Harry Mckenna (Donald Sutherland) se hace cargo del hijo de este Steve (Ben Foster) para instruirlo en su profesión.

 

Cómo se ve ambos films son iguales, pero el remake introduce algunas diferencias que no tenía el original. En la cinta de 2011, Bishop descubre que ha sido víctima de un engaño para matar al que fuera su amigo, lo que motivará su venganza. Algo que no ocurría en el original en el que Bishop será traicionado por los que le contratan al entrenar sin su permiso al hijo de Harry. Este pequeño cambio hace que el remake gane. Punto para el remake.

 

¿Qué película es mejor? El original de Winner tiene un comienzo muy bueno, con ausencia total de diálogos y en donde Bishop lleva a cargo un trabajo, algo que también ocurre en el remake pero que carece de la tensión de la cinta de Winner. Mientras la de 1972 apuesta más hacía el thriller, con apenas escenas de acción, la de 2011 es acción desde el minuto uno, lo que hace que no conceda un minuto de descanso pero que a la vez no permite conocer apenas a los protagonistas algo que si ocurre en la cinta original. En este caso punto para el film de Winner.

 

¿Qué Bishop resulta mejor? Bronson en la cinta de 1972 se nos presenta como alguien viejo y cansado, que quiere abandonar la profesión con la que se ha ganado la vida y que ve en el joven Harry la oportunidad de ceder el testigo. En la de 2011 Statham se encuentra en plenas facultades físicas y que no tiene intención por ahora de dejar la forma que tiene de ganarse la vida. Mientras que el film de Winner Bronson apenas tiene escenas con las que poder lucirse físicamente, Statham tiene unas cuantas. Pero estamos hablando de Bronson, uno de los duros por antonomasia del cine y que su sola presencia física ya imponía, Statham lo hace también y tiene carisma pero no tanto como Bronson. De nuevo punto para el original.

 

 

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¿Cual es mejor pupilo? En la cinta de 1972 el personaje de Harry se nos presenta como alguien totalmente amoral, al que no le importa ver junto a Bishop a su novia desangrándose, sin escrúpulos frío esencial para ser asesino a sueldo y quién no importa que Bishop haya matado a su padre. En el remake Steve se encuentra perdido, busca vengarse del asesino de su padre. En este aspecto pese a ser también un asesino, la interpretación llevada a cabo por Foster consigue ser más convincente que la de Vincent en el original lo que hace que el personaje te caiga mejor. Punto para el remake.

 

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¿Qué relación es mejor? En la original de 1972 el proceso de convertirse en asesino por parte de Vincent se toma su tiempo, siendo instruido poco a poco por Bronson hasta que este le asigna su primera misión en solitario. En el remake de 2011 este proceso se agiliza gracias al montaje. La química entre Bronson y Vincent es buena, pero la que existe entre Statham y Foster es mejor y resulta más creíble. Al hacer sus dos misiones juntos se compenetran mejor, algo que no ocurría entre Bronson y Vincent, en el que el primero tenía que estar al tanto de su pupilo. De nuevo punto para el remake.

 

 

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¿Qué final es mejor? El destino de ambos personajes es distinto, mientras que el film de Winner el personaje de Bronson muere asesinado por Vincent, en el remake Statham consigue salir indemne de la trampa que le ha tendido Foster. Pero si algo no cambia es el destino de los pupilos, muriendo ambos de la misma forma. La muerte de Bronson casa más en el tono deprimente del original, mientras que ver morir a Statham cortaba de raíz futuras secuelas en caso de que se produjeran, algo que ha ocurrido. Punto para el original.

 

En este caso ha ocurrido un empate y hay que escoger un ganador. En este caso me inclino por el remake, ya que pese a las virtudes del original este se ha quedado antiguo y no ha sabido envejecer bien lo que hace que gane el remake. Esto no significa que la cinta de Winner sea mala, es una buena aproximación al mundo de los asesinos a sueldo, pero ha envejecido mal.

 

A continuación los trailers:

 

 





 

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teatro: Shock

Después de mucho tiempo sin poder acudir al teatro, ayer tuve la oportunidad de volver a hacerlo para ver una obra que desde su estrenó, ha conseguido lleno tras lleno en la sala donde se está representando. Una vez vista, no me extraña en absoluto puesto que la obra es muy divertida y con una duración de una hora, lo que hace que la misma pase en un suspiro. Cinco historias independientes pero unidas por un nexo en común, sin más dilación paso a hablaros de estos sketchs.

Con guión de Ariel Capone, autor de diversas piezas teatrales y novelas, dirección de David Carrillo, con un bagaje interpretativo tras de sí y que se estrena en la dirección con esta obra, diseño de Pilar Camarasa y fotografía de Diego Conesa, la obra se compone de 5 sketchs donde el humor es la pieza fundamental de cada una de estas historias cortas. Con una decoración sencilla que va siendo cambiada por los actores, antes de dar paso a la siguiente pieza. Cada una de las mismas está interpretada por los cuatro actores que componen el reparto de la obra, repartiéndose los papeles en diferentes roles.

Así pues en la primera historia, Jacinta (Susana Garrote) y su hijo Ariel (Nacho Grande) esperan ser llamados por el regidor ( Manu Soler) de un reality show conducido por Celia (Lara de Miguel) y en donde un secreto será revelado por la progenitora.
En la segunda Fabiola (Lara de Miguel) e Iñigo (Manu Soler) están a punto de celebrar su quinto aniversario de casados en su casa cuando un secreto sale a la luz.
En la tercera la visita de Elena (Lara de Miguel) a su hermano mellizo Christopher (Nacho Grande), ingresado en un hospital nos desvelará la competencia que ha existido entre los mismos desde antes que nacieran.
En la cuarta Maite (Susana Garrote) y Antonio (Manu Soler) se encuentran haciendo el amor en casa de ella, en una pieza donde el humor picante hace su aparicón.
En la quinta Amparo (Lara de Miguel) y Victoria (Susana Garrote) vuelven a encontrarse en un restaurante donde la primera trabaja de maitre, y a retomar una rivalidad que dura años.
En la pieza final Celia vuelve a aparecer para recordar a los espectadores que reírse de uno mismo es sano, que la pieza que hemos visto refleja parte de la sociedad en la que vivimos hoy día, y que su programa ha servido de nexo de unión a cada una de las historias.

Como se puede ver, apenas he contado gran cosa de la obra y es que este es uno de esos casos en que cuanto menos sepas de la obra mejor. La característica principal de esta pieza teatral además del humor, es que está cada uno de los sketchs posee un giro que hace que los espectadores se sorprendan por lo inesperado del mismo, de ahí el nombre de Shock.

Desde que comienza la obra también lo hacen las carcajadas, con los actores volcados desde el minuto uno e interactuando con la audiencia. Los cambios de escenario, que hace que nos traslademos de una localización a otra, se realizan con números musicales que hacen que la historia fluya de manera continua y que causan la hilaridad en la platea.

Cada una de las piezas además de mala uva por parte de su creador, esconde también una crítica a la sociedad en la que estamos hoy día, a la telebasura y a las relaciones entre las personas.

Los intérpretes dan muestra de una buena vis cómica y demuestran estar pasándolo en grande, algo que trasmiten a la platea y consiguen que su duración de una hora pase en un suspiro. Cuando uno se quiere dar cuenta, la representación ha llegado a su fin, dejando en la audiencia un muy buen sabor de boca por haber disfrutado de las cinco piezas de las que se compone la obra.

A continuación os dejo el enlace de la página del teatro donde podréis encontrar información sobre la adquisición de entradas, así como de los días en los que se representa: http://www.teatrodelasaguas.com/

Sí os gustan las obras con humor, donde nada es lo que parece y que os sorprenda esta es sin dudas una buena elección.

Una vez acabada la función, tuve la oportunidad de hacerme unas fotos con los actores que se prestaron encantados a posar conmigo tal y como podéis ver a continuación:

Desde aquí dar las gracias a los responsables del teatro por conseguirme la invitación con la que pude disfrutar de la obra.

pelicula: La broma asesina vs La broma asesina comic

Muy buenas a todos. Hoy de nuevo os traigo un nuevo enfrentamiento de original vs remake. En este caso voy a enfrentar a una de las mejores novelas gráficas del hombre murciélago contra su reciente adaptación a película de animación, que ha causado alguna que otra polémica entre los amantes de la fuente original. Así pues, veremos quién resulta el ganador de este particular combate. Aviso de que voy a poner spoilers de ambas obras, por lo que si no habéis visto alguna lo hacéis bajo vuestra cuenta y riesgo. ¿Listos? Allá vamos.

 

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El original publicado en 1988 por DC Comics fue creado por el guionista Alan Moore, el dibujante Brian Bolland y el colorista John Higgins para contarnos la historia del enfrentamiento entre Batman y su enemigo el Joker tras la fuga de este último de Arkham. El villano tras su fuga dispara a la hija del comisario Gordon dejándola paralítica y secuestrando a su padre. A través de diversos flashbacks se conoce cual podría ser el origen de la némesis del hombre murciélago.

 

La película del año 2016 fue dirigida por Sam Liu, con guión de Brian Azzarello y tiene una duración de 72 minutos. La trama se respeta pero se añade durante su primera media hora una historia en la que Batgirl, Barbara Gordon, y Batman investigan un caso de un mafioso y la relación que se establece entre ambos.

 

Esta trama puede molestar ya que es como si el film tuviera dos historias distintas, pero a la vez sirve para conocer un poco más al personaje de Batgirl y el peso que tendrá de forma posterior en el devenir de los acontecimientos. Se puede justificar diciendo que la escasa longitud de páginas de la obra original no daba para una adaptación y razón no faltaría. Pero el comic va directo al grano con la llegada de Batman a Arkham y no mete paja innecesaria. De esta forma punto para el original.

 

El dibujo de la obra original es una verdadera maravilla, de lo mejor que ha tenido Batman a lo largo de sus años. Refleja el tono oscuro que ha sido característico del hombre murciélago y de su némesis. La mayor parte de la acción transcurre de noche y el aspecto del Joker es aterrador. Además tiene viñetas inolvidables como las de el viaje a la locura de Gordon mientras ve fotos de su hija desnuda que ha tomado el Joker, el nacimiento del villano o la viñeta final en la que Batman y su enemigo ríen tras un chiste del segundo.

 

La película cuenta con una estética de anime y que va cambiando en según que planos. El Joker no da tan mal rollo como en la obra original, sigue siendo el Joker pero le falta algo para ser tan amenazador como en otras adaptaciones que ha tenido este famoso villano de los comics. La animación es correcta sin más, y sin duda se le podía haber sacado mucho más jugo y más teniendo en cuenta el buen sabor de boca que nos dejaron Batman año uno o Batman: The Dark Knight returns. De nuevo punto para el original.

 

 

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La relación en la obra original entre los protagonistas está mejor narrada, así como la psicología de los mismos y que es el pilar esencial del comic, gracias al talento de Moore. Así el comic supone un viaje a la locura y a indagar sobre si se pueden pasar los límites de la ley tanto por parte de Gordon como de Batman, que es el objetivo final del Joker, conseguir que ambos pierdan su cordura. Esto queda reflejado en una frase del Joker, en la que afirma que "solo se necesita un mal día para volverse como yo" como queriendo justificar las atrocidades que ha cometido.

 

En el comic el Joker hasta que se convierte en tal, es un personaje que llega a dar lástima por su situación familiar y profesional. Pero en el momento en que se convierte en la némesis de Batman, todo rastro de cordura desaparece, como si en realidad su verdadera personalidad hubiera sido la de un asesino psicópata que solo necesitaba una excusa para salir a flote.

 

En la adaptación la relación no es tan fluida, ya que tiene el problema de Batgirl y su relación con Batman. Algo que en el comic pasa de puntillas, aquí tiene más importancia llegándose a pensar que es la heroína la verdadera protagonista de la cinta. Además, uno de los diálogos claves de la visita al hospital por parte de Batman a Barbara ha sido cambiado. Mientras que en el comic Batman se dirige a Barbara con su nombre original, en la adaptación esto no ocurre ya que el hombre murciélago no conoce la identidad real de Batgirl y va a verla por ser la hija de Gordon. Esto es otro motivo más para que la original se lleve un nuevo punto.

 

A tenor de la paliza que se ha llevado la película diréis que es mala. Dista mucho de serlo, pero es que el comic es una de las mejores novelas gráficas de Batman. La cinta es correcta, pero viniendo del estudio del que viene y que nos ha regalado otras cintas mejor dibujadas decepciona. Se podía haber hecho mucho mejor sin duda, puesto que la fuente original se prestaba para ello. Esperemos que esto haya sido solo un pequeño traspiés en el departamento de animación de DC.

 

 

A continuación el tráiler:

 

 

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.



series: top intro series vol. 3

Muy buenas a todos. A diferencia de las dos anteriores entregas, hoy vamos a hablar de las intros de series de animación. Para empezar comentaremos 4 para posteriormente ir ampliando en futuras entregas. Todas ellas os sonarán seguro, salvo la primera que es poco conocida y que los más viejos del lugar pueden recordar. Así pues, iniciemos de nuevo un viaje a nuestra infancia para recordar estos shows animados que tan buenos ratos nos han hecho pasar. ¿Listos? Allá vamos.

Dai Apolón: creada por Tetsu Kariya  y dirigida por Tetsuo Ono, contó con una única temporada de 26 episodios. Surgió como respuesta al fenómeno mecha iniciado por Mazinger Z. Fue emitida entre 1976 y 1977 y en ella se nos narraba las aventuras de Takeshi, un huérfano que un día se entera que es el príncipe del reino Apolón arrasado por los Dasan. Desde ese momento, nuestro protagonista a los mandos de su robot Dai Apolón, presentará batalla a sus enemigos. Una de las características principales de esta serie es que el piloto no solo se limita a conducir al robot, si no que forma parte del mismo uniéndose a él. A continuación la intro:

Mazinger Z: creado por Go Nagai y dirigida por Yugo Serikawa; Toshio Katsuda y Tomoharu Katsumata, la serie contó con 92 episodios emitidos entre 1972 y 1974. El show nos contaba el enfrentamiento de Koji Kabuto contra los brutos mecánicos enviados por el Doctor Infierno, El barón Asher y El conde Brocken para eliminar a nuestro héroe y hacerse con la alineación de la que está hecho Mazinger para dominar el mundo. Serie mítica de la infancia de muchos y que vista hoy día puede resultar vieja, pero a la que se recuerda con nostalgia. A continuación la intro:

X Men: Basada en los famosos personajes de comic y emitida en nuestro país por Telecinco, la serie contó con 76 episodios repartidos entre 1992 y 1997. El show nos mostraba las aventuras de nuestros héroes con los malvados que quieren dominar el mundo, entre ellos Magneto; La hermandad de mutantes diabólicos o Apocalipsis entre otros. Serie plagada de acción y humor y que significó el pistoletazo de salida para las series de animación con superhéroes. La introducción posee uno de los temas más cañeros dentro de estos shows:

Saint Seiya: creada por Masami Kurumada y emitida en dos partes, la primera emitida en los años 80 y que llegó hasta la saga de Poseidón y la segunda en la primera década del 2000 que adaptaba la saga de Hades. La serie con un total de 145 capítulos, nos contaba las aventuras de Seiya y sus amigos para proteger a Saori, encarnación de Atenea, contra el mal que quería dominar el mundo. Además de el valor de la amistad, uno de paso aprendía mitología gracias a los personajes que iban apareciendo por la serie. El manga acabó derivando en spin offs, videojuegos, etcétera lo que demuestra que a la creación de Kurumada aún le queda cuerda para rato. A continuación la intro:





Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

series: top intro series vol. 2

Muy buenas a todos. Hoy de nuevo volvemos a hacer un repaso por aquellas intros de series de televisión que molaban, ya sea por la fanfarria, por lo que anticipaba lo que estaba por venir una vez se acababan los títulos de crédito o simplemente porque nos gustaba ver a los protas en diferentes situaciones de peligro. Esta vez la mayor parte de las que voy a comentar pertenecen a los años 80, por lo que la nostalgia será importante en la entrada de hoy. Arranquemos el Delorean y viajemos a conocer parte de las series de nuestra infancia. ¿Listos? Allá vamos.

Macgyver: creada por Lee David Zlotoff y emitida entre 1985 y 1992 más dos telefilmes, la serie nos contaba las peripecias de Macgyver, Richard Dean Anderson, que trabajaba para la fundación Fénix. La característica de este personaje era que usaba su ingenio y sus conocimientos sobre ciencia e ingeniería para hacer armas con los más insospechados elementos. Serie de aventuras con un protagonista con mucho carisma, y que aún hoy sigue enganchando cuando ves algún capítulo suelto por la TDT. Su intro era muy animada y con un tema que no se olvida:

El halcón callejero: creada en 1985 por Paul M. Belous y Robert Wolterstoff contó con una única temporada en la que se nos contaba las aventuras de Jesse Mach, Rex Smith, un policía herido al que ponen a los mandos de una moto equipada con la última tecnología para combatir el crimen. Al coincidir con El coche fantástico, hizo que esta serie pasará más desapercibida perro hoy está considerada como de culto. Su intro y tema también eran bastante chulos:

Airwolf: creada por Donald P. Bellisario contó con tres temporadas emitidas entre 1984 a 1987. La serie nos contaba las aventuras de Stringfellow Hawke, Jan Michael Vincent, y de Dominic Santini, Ernest Borgnine, que trabajan para una rama de la CIA conocida como la firma. Acción bien rodada y con uno de los temas de cabecera más chulos de la década de los ochenta:

Historias de la cripta: creada por William Gaines contó con 7 temporadas entre 1989 y 1996. La serie la producía HBO en lo que es una de sus producciones más gamberras y divertidas. Entre los numerosos actores que se dejaron ver a lo largo de sus episodios encontramos a Brad Pitt; Patricia Arquette; Demi Moore; William Sadler o Arnold Schwarzenegger. Si la memoria no me falla creo que en nuestro país la emitió Telecinco.
La serie contó con un par de adaptaciones a la gran pantalla, una de ellas interpretada por Sadler, y tenía una duración cercana a la media hora. Salvando las distancias, se puede decir que es la respuesta en clave de terror y humor a Alfred Hitchcock presenta, ya que su principio y final son iguales a los del maestro del suspense con el guardián de la cripta ejerciendo de maestro de ceremonias:

Misterio para 3: creada por Larry Williams y Frank Mancuso Jr, la trama nos contaba como un anticuario, R. G. Armstrong, hizo un pacto con el diablo y maldijo una serie de objetos. Años después los primos Micky Foster, Louise Robey, y Ryan Dallion, John D. Lemay, se hacen cargo de la tienda y deben recuperar esos objetos malditos con la ayuda de Jack Marshank, Chris Wiggins, un experto en temas sobrenaturales.
Esta serie formaba junto con camino al infierno los dos shows que emitía Telecinco en la tarde de los Domingos y que suponía un buen entretenimiento, con buenos efectos especiales y con la dirección de directores como David Cronenberg en alguno de sus capítulos para una serie que pese a que ha caído en un relativo olvido, sigue siendo recordada por aquellos que cada semana veíamos las andanzas de sus protagonistas:

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

libro: La furia

Muy buenas a todos. Hoy de nuevo os traigo un libro publicado por la editorial Sajalín, editorial que se está convirtiendo en una de mis favoritas de un tiempo a esta parte debido a la selección y variedad de títulos que poseen en su catálogo. Los que han ido apareciendo por aquí y ya reseñados, pertenecen en su mayoría a su colección al margen, que suele enclavar literatura negra. Así pues, viajemos a la Irlanda actual para conocer a tres personajes que tarde o temprano cruzarán sus caminos. ¿Listos? Allá vamos.

Escrito por Gene Kerrigan, la trama nos cuenta la historia de Bob Tidey, un honesto policía; Vincent Naylor, un criminal que acaba de salir de prisión y que sueña con dar un golpe que le retire de la vida criminal y de Maura Coady, una antigua monja ya retirada con remordimientos de su vida pasada y que conoce a Bob. Un suceso en apariencia inocente hará que los caminos de nuestros protagonistas se crucen y teñirá las calles de Dublín de sangre.

Una vez más Sajalín ha vuelto a dar en la diana al publicar un libro que permanecía inédito en nuestro país. Kerrigan es un reputado periodista irlandés que cuenta en su haber con diversos artículos denunciando la corrupción en su país, así como de varias novelas negras ambientadas en la Irlanda posterior a la crisis financiera. Es precisamente la entrada de hoy la primera en aparecer en España la que resultó ganadora a la mejor novela criminal en 2012.

Lo que nos ofrece Kerrigan es un retrato de la Irlanda más actual, cuando la crisis financiera provocada por la burbuja inmobiliaria trajo consigo la pobreza a aquellas personas que se endeudaron buscando hacerse ricos. Así el autor presenta una sociedad en la que los escándalos financieros, con políticos, banqueros y abogados corruptos están casi a la orden del día y en donde el ser honesto no está bien visto por las figuras más destacadas de la sociedad.

El autor nos presenta a los personajes en diversos capítulos para que los lectores los vayan conociendo poco a poco. De esta forma, Bob es un policía honesto y separado con dos hijos, se conoce las calles de la ciudad y mantiene contacto con un par de delincuentes ya reformados que serán de gran ayuda en el devenir del libro. Vincent es un matón de poca monta, con ansías de ser alguien cuando en realidad es un delincuente del montón. Maura es una persona cansada no tanto por  la edad, sino por los pecados y remordimientos que cometió cuando estaba en el clero. Penas con las de ha de vivir en su día a día.

El libro cuenta con 4 partes y 64 capítulos. A pesar de su extensión, poco más de 400 páginas no llega a aburrir en ningún momento. Resulta muy entretenido y a uno le cuesta dejar su lectura, puesto que quiere saber como continua la historia y que le deparará el destino a nuestros protagonistas. La novela una vez presentados los personajes, va ganando velocidad hasta que llega a su conclusión, momento en el cual los lectores ya pueden descansar después del viaje por las calles de Dublín donde han acompañado a los protagonistas.

Salvando las distancias, si hay un referente televisivo que se puede comparar a esta novela es The Wire, sobre todo por el retrato que hace Kerrigan de una sociedad en la que aquellos que están arriba en el poder no quiere que se sepan sus chanchullos, y ponen toda clase de trabas a aquellos que quieren alcanzar la verdad, como ocurre en el caso de Bob.

Una novela negra, con muchos toques de realidad, que se disfruta desde sus primeras frases y que ningún amante de este género literario debería dejar pasar.

Espero que os haya gustado la entrada de hoy.

series: top intro series vol. 1

Muy buenas a todos. De un tiempo a esta parte venía dándole vueltas a una nueva sección en el blog, hasta que hoy por fin he decidido darle salida. La idea es la de poner intros de series famosas, de cualquier época y comentar la razón de porque me gustan y explicar de forma breve el argumento de la misma. En esta primera entrega tendréis una pequeña muestra de lo que quiero decir y que se irá ampliando con futuras entregas. El orden en el que irán apareciendo no indica que una me guste más que la otra. ¿Listos? Allá vamos.

The master: creada por Michael Sloan y emitida en 1984, pese a que en nuestro país tardó tiempo en llegar y fue emitida en los primeros tiempos de  Antena 3, en el programa Cinturón Negro presentado por Coral Bistuer. El programa consistía en la emisión de una película del enésimo clon de Bruce Lee, como Bruce Le; Bruce Li; Dragón Le o Bruce Liang y en un episodio de la serie protagonizada por Lee Van Cleef y Timothy Van Patten como dos ninjas que ayudaban a la gente, mientras buscan a la hija del personaje de Van Cleef y el villano era interpretado por Sho Kosugi. La intro era mítica y dinámica como podéis ver a continuación:

Renegado: creada por Stephen J. Cannell en el que Reno Raines, Lorenzo Lamas, busca vengarse del hombre que le acusó del asesinato de su esposa mientras trabaja como cazarecompensas. Emitida de 1992 a 1997 en la 1, era una serie que tenía mucha acción, chicas atractivas y un prota que daba hostias como panes. El rey de las camas , como se le conocía a Lamas en aquella época, vivió una buena época como actioner que luego supo explotar en la serie B de acción destinada a los videoclubs. A continuación la intro:

Alfred Hitchcock presenta: creada y presentada por el mago del suspense y emitida entre 1955 y 1965, la serie constaba de capítulos cortos con un final sorprendente. Hitchock ejercía como maestro de ceremonias con su particular humor negro, tanto al principio como al final del episodio. En sus años de emisión algunos directores que dirigieron capítulos, además del propio Hithcock fueron Robert Altman; Sidney Pollack o Ida Lupino. Algunos de los actores que intervinieron fueron Charles Bronson; James Coburn; Bette Davis o John Cassavettes. La intro de la serie fue marcha fúnebre para una marioneta que desde entonces fue ligada a la figura del director de Psicosis:

Los Soprano: creada por David Chase y emitida entre 1999 y 2007 por HBO, es sin duda una de las mejores series de televisión de la historia. La trama nos contaba la vida de Tony Soprano, James Gandolfini, un jefe mafioso que ha de llevar el mando de sus dos familias, la mafiosa y la integrada por su mujer e hijos, mientras acude a la consulta psiquiátrica de la doctora Melfi, Lorraine Braccco. Buena dirección, grandes guiones y unos estupendos actores dieron como resultado un show que nos desvelaba el día a día de un jefe mafioso. A continuación la intro:

 

 

Twin Peaks: creada por David Lynch y emitida entre 1990 y 1991, el realizador de Terciopelo Azul trasladó su particular mundo a una serie de televisión que mantuvo enganchados a los espectadores de medio mundo, que se preguntaban quién mató a Laura Palmer y que dio el pistoletazo de salida a la era dorada de los shows televisivos. La intro nos mostraba el paisaje idílico de Twin Peaks con la partitura de Angelo Badalamenti. Una gran serie que el año que viene conocerá una nueva temporada para alegría de sus seguidores. A continuación la intro:

Camino al infierno: emitida en Domingo durante los primeros años de vida de Telecinco junto con Misterio para 3, la serie nos contaba las aventuras de un pelotón en Vietnam durante 3 temporadas. El show trataba temas como el racismo, las drogas y como afectaba la vuelta al hogar de aquellos que regresaron del conflicto armado. Serie que hoy los más nostálgicos recuerdan sobre todo gracias a su intro que contaba con el inmortal tema de los Stones Paint it black:

Espero que os haya  gustado la entrada de hoy.